DOLITTLE con Robert Downey Jr llega a los cines en España, México y Venezuela
La nueva película de Robert Downey Jr., “Dolittle” (titulada “Las aventuras del Doctor Dolittle” en México y España), se estrena este 31 de enero en México y 24 de enero en España y Venezuela. Su estrenó en Estados Unidos fue el pasado 17 de enero. A continuación, te compartimos las notas de producción de esta película de Universal Pictures.
Sinopsis del film “Dolittle”
Robert Downey Jr. da vida a uno de los personajes más perdurables de la literatura en una vívida reinvención del clásico cuento del hombre que podía hablar con los animales: Dolittle.
Después de perder a su esposa siete años antes, el excéntrico Dr. John Dolittle (Downey), famoso médico y veterinario de la Inglaterra de la Reina Victoria, se refugia detrás de los altos muros de Dolittle Manor con su colección de animales exóticos como única compañía.
Pero cuando la joven reina (Jessie Buckley, Wild Rose) enferma gravemente, un renuente Dolittle se ve obligado a embarcarse en una aventura épica a una isla mítica en busca de una cura, recuperando su ingenio y coraje mientras encuentra viejos adversarios y descubre criaturas maravillosas.
En su búsqueda, el doctor es acompañado por un joven aprendiz (Harry Collett de Dunkirk) y un grupo de ruidosos amigos animales, incluido un gorila ansioso (ganador de Oscar® Rami Malek), un pato entusiasta pero con cerebro de pájaro (ganadora del Oscar® Octavia Spencer), un dúo de un avestruz cínico (Kumail Nanjiani de The Big Sick’s) y un oso polar optimista (John Cena de Bumblebee) y un loro testarudo (ganadora del Oscar® Emma Thompson), quien es el asesor más confiable de Dolittle.
La película también está protagonizada por Antonio Banderas, Michael Sheen (The Queen) y el ganador del Oscar® Jim Broadbent y presenta actuaciones de voz adicionales de la ganadora del Oscar® Marion Cotillard, Frances de la Tour, Carmen Ejogo, Ralph Fiennes, Selena Gomez, Tom Holland y Craig Robinson.
Dirigida por el ganador del Premio de la Academia® Stephen Gaghan (Syriana, Traffic), Dolittle es producida por Joe Roth y Jeff Kirschenbaum bajo Roth / Kirschenbaum Films (Alicia en el país de las maravillas, Maléfica) y Susan Downey (franquicia de Sherlock Holmes, El juez) para Team Downey. La película es producida por Robert Downey Jr., Sarah Bradshaw (The Mummy, Maleficent) y Zachary Roth (Maleficent: Mistress of Evil).
A Gaghan lo acompañan detrás de las cámaras el director de fotografía ganador del Óscar® GUILLERMO NAVARRO (Pan’s Labyrinth, The Devil’s Backbone), el diseñador de producción DOMINIC WATKINS (United 93, Snow White and the Huntsman), la diseñadora de vestuario dos veces ganadora del Premio de la Academia® JENNY BEAVAN (Mad Max: Fury Road, la serie de películas de Sherlock Holmes), los editores CRAIG ALPERT (Deadpool 2, Pitch Perfect 2 & 3) y CHRIS LEBENZON (Alice in Wonderland, Top Gun), el supervisor de efectos especiales dos veces nominado al Premio de la Academia® NICOLAS AITHADI (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1, Guardians of the Galaxy) y el supervisor de efectos visuales ganador de dos Premios Óscar® JOHN DYKSTRA (Spider-Man, Spider-Man 2), así como el supervisor de animación ganador del Premio de la Academia® DAVID SHIRK (Ready Player One, Gravity), el productor de efectos visuales TIM KEENE (Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi, Spectre) y el compositor musical cuatro veces nominado al Óscar® DANNY ELFMAN (The Nightmare Before Christmas, Men in Black).
Información de la producción
Dolittle presenta las voces adicionales en inglés de la ganadora del Óscar® MARION COTILLARD como Tutu, una zorra astuta y valiente; TOM HOLLAND (actor de la serie de películas de Spider-Man) es Jip, un perro lurcher inteligente y leal de pelo largo; SELENA GOMEZ (que ha prestado su voz a personajes en la franquicia de Hotel Transylvania) es Betsy, una jirafa artista del escapismo; CRAIG ROBINSON (Dolemite Is My Name) le da voz en inglés a Kevin, una ardilla herida que es a la vez descarada, honesta y rencorosa; FRANCES DE LA TOUR (Alice in Wonderland) es una antigua dragona que sufre de problemas gastrointestinales; JASON MANTZOUKAS (Big Mouth que se exhibe por Netflix) es James, una libélula con enormes ojos de insecto que sirve como informante de Dolittle y Stubbins en Monteverde; y RALPH FIENNES (actor de la serie de películas de Harry Potter) le da voz a Barry, un tigre feroz con dientes de oro, que tiene problemas de mamitis.
Dirigida por el ganador del Premio de la Academia® STEPHEN GAGHAN (Syriana, Traffic), Dolittle es producida por JOE ROTH y JEFF KIRSCHENBAUM a través de su compañía de producción Roth/Kirschenbaum Films (Alice in Wonderland, Maleficent) y por SUSAN DOWNEY (franquicia de Sherlock Holmes, The Judge) en representación de la empresa Team Downey. La historia para la pantalla es de THOMAS SHEPHERD y el guión lo escribieron Gaghan y DAN GREGOR & DOUG MAND (How I Met Your Mother de CBS). Los productores ejecutivos de Dolittle son Downey Jr., SARAH BRADSHAW (Last Christmas, Maleficent), ZACHARY ROTH (Maleficent: Mistress of Evil) y JONATHAN LIEBESMAN (Teenage Mutant Ninja Turtles).
LA HISTORIA DE FONDO
Desarrollando la aventura
El director Stephen Gaghan entreteje la historia.
Durante casi 100 años, los cuentos fantasiosos de “Doctor Dolittle” de Hugh Lofting han encantado a lectores jóvenes y adultos. La asombrosa capacidad del héroe para dominar las complejas lenguas de animales grandes y pequeños ha despertado la imaginación del público en múltiples medios, incluida la literatura, la radio, el teatro, la televisión y el cine.
A través de su compañía Roth/Kirschenbaum Films, que recientemente produjo la película Maleficent: Mistress of Evil, los productores Joe Roth y Jeffrey Kirschenbaum habían estado desarrollando esta saga desde hacía algún tiempo. Después de que Thomas Shepherd, el escritor de la historia para la pantalla de Dolittle se unió al proyecto y adaptó la serie de libros de Lofting, la película empezó a tomar forma. Pero no fue sino hasta que el director ganador del Premio de la Academia® Stephen Gaghan hizo acto de presencia que Dolittle empezó a realizarse por completo.
Para Gaghan, la película de Doctor Dolittle de 1967 había sido formativa. “Cuando vi la versión de Rex Harrison estaba en una edad crítica”, dice Gaghan. “Tenía tres o cuatro años en ese momento y se sentía sencillamente cautivado. Creo que se quedó en un rincón oscuro de mi cerebro y ahí se anidó; estuvo esperando 50 años para salir a la luz”.
Cuando Gaghan se reunió con los productores para compartir sus notas sobre la historia, se encontró representando escenas que le gustaría ver en su versión de la película. “Soy un animal loco que creció con una granja en Kentucky”, dice Gaghan. “He criado a mis propios hijos ofreciéndoles a cada uno su propia historia. Me inventaba historias para mis hijos todas las noches. Cada uno de mis cuatro hijos—entre 5 y 19 años—ha escuchado su propia serie, que creen que proviene de libros. En cambio, yo los cuento siguiendo mi propio instinto”. También le mostró a cada uno de sus hijos la película animada ganadora del Óscar® Spirited Away, del legendario cineasta Hayao Miyazaki, cuando cada niño era pequeño. “No me importó si era apropiada para su edad”, expresa Gaghan. “¡Es una película perfecta!” Todo eso en conjunto – los cuentos para sus hijos, todas las películas de Miyazaki (vistas varias veces con cada niño), y ese recuerdo imborrable de la película de Rex Harrison ayudó a formar su visión de Dolittle. “Dejas que todo eso quede guardado durante años y desde hace tiempo… y aquí estamos”, relata.
En el sentido más simple, Gaghan quería crear una película que fuera tanto la primera película que su hijo de cinco años experimentaría en una sala de cine, como también una lo suficientemente sofisticada para sus hijos adolescentes. “Quería que mis hijos se sintieran cautivados por ella y tuvieran esa sensación de asombro y admiración”, señala Gaghan. “No puedo separar a la familia del proceso. Todo el amor que siento por mi vida familiar, de la manera más cariñosa, se vierte en mi trabajo en esta película. Tienes que imaginar un mundo que pueda contener todos estos elementos”.
Kirschenbaum estaba seguro de que Gaghan llevaría la historia a un nivel superior, y el equipo acordó dejarlo reescribir el borrador. En el centro de la historia hay un niño llamado Stubbins que se introduce al mundo de Dolittle, y Kirschenbaum agradeció que Gaghan planeara adoptar un enfoque personal para el viaje de Stubbins.
“Creo que el concepto de un niño que siente que está fuera de lugar en su espacio realmente resonó con Steve”, dice Kirschenbaum. “Ese es el viaje del personaje de Stubbins, un chico que está inmerso en el mundo de la cacería. Vive con su tía, tío y primo, que son cazadores. Stubbins no quiere matar criaturas; quiere salvarlas. Cuando encuentra al doctor Dolittle, que ha perdido a su esposa y está de luto, dos espíritus afines emprenden este viaje de sanación. Solo pueden lograrlo a través de la comunicación y la escucha. Al darle forma al guión de esa manera, Steve pudo subirlo de nivel”.
Para Gaghan, la película y el personaje de Dolittle se relacionaron de manera silenciosa y profunda con nuestro mundo moderno ruidoso, agresivo y polarizado. “Si lo miras desde el paradigma de un superhéroe, Dolittle es un superhéroe cuyo súper poder es escuchar”, dice Gaghan. “La razón por la que puede comunicarse con todas estas criaturas es porque tiene este corazón de profunda empatía. Cuando hoy en día lo que prevalece es la satanización, Dolittle, en esencia, se trata del valor de ser escuchado. Toda criatura tiene algo que decir. Hay puntos de vista en la naturaleza que merecen nuestro oído. Los recuperas y se desarrollan en la comunidad humana. Dolittle se trata de buscar las similitudes versus las diferencias. Cada vez que cualquiera de nosotros hace eso durante nuestros días, nos hace mejores”.
Hablando con los animales
Robert Downey conoce a Dolittle
Cuando la superestrella mundial Robert Downey Jr. decidió que su primer proyecto posterior al Universo Cinematográfico de Marvel sería abordar el viaje del querido veterinario—y regresar a la narrativa inspirada a sus raíces victorianas de Inglaterra—nació un héroe para una nueva generación de buscadores de aventuras cinematográficas.
Roth y Kirschenbaum se pusieron en contacto con Team Downey—la compañía productora dirigida por Robert y Susan Downey, la esposa del actor-productor y colaboradora desde hace mucho tiempo—y se encontraron con compañeros creadores que apreciaban la habilidad de Roth para reinterpretar cuentos clásicos. Desde Alice in Wonderland a Snow White and the Huntsman, el prolífico productor desde hace tiempo ha venido realizando historias para toda la familia que generan reflexión y las ha traducido en franquicias de gran éxito. Roth y Kirschenbaum estaban seguros de que el brillantemente complejo Dolittle que lograría Robert Downey funcionaría para todas las edades.
Por su parte, Gaghan creció apreciando a Downey como un gran actor y comenzó a dar forma a su Dolittle en torno a la sensibilidad del artista. Comenzó a escribir con Downey en mente. “Los actores lo respetan como un gran actor”, dice Gaghan. “Una vez que tienes a Robert caracterizando este personaje, se siente tan fresco, y la voz que salió de mí cuando estaba escribiendo se sintió original, de regreso a como estaba expresado en los libros. Pero no quería sentirme en deuda con esas ideas. Quería que se sintiera moderno y tuviera una psicología moderna”.
La primera reunión del director con Robert Downey fue crucial y dio forma a todo lo que siguió. “Cuando nos reunimos”, relata Gaghan, y Robert preguntó: ‘¿Qué decisiones ya están tomadas para esta película?’ Yo le dije, ‘Solo una decisión ha sido tomada, y por eso estamos aquí. Queremos que seas el personaje, y todo lo demás está abierto.’ Él es una fuerza creativa que se convierte en un socio y hacemos la película juntos. Fue una decisión importante, pero fue la correcta”.
Robert y Susan Downey lo vieron como un gran desafío creativo y una oportunidad. “Joe Roth vino a nosotros con la versión del guión que Stephen Gaghan había escrito”, dice Susan Downey. “Dijeron que Robert era la persona que tuvo en mente cuando lo escribió. Robert y yo lo leímos, y pensamos que era muy divertido. ¿Quién no quiere pensar que puede hablar con sus animales? En esencia, Steve había creado esta aventura épica que pensamos que sería buena para todas las audiencias y las familias”.
La pareja Downey han creído durante mucho tiempo que Dolittle debería ser una aventura épica para toda la familia, así como una historia de encontrar familias y segundas oportunidades donde menos las esperas. “Mi hija de cuatro o mi abuela de 94 años pueden disfrutar de esta película”, comenta Susan Downey. “Es muy divertida. Es simple, tiene un gran alcance, pero hay temas reales en su esencia que—sin importar la edad, género o raza—te hablan a ti directamente”.
Kirschenbaum encontró a su compañera colaboradora en la cima de su carrera. “Susan ya era una gran productora antes de que ella y Robert trabajaran en Sherlock Holmes”, dice Kirschenbaum, “y desde entonces ha producido todas sus películas. Fue una compañera increíble para nosotros, y los dos abrieron su casa y su familia a la producción; fueron muy inclusivos. Nos convertimos en una especie de familia sustituta mientras filmamos; y eso se extendió a todo el elenco. La aventura que emprenden Dolittle y Stubbins—y la colección de animales salvajes—simboliza nuestra experiencia en el set”.
Con un guión para rodaje de Gaghan y Dan Gregor & Doug Mand, la producción fue un éxito. “Esta es la película más mágica que hemos hecho, y eso dice algo”, expresa Robert Downey. “Siempre es un milagro para mí cuando las cosas que tienen tantos elementos en movimiento se unen y terminan siendo algo entretenido. A medida que las personas lo ven, dicen que les conmueve y se entretienen. Mi estoica señora dijo que tiene ese atractivo para el público de 4 a 94 años. Entonces, esta es una misión cumplida para Team Downey”.
“A mi papá le gustará el humor subversivo”, continúa Downey. “Para esta generación de niños, a veces las cosas se vuelven al punto de ser sorprendentemente fotorrealistas, o son casi bidimensionales por cuán animadas están. Esto me recuerda más al tipo de películas que vimos mientras crecíamos—como Fantasia y Mary Poppins—donde había una mezcla de ambas. Siento que Dolittle consigue ese sabor visual”.
Susan Downey está de acuerdo con esa apreciación. “Me recuerda a esas películas clásicas como Chitty Chitty Bang Bang y Willy Wonka & the Chocolate Factory”, comenta Susan Downey. “Hay una gran cantidad de humor subversivo, con una serie de pequeñas barras laterales. Sé con certeza que mis hijos tienen la fantasía de poder hablar con los animales”.
LOS PERSONAJES
Dolittle
Robert Downey Jr.
Un genio particular y peculiar que la mayoría de la gente piensa que está loco, el Doctor Dolittle es un gruñón brillante—que domina casi todos los idiomas de los animales. El alguna vez prometedor médico ha sufrido una pérdida devastadora con la muerte de su esposa, Lily, y en los años que han pasado desde su fallecimiento, se ha cansado de la humanidad y ha dedicado su vida a comprender el mundo secreto de todas las demás criaturas. Ya no le importa “nadie, nada, en ninguna parte”. Aunque es un misántropo encantador—que ahuyenta a los demás sin vergüenza alguna—el desacreditado veterinario de la localidad de Puddleby-on-the-Marsh anhela secretamente volver a ponerse en contacto con la gente y tener una familia. En marcha rumbo a una isla desconocida junto a Stubbins, Dolittle hará uso del más peculiar de sus dones para salvar a la reina… y a su propia humanidad en el camino.
Downey decidió que Dolittle fuera galés. “Pensé en el personaje como alguien que se convirtió en un ermitaño y se aisló debido a un trauma o una decepción emocional”, dice Robert Downey. “Se ha hecho cargo de ayudar solo a los animales, pero realmente ha renunciado a la humanidad. Se escondió en esta propiedad que le regaló la reina. Pensé que sería aún mejor si él fuera galés porque, a pesar de que los galeses son parte de Inglaterra, son bastante insensatos con los ingleses”.
Esa elección creativa, sin embargo, presentó algunos desafíos imprevistos. “Resulta que fue el acento más difícil de la Tierra y me volvió loco”, dice Robert Downey. “Al menos durante el tiempo que dure la película, podrá resistir el escrutinio. Es parecido a un idioma de origen gaélico, y me divertí mucho haciéndolo. Michael Sheen fue un gran promotor, y me dio algunos consejos. Me contó sobre las conversaciones que tenía con su padre, así que grabé mucho a Michael cuando lo hacíamos y llamé a un maestro de diálogos galés”. Downey trabajó con el entrenador de diálogos ANDREW JACK y el consultor galés TIM TRELOAR, quienes estuvieron en el set durante la filmación. Downey y Jack ya habían trabajado juntos varias veces a lo largo de sus carreras. “Robert Downey Jr. y yo pensamos que Chaplin fue la preparación para nuestro trabajo en Restoration y en Sherlock Holmes y Sherlock Holmes: A Game of Shadows”, dice Andrew Jack. “¡Pero vino Dolittle a cambiar las reglas del juego y terminamos hablando en galés de Gales! Pero fiel a la forma, eso no fue un obstáculo; fue una delicia”.
Si bien Dolittle es un personaje extraordinario en las novelas de Lofting, el lector no puede darse el lujo de explorar los defectos del veterinario. El Dolittle de Downey es mucho más complejo. “Robert quería crear un personaje auténtico que fuera peculiar y vulnerable”, señala Kirschenbaum. “De eso surgió un heroísmo”. Downey también estaba pensando como productor, más allá de su propio personaje. “Estaba concentrado en cómo podríamos lograr expandir la audiencia de esta película”, dice Kirschenbaum. “Robert constantemente presentaba ideas y personajes. Es muy parecido al propio Dolittle, involucrando a todos a su alrededor. Delante de la cámara y detrás de ella, es increíblemente inclusivo y generoso”.
Su director aprecia el brillante intelecto de Downey. “En cualquier momento podría hacerte reír, pero es un poco peligroso”, dice Gaghan, “y ese es el Dolittle que encontramos. Dolittle es más inteligente que todos los demás. Ha cerrado el mundo y vive con una familia de animales porque no quiere tratar con humanos. Los animales hacen lo que él quiere, pero operan haciendo conspiraciones a su alrededor. Robert juega con eso. Tiene el gen de la comedia física y puede hacer cualquier caída, así como la actuación más técnica. Cuando empieza la película, Dolittle ha pasado del luto a la autocompasión, los animales están cansados de eso, y de ahí proviene el condimento con el que Robert construyó su personaje”.
Stubbins
Harry Collett
Un niño travieso que se preocupa profundamente por los animales y decide que quiere aprender de Dolittle una vez que ve lo que el médico puede hacer, Stubbins, de 12 años, anhela encontrar su lugar en el mundo—uno lejos de su pequeño pueblo de Puddleby-on-the-Marsh. Dolittle (a regañadientes) toma bajo su protección a este valiente y hábil aprendiz mientras navegan en el viaje de su vida. Probándose a sí mismo como experto en los idiomas más ocultos, Stubbins descubrirá su propio poder—junto con las maravillas del mundo que están ocultas para casi toda la humanidad.
A Gaghan le encantaba ver a Robert Downey y al joven Collett juntos. “En la dinámica de la vida en el set, tenías a este magistral actor al estilo de Chaplin trabajando con alguien que tiene instinto”, expresa Gaghan. “El hecho fue que su relación de trabajo se vio reflejada en su relación de mentor/aprendiz en la pantalla. Uno es todo instinto y talento, que quiere llegar a donde está el otro. Robert lo manejó con aplomo y buen humor”.
El compañero de escena de Collett es el primero en hablar bien sobre el conjunto de habilidades del joven actor. “Harry es un talento en ascenso y una estrella”, indica Robert Downey. “Recuerdo haber visto su prueba de pantalla y decir ‘Dios mío. Me pregunto si así era Tom Cruise cuando tenía 11 años.’ “Pero él tiene su estilo propio y es un chico realmente capaz”. Downey se ríe: “Mi programa de tutoría para la próxima generación de actores continúa”.
Los cineastas habían realizado una búsqueda exhaustiva para encontrar a Stubbins. “Harry siempre sonríe sin esfuerzo y es muy agradable”, dice Kirschenbaum. “Buscamos a Stubbins por todo el mundo y audicionamos a miles de niños. Harry no tenía tanta experiencia como muchos de los otros, pero había algo genuino y naturalmente inquisitivo en él. Queríamos a alguien que se sintiera real, y ese asombro en los ojos de Harry es real”.
Dispuesto a aprender idiomas, desde el de la pata, el del oso polar, al del gorila, Stubbins tiene un don que nadie esperaba. Aún así, el elemento más desafiante para Collett fue usar su imaginación para evocar las criaturas con las que interactuaría. Los personajes animales de la película eran creaciones digitales, por lo que no tenía una verdadera jirafa o avestruz con quién comunicarse. “Buscaría imágenes de cada animal para ver qué tan altos serían, y el equipo de efectos visuales especiales usaba un palo con una pelota de tenis como referencia”, menciona Collett. “Me gustaba tener una gran imaginación y trabajar con eso para sentir que había un animal allí. Aún así, es difícil, porque en realidad estás hablando con una pelota de tenis insertada en un palo cuando en la película, estás hablando con un oso polar. Pasamos un gran momento cuando Robert y yo tuvimos que imaginar a todos los animales en el barco. Como no estábamos al aire libre, definitivamente parecía que cuando el barco se balanceaba estábamos en uno real. Tan pronto como dijeron ‘acción’ tuvimos que entrar en ese mundo y sentir que realmente estábamos allí”.
El actor recibió toda clase de aprendizajes en el set trabajando con Downey. “Cuando miras a Robert, quieres mirarlo fijamente”, dice Collett. “Es como una película en sí mismo; conoce todos los ángulos de la cámara. Él puede verlos. Propone ideas, y puede quedarse inexpresivo y aún así ayudar al director. Puede hacer cada trabajo en el set debido a lo mucho que sabe de películas anteriores que ha realizado”.
Lady Rose
Carmel Laniado
Asistente y futura dama de honor de la reina Victoria, la valiente Eugenie Archer-Rose rescata a Stubbins después de que el muchacho queda atrapado en una trampa en la propiedad de Dolittle. Trae asuntos urgentes desde el Palacio de Buckingham, y Lady Rose insiste en que tanto Dolittle como Stubbins la sigan de regreso al palacio para ayudarla a salvar a la reina de una misteriosa enfermedad. Mientras Dolittle y Stubbins se embarcan en su aventura, Lady Rose, ayudada por el perro Jip y Styx, protegerá a su regente, prometiendo ayudar su alteza a toda costa.
“Lady Rose es segura, amable, decidida, y ve la belleza en todo y en todos”, expresa Laniado. “Está muy decidida a salvar a la reina, así como a ayudar a Stubbins a creer en sí mismo. Lady Rose puede ver cosas en la gente que la mayoría no consigue. Cuando recién la conoces, sientes que proviene de una familia real muy estricta, pero una vez que la conoces mejor, te das cuenta de que solo es una niña normal”.
En Dolittle,Laniado hace su debut en el cine. “Carmel nunca había estado en una película”, señala Gaghan. “Pero ella sola lograba mantener el centro de la atención. No podías quitarle los ojos de encima. Amamos a toda su familia, y sabíamos que ella era Lady Rose desde el momento en que la conocimos. Dijimos: “No importa lo que hayas hecho antes; Todo comienza a partir de ahora. Y desde el primer día parecía que esta era quizás su vigésima película. Tiene un talento innato”.
Rassouli
Antonio Banderas
Solo hay un lugar para encontrar al famoso Rey Pirata Rassouli, y es en el Puerto Pirata de Monteverde. Por razones que no están claras de inmediato, el letal Rassouli no es fan de Dolittle. También sabe un profundo secreto sobre el buen médico, y guarda un diario que contiene la clave del destino de Dolittle: la mística Isla del Árbol del Edén. Rassouli ama a sus felinos y duerme con sus leones cerca de él.
Si bien Robert Downey y Banderas se conocen desde hace décadas, nunca habían tenido la oportunidad de trabajar juntos. “Recientemente abrió un teatro en España y acaba de salir al aire la serie Genius, donde interpretó a Picasso”, dice Robert Downey. “Me di cuenta de que en realidad me estaba encontrando y haciendo escenas de acción en vivo con uno de mis contemporáneos, y solo aprecias profundamente a alguien cuando te das cuenta y dices, ‘Dios mío, ambos hemos estado haciendo esto por la misma cantidad de tiempo… ¡décadas!’ Banderas es impresionante en el papel de Rassouli. Él es fantástico”.
Banderas prefiere enfrentar sus roles como si estuviera saltando desde un acantilado, sin saber si caerá en las rocas o en el agua. Tomó ese enfoque con Rassouli y descubrió que su primer día en el set fue uno de los más intensos de toda la producción. “Las primeras escenas que hice suceden en el calabozo, y Rassouli acaba de poner a Stubbins y Dolittle allí”, comenta Banderas. “Tengo escenas con estos dos personajes principales, y pensaba: ‘¿cómo podía hacerles daño?’ La historia que mi personaje tuvo con ellos en el pasado estaba perfectamente escrita. No necesitaba más que eso para comprender que algo salió realmente mal en el pasado, y tenía que desquitarme, especialmente con Dolittle. Eso me dio suficiente información para entrar al personaje y crearlo para lo que percibí”.
El actor agradeció las bromas y las críticas que compartió con Downey durante la producción. “Tiene que ver con la química, el tiempo, el ritmo y la comprensión de lo que estás haciendo, que va más allá de las palabras”, dice Banderas. “Es algo que está en tu piel. Sentí eso con Robert desde el momento en que lo conocí y vi lo colaborativo que era. Es como proponer un juego, y si la otra persona dice: ‘Sé como es este juego; o quiero jugar contigo,’ entonces, sucede. No hay reacción ni miedo. No hay dudas ni agendas. Es todo por el bien de la historia y para divertirse como actores. Vi eso en Robert desde el primer minuto, y creo que él también lo detectó en mí”.
Müdfly
Michael Sheen
El médico real (e ineficaz hombre de la clase alta), el Dr. Blair Müdfly, está fuera de su alcance tratando de curar a la reina Victoria de una enfermedad terminal. Su remedio propuesto para su misteriosa enfermedad son las sanguijuelas, para hacer circular los vapores. Compañero de escuela de Dolittle en Edimburgo, Müdfly está bastante celoso de Dolittle, y no quiere tener tratos con él.
En busca permanente de validación, Müdfly no puede soportar la atención que le prestan a Dolittle en el palacio, y su ira contra Dolittle lo llevará a buscar venganza. Michael Sheen lo interpretó a la perfección. “Michael brinda una interpretación tan dinámica a Müdfly”, dice Kirschenbaum. “Él es el Salieri de Amadeus para Dolittle”.
Gaghan está de acuerdo. “Michael es el actor de un actor”, expresa Gaghan. “Me encanta. Procesa todo tan rápido. Apareció con ideas y repasó lo que quería que hiciera este personaje—un hombre que solo quiere ser reconocido por Dolittle. El Salieri del Mozart, representado por Dolittle. Y cada idea que Michael tenía era mejor de lo que podías imaginar. Fue algo como, ‘Haz eso. Está bien. Haz aquello. Sí.’ “El nivel de habilidades para la actuación de Michael ha hecho que sea divertido para Robert y para él actuar enfrentados el uno contra el otro”.
Por su parte, Sheen admite que siempre se sorprende por los detalles que se incluyen en los sets de películas como esta. “A menudo el público ni siquiera notará pequeños detalles como se aprecian en las tomas de barrido de grandes sets”, dice Sheen. “Pero como actor, realmente nos ayuda a tramar un mundo que no existe”.
Gran parte de ese crédito se lo da a Gaghan. “Realmente disfruté trabajar con Steve porque es escritor y director”, comenta Sheen, “así que su imaginación está tan viva. Me encanta que de repente tenga ideas mientras haces una escena y responda a lo que estás haciendo, y creo que esa es una gran cualidad. Nos permitía proponer ideas durante el ensayo, y luego nos movíamos hacia una dirección inesperada. Steve tiene una imaginación muy rica, y al mismo tiempo, la capacidad técnica para hacerla funcionar frente a la cámara”.
El actor se ríe cuando examina los momentos en los que tuvo que recordarse a sí mismo que había muchos animales en una habitación mientras actuaban en una escena. “Tienes que aferrarte a eso, y es muy divertido cuando puedes actuar así”, dice Sheen. “Incluso si son solo pequeños momentos como en la primera escena que hago con las sanguijuelas, o cuando de repente hay un animal bajo tus pies. Es como actuar cuando eres un niño pequeño; no tienes utilería, escenarios ni hay otras personas. Es la forma más pura de actuar, en cierto modo—simplemente actúas con tu imaginación”.
Badgley
Jim Broadbent
En caso de que la reina Victoria sucumbiera a su enfermedad, Lord Thomas Badgley se convertirá en el rey Thomas Primero. No es impensable que haga lo que sea necesario para garantizar que haya una sucesión ordenada… y que la corona pase a la casa de los Badgley. Ha llegado de la Cámara de los Lores con gran preocupación por la condición de la reina y envía una fragata, la Britannia, para seguir a Dolittle.
La producción se sintió honrada de contar con Broadbent, ganador del Óscar®, como parte del elenco. “En mi opinión, estoy convencido de que Jim Broadbent es el mejor actor vivo hoy en día”, dice Kirschenbaum. “Fuimos muy bendecidos de tenerlo en el set con nosotros. Él ofreció una actuación en capas a Badgley. Este es un personaje tan matizado, y cada vez que Jim está en la pantalla, es un momento delicioso para el público”.
Broadbent ya había trabajado con Jessie Buckley, quien interpreta a la reina Victoria, en la serie de televisión War and Peace, así como con Michael Sheen, pero era la primera vez que trabajaba con Gaghan. “Es un director interesante que encuentra formas diferentes y emocionantes de contar la historia”, dice Broadbent. “Me ha fascinado verlo trabajar y conocerlo un poco”.
Como la mayoría de sus escenas tienen lugar en los aposentos de la reina, Broadbent llegó a apreciar el exquisito diseño de los escenarios de la película Dolittle. “Es una habitación magnífica, con una gran cama con dosel, fundas de terciopelo y maravillosas imágenes en las paredes y muebles”, dice Broadbent. “Es una fantástica pieza de diseño. Nunca he estado en las grandes habitaciones del Palacio de Buckingham, pero así es como me imagino que serían”.
Gaghan siente que Broadbent y Sheen, especialmente, ofrecen un nivel de comedia deliciosamente singular a la historia. “Quería generar la misma sensación de Chitty Chitty Bang Bang donde puede haber peligro y al mismo tiempo, un tono que rara vez encuentras en las películas para niños”, comenta Gaghan. “Si vas a rendir homenaje, ¿por qué no hacerlo a Roald Dahl e Ian Fleming? Estábamos escogiendo lo mejor al más alto costo. Por un lado, te das cuenta de que Rassouli te ofrecerá como comida a un felino de la jungla. Y por otro lado, tenemos esta proximidad cómica que tienen Jim, y particularmente Michael. Yo lo llamo ‘vida, más el 10 por ciento.’ Son auténticos para la época y el personaje, pero le agregan un 10 por ciento que es espectacular. Simplemente les sigues la corriente”.
Jessie Buckley
Con solo 18 años, la joven monarca cayó gravemente enferma con un misterioso padecimiento. La reina Victoria, el miembro de la realeza más joven en ascender al trono, demostrará que no solo tiene la fuerza de carácter para gobernar, sino también el poder para vencer a cualquiera que intente tomar lo que es legítimamente suyo. Su única esperanza es una cura que nunca se haya probado, proveniente de un árbol que nunca se ha visto… que está en una isla que nunca ha sido localizada.
Antes de comenzar la fotografía principal, Jessie Buckley leyó una biografía sobre Victoria que la ayudó para realizar su actuación. “Victoria se convirtió en reina cuando tenía la edad que muestra en nuestra historia, y estaba siendo manejada como marioneta por la gente que integraba su corte”, relata Buckley. “Cuando tuve conversaciones con Stephen y Robert sobre cómo era estar en esa habitación, ella se encuentra en un lugar de peligro extremo. Sus hilos están siendo tirados hasta el punto en que su vida se ve amenazada”.
LOS ANIMALES
Para Gaghan fue crucial llevar a los personajes en la vida de Dolittle. Tomó a un animal a la vez y tejió las capas narrativas y emocionales en cada personaje. “Cuando comienza la aventura, Dolittle es un gran ermitaño”, dice Jeff Kirschenbaum. “Muchas de estas criaturas—desde el miope perro Jip hasta el nervioso gorila Chee-Chee y el asustado avestruz Plimpton—tienen algo que superar. Steve quería divertirse con estos personajes, así como impregnarlos de lo inesperado. Solo estando juntos—donde el Doctor Dolittle puede curarlos—a cambio, están curando a este hombre que se ha retirado del mundo. En este viaje con su nuevo aprendiz, Dolittle puede resurgir para salvar a la reina de Inglaterra… y al hacerlo, salvarse a sí mismo”.
Una vez que Gaghan y sus productores encontraron el aspecto ideal para cada animal, llegó el momento de encontrar a los actores que prestarían la voz perfecta para complementar a cada criatura.
Polynesia, la lora
Emma Thompson
“Los animales están constantemente tratando de ayudar a Dolittle a ser la mejor versión de sí mismo, para ayudarlo a regresar a la gloria que tuvo en otro momento”, dice Kirschenbaum. Originalmente Polynesia era la lora de Lily, la esposa de Dolittle. “Polynesia se da cuenta de que esta es una oportunidad no solo para salvar a la reina, sino también para salvar a Dolittle, quien ha experimentado una gran pérdida y, a su vez, se ha metido en sí mismo”, expresa Kirschenbaum. “No se ha afeitado ni se ha cortado el pelo, y francamente, tampoco se ha bañado. Algo que tampoco ha hecho es traer amigos humanos a su vida desde que Lily murió”.
“Es extraño hacer una voz en una película porque rara vez te encuentras con tus colegas en persona”, señala Thompson. “Visitas estudios—pequeños—en varias ciudades de varios países, a menudo durante varios años, y dices líneas esperando hacer la misma voz que elegiste al principio. Una vez, recuerdo que no había un estudio disponible, así que en un intento de crear la acústica correcta, mi devoto publicista se vio forzado a sostener un edredón sobre mi cabeza mientras yo hablaba por el micrófono”.
“Dado lo anterior, es mucho más un juego de azar que cualquier otra forma de actuación”, continúa Thompson. “Si tienes suerte—y yo estuve en esta producción— tendrás la oportunidad de que el director y los creadores te hablen mientras trabajas, te hagan observaciones sobre la actuación—y te digan exactamente lo que está sucediendo en la pantalla. Luego, después de un tiempo, comienzas a sentir la emoción de ver las pequeñas secuencias que ya están terminadas. Es lento y emocionante al mismo tiempo”.
En referencia a la emoción que sentían los cineastas por tener a una ganadora del Óscar® como parte de la familia de Dolittle, Susan Downey señala: “Necesitábamos a alguien que pudiera seguirle el paso a Robert. Precisas a alguien que pueda dominarlo, y si alguien puede hacerlo, esa es Emma”. En serio. Solo pregúntale. “Con solo escuchar su voz me pongo en guardia”, dice Robert Downey, y se ríe.
Jip, el perro lurcher de pelo largo
Tom Holland
Jip es un pura sangre real, cuyo sentido del olfato está sobre desarrollado debido a su pobre sentido de la vista, tanto que apenas puede ver sin sus gruesos anteojos. Junto con Styx, el fiel canino de Dolittle tiene la tarea que su profesor le ha encargado de vigilar a la reina Victoria mientras Dolittle busca una cura para el mal que la aqueja. Valiente, protector y salvajemente leal a sus compañeros, Jip es el perfecto perro guardián para hacer ese trabajo.
“Tom Holland está participando en Dolittle gracias a Robert”, dice Gaghan. “Tom hizo la película porque ama a Robert. Son muy unidos”. Tener a Holland haciendo la voz de Jip en esta aventura demostró ser un golpe maestro para el director y el adorado canino. “En cada película que he escrito”, comenta Gaghan, “el personaje principal ha tenido un perro. Hasta ese momento, habíamos tenido que quitar al perro porque era demasiado caro”.
Para el supervisor de efectos visuales John Dykstra, uno de sus personajes favoritos también resultó ser el favorito de Holland. “Me gusta el perro Jip porque… bueno, porque me gustan los perros”, dice Dykstra. “Los perros son difíciles de realizar como personajes virtuales porque la gente está muy familiarizada con estos animales. Sabemos cómo se mueven y qué significan sus expresiones, por lo que realmente se tiene que hacer una versión detallada y muy precisa del personaje y su animación—para hacerle creer al público que un perro real puede hablar como Tom Holland”.
Dab-Dab, la pata
Octavia Spencer
“No estoy segura de por qué Stephen y Robert pensaron en mí para hacer la voz de una criatura con cerebro de pájaro, pero lo tomaré como un cumplido porque sé que así fue”, dice Octavia Spencer, riendo. “Creo que la voz en off funciona como uno de los aspectos más interesantes de la caracterización. Me recuerda por qué decidí dedicarme a la actuación. La capacidad sin fronteras de usar nuestra imaginación al máximo—lo que permite que una pata con patas de palo encuentre su valentía en una aventura que salvará a la reina Victoria—es simplemente brillante. Hugh Lofting infundió tanta humanidad en sus personajes, y Stephen tanta amabilidad al contar su historia. Dab-Dab es corazón, valentía, ilusión y un testamento para seguir adelante por partes iguales. Sencillamente la adoro”.
Kumail Nanjiani
Tristemente inconsciente de que no puede volar ni nadar, Plimpton es una gran avestruz que tiene problemas para servir como el fiel corcel de Dolittle—especialmente una vez que encuentra que su jinete ha aumentado un poco de peso. Lo más probable es que encuentres al nervioso Plimpton con la cabeza metida en la tierra. Sin embargo, Dolittle ha ayudado al pájaro que tiene problemas con su padre a descubrir los efectos calmantes de las endorfinas, y ayudándolo a encontrar su nuevo lugar (casi) feliz recorriendo el mundo junto a Yoshi, un oso polar que por momentos es su amigo y en otros, no tanto.
Kumail Nanjiani fue la única opción en la mente del director. “Kumail es gracioso”, dice Gaghan. “Estábamos trabajando juntos en un piloto de televisión para HBO, y ahí supe que tenía que participar en Dolittle. En el medio de nuestra llamada donde discutíamos el otro proyecto, le pedí que interpretara un avestruz neurótico asustado. Comenzó a hacer la voz del personaje diciendo, ‘No te veo, porque no estoy aquí…’ y aceptó estar en la película. Siento que todo el elenco de la película fue seleccionado contando con esa bendición”.
Chee-Chee, el gorila de montaña
Rami Malek
Un gorila joven en la edad de los simios, el increíblemente tímido Chee-Chee—a quien Dolittle le está enseñando a sentir confianza—ama los juegos, las palabras, los acertijos y los datos curiosos. Liberado por la familia Dolittle durante un rescate, Chee-Chee está eternamente agradecido. A pesar de sentirse nervioso y de no separarse de su cobijita, el gorila de montaña que hiperventila es juguetón, inteligente y muy fuerte. Además, es un excelente compañero de ajedrez para Dolittle, así como, en un momento crucial, un fuerte contendiente en la lucha contra el tigre hambriento Barry.
“Chee-Chee es una bestia magnífica que es completamente incomprendida por su propia especie”, relata Rami Malek. “Su intelecto, curiosidad y compasión son contagiosos, y me gusta que el desencantado Dolittle—un hombre que ha llegado a desconfiar de los humanos—lo tome bajo su cobijo. Chee-Chee está profundamente conectado con Dolittle, y este hermoso simio debe dejar de lado sus miedos para proteger la familia que ha elegido. Para Robert, Stephen y para mí era importante mostrar el alma torturada y la sorprendente humanidad de este personaje”.
“Ya había realizado trabajo vocal para videojuegos y televisión”, continúa Malek, “pero poder dar vida a esta criatura plenamente realizada en una aventura épica fue un momento de particular orgullo. Además, fue increíblemente divertido imaginar e imitar los rangos vocales de los gorilas. Pasé innumerables horas escuchando sus vocalizaciones en internet, así como probando docenas de gruñidos y rugidos con Stephen”.
Para el director, hubo algo de buena suerte cuando encontró a Malek como lo hizo. “Sabía que Robert estaba cerca de Rami, y yo soy el fan número uno de Mr. Robot”, comenta Gaghan. “Estaba preparando la película en Londres y una mañana mientras tomaba un café, volteé y Rami estaba sentado a mi lado. Le dije ‘Esto tiene que ser una casualidad. Tienes que estar en esta película,’ Le expliqué la idea de Chee-Chee y él dijo: ‘¡Está bien!’”
Yoshi, el oso polar
John Cena
“Siempre me lo he pasado tan bien sumergiéndome en la voz de personajes, y me encanta el hecho de que Yoshi esté tan conflictuado”, indica John Cena. “Es un oso polar enorme que desprecia el frío y busca consuelo más al sur. Al igual que Ferdinand, es un coloso tan dulce—que avanza tímidamente con su gorra de esquí gigante—pero que responderá cuando llegue el momento. Yoshi es tan reflexivo acerca del corazón, el humor y la sensibilidad que Robert y Stephen ofrecen a la película Dolittle. Al decidir cómo darle vida, seguí su ejemplo… tomando lo esperado y dándole vuelta por completo”.
Los cineastas describen a Yoshi como un animador extraordinario, implacablemente optimista. Sintieron que Cena ofrecía la personalidad perfecta. “Yoshi es muy positivo, y te das cuenta de que allí hay un verdadero corazón y que hay una razón por la que es así”, expresa Susan Downey. “Puedes entrever aspectos de su historia, y necesitábamos a alguien que pudiera cumplir en ambos frentes. John era perfecto para ese papel”.
Robert Downey agrega: “John ha llamado mi atención y se ha ganado mi respeto, porque yo nunca había prestado mi voz a un personaje animado. Las pocas veces que lo intenté, renuncié o me despidieron porque es un conjunto de habilidades muy específico. Él simplemente le dio al blanco, y realmente se introdujo en el amable y suave corazón de Yoshi”.
Kevin, la ardilla
Kevin es una ardilla adorable pero gravemente herida que sabe que es “demasiado hermosa para morir”. Una sobreviviente de la cabeza a los pies, Kevin quiere salir al mundo y experimentar todo lo que éste tiene para ofrecer. Cuando Stubbins dispara accidentalmente a Kevin—y Dolittle y su equipo médico lo salvan—la descarada (y ligeramente homicida) ardilla se une a regañadientes a Dolittle y Stubbins como su guía… considerando incluso si su aventura pudiera involucrar una dulce venganza contra el niño propenso a los accidentes que le causó lesiones graves. “Diario de Kevin… día 12”.
A Craig Robinson le encantó interpretar su voz. “Aunque Kevin era un poco dramático, e incluso un tanto egoísta, me hizo un mejor hombre”, dice Robinson.
A los productores les dio mucho gusto que Robinson se divirtiera tanto con el papel. “Kevin se robó todas las escenas en las que participó”, comenta Susan Downey, “pero es por eso que quieres a Craig—esperas que se robe una escena”.
Selena Gomez
Uno de los animales más desinteresados de todo el equipo de Dolittle es Betsy—a quien Gaghan le dio ese nombre por su hija—a menudo se ofrece de manera voluntaria para realizar tareas y tener responsabilidades. Puede parecer una jirafa amable y habladora, pero también es muy valiente y se lanza para salvar el día en que Stubbins necesita un aventón al barco de Dolittle, el Water Lily. También es una artista del escapismo ilegal—ella y la zorra Tutu son buscadas en tres bosques—y el complejo privado de Dolittle les ha proporcionado el refugio y el escondite perfectos. Aún así, Betsy no tiene problemas para lanzarse a la refriega para hacer frente al asunto con sus propios cascos.
Cuando el equipo de producción estaba pensando en quién elegir, la hija de Gaghan insistió en que tenía que ser Selena Gómez. “Mi hija me dijo: ‘Tienes que elegirla porque es un ser humano increíble,’” relata Gaghan. “Selena es una persona maravillosa”. Mi hija tenía razón. Selena es realmente un ser humano excepcional”.
Tutu, la zorra
Marion Cotillard
Líder de la Resistencia de los zorros, Tutu es la personificación del coraje. Siendo sus ancestros unos zorros del desierto inalcanzables, Tutu es extraordinariamente orgullosa y siempre pragmática. Cuando ella, Betsy y Poly se ponen de acuerdo, no hay nada que no puedan lograr—especialmente cuando se trata de llevar con éxito a Stubbins al barco de Dolittle antes de que zarpe hacia Monteverde y la Isla del Árbol del Edén. Cuando va montada en la cabeza de la ágil Betsy, el lema de Tutu es “¡Vive la résistance!”
Cuando eligieron a la ganadora del Óscar® para interpretar la voz del personaje feroz e intrépido para el cual Gaghan indica se basó en “mi niña skater semi-salvaje de 10 años”, la producción continuó incrementando su desconcertante lista de riquezas vocales. “Conocía a Marion de cuando nos encontrábamos en el Café Gitane en Nueva York”, comenta Gaghan. “De veras, ella es sensacional”.
Sus compañeros cineastas concuerdan. “Marion Cotillard es simplemente increíble”, dice Susan Downey. También fue una alegría para Cotillard. “Lo que me encanta de Tutu es la dinámica de piloto de navegación que tiene con Betsy, interpretada por Selena Gomez”, dice Cotillard. “La zorra y la jirafa están dispuestas a meterse en problemas y asegurarse de que sus seres queridos se mantengan a salvo. Desde el momento en que entran en la historia, deduces que comparten una historia fascinante juntas. Son las mejores amigas y trabajan para corregir los errores del mundo”.
Mini, una petauro de azúcar
Nick A. Fisher
Todo aquello que le haga falta a esta petauro de azúcar bebé en lo que se refiere a conocimiento, lo compensa con su precocidad. Mini quiere ver el mundo, y la aventura de Dolittle en la Isla del Árbol del Edén es la oportunidad perfecta. Esta adorable marsupial polizonte hace su imitación de ardilla voladora para ganarse el boleto para el viaje de su vida… y demuestra su valentía y habilidades en el momento justo. “Mini es una superhéroe”, expresa el supervisor de efectos visuales John Dykstra. “Ella es súper esponjosa, súper dulce y súper intrépida”.
Humphrey, la ballena
Tim Treloar
Como todas las ballenas, Humphrey es sorprendentemente inteligente y nunca eligió ser el guardián del océano. Con el advenimiento de los combustibles fósiles, él y su especie no tuvieron más opción que aceptar el desafío. En esta aventura, el galés Humphrey servirá como el carruaje tirado por ballenas más poderoso en alta mar, apartando a la tripulación de Water Lily y Dolittle de ciertos peligros… y engañando al Dr. Blair Müdfly cuando sea el momento adecuado. “Sé que Humphrey siempre se siente honrado de ayudar a su compañero galés, el doctor Dolittle, cada vez que él viaja por mar”, comenta Tim Treloar, quien además cumplió la función del maestro y entrenador del acento galés de Downey. “Especialmente porque el Doctor nunca traería una bolsa de plástico al océano”.
Jason Mantzoukas
Una vez que Dolittle y su equipo llegan a Monteverde, confían en la ayuda de la nerviosa libélula James para realizar una crítica negociación con algunas mafiosas hormigas carpinteras. Todavía preocupado después de sufrir un desamor inesperado, James demuestra ser un hábil guía para llevar a Stubbins hasta la mazmorra. Sin embargo, que ayude o no al aprendiz, depende de su capacidad para mantenerse enfocado en la tarea en cuestión.
“James tiene una gran personalidad y me encanta la cara del personaje con sus ojos saltones y sus movimientos rápidos”, indica el supervisor de efectos visuales John Dykstra. “El desafío aquí era tomar la cara de un insecto deshumanizado, y brindarle contenido emocional. La interpretación que hace Jason Mantzoukas con su voz es tan buena, que terminas cautivado por un personaje que básicamente no es agradable a la vista”.
Barry, el tigre
Ralph Fiennes
Un tigre de Bengala que pesa 800 libras con problemas y complejos de mamitis, el brillante y migrañoso Barry fue paciente de Dolittle durante su primera estadía en Monteverde. Ha asesinado a aproximadamente 872 criaturas y es el más sarcástico, más tonto e irónico de todos los depredadores. El rencor de Barry contra Dolittle tiene como base el resentimiento que siente porque considera que Dolittle lo abandonó en su terapia justo cuando Barry estaba progresando.
Algunos de los días de producción favoritos de Robert Downey fueron los que requirieron de dobles de acción para escapar de Barry en la mazmorra de Rassouli, en Monteverde. El hecho de que Ralph Fiennes le diera voz a la criatura la volvía mucho más deliciosa. “Obviamente, Ralph es un tesoro nacional y es muy apropiado que interprete a un tigre”, dice Robert Downey con sequedad. “Tiene la energía de un tigre. Tiene sangre de tigre. Si no me equivoco, y es casi imposible que así sea, fue la primera sesión de voz que hicimos en la producción. En realidad él sentó las bases del objetivo ideal”.
Gaghan comenta: “Había perseguido a Ralph por al menos tres películas. Implacablemente. De alguna manera, había conseguido su número de celular… y él era infinitamente paciente cuando hablaba de los papeles conmigo. Solo que finalmente nunca hizo ninguno de ellos. Sin embargo, tuve la sensación, después de todas esas llamadas telefónicas, de que realmente se relacionaría con Barry el tigre. Es simplemente el mejor sueño hecho realidad cuando escribes algo que puedes imaginar a una persona específica haciéndolo… ¡y entonces lo hacen!” Bromeando agrega, “Por cierto, Barry lleva el nombre de mi antiguo terapeuta, que era sumamente tranquilo, aunque en el fondo sabías que era una especie de asesino reprimido”.
Don Carpenterino
David Sheinkopf
Líder de la colonia de hormigas carpinteras en la isla de Monteverde, Don Carpenterino—junto con su hormiga jefe del ejército (MATTHEW WOLFE)—negocia con la libélula James el precio de la ayuda que brindarán para que Dolittle obtenga acceso al diario secreto en los aposentos de Rassouli. Las hormigas son conocidas en todo el mundo por sus habilidades para abrir cerraduras, y es la hija de Don, Sheila, quien rompió el corazón de James.
La dragona
Frances de la Tour
La guardiana del Árbol del Edén. Escupe fuego. Tiene el corazón roto—la dragona es sabia, y está cansada del mundo. Esto suele suceder cuando vives 20,000 o 40,000 años. Incluso ella ha perdido la cuenta. Si el conjunto único de habilidades veterinarias de Dolittle puede ofrecer alivio a los problemas emocionales y dolorosos que han provocado sus dolencias gastronómicas, ella podría sobrevivir a su ira volcánica.
Styx, el insecto palo
El insecto fásmido Styx sobrevivió en la naturaleza haciéndose pasar por, bueno, un palo. El insecto hoja llegó primero a la mansión Dolittle para quejarse de una agravio—algo que uno de los orgullos de la familia Phylliidae pensó que era injusto. Styx, cuya labor es ser una especie de un arma secreta en el palacio, que tiene 12 ojos y ha encantado a Lady Rose, demostrará ser crucial para proteger a la reina Victoria.
Elliot y Elsie, los monos capuchinos
Una pareja inseparable de monos capuchinos, Elliot y Elsie, son los responsables de leer el contrato de Dolittle para el santuario que todos los animales llaman hogar. Desafortunadamente, los monos no son los mejores abogados de bienes. Por fortuna, son brillantes cuando es preciso enviar la llamada de auxilio a la ballena Humphrey cuando más la necesitan.
LOS EFECTOS VISUALES (VFX) Y EFECTOS ESPECIALES (SFX) DE DOLITTLE
Al supervisor de efectos visuales Nicolas Aithadi, dos veces nominado al Premio de la Academia® y al supervisor de efectos visuales John Dykstra, dos veces ganador del Óscar®, se les encargó el enorme proyecto de dar vida a los personajes animales en las escenas. Si bien fue clave para Stephen Gaghan enfatizar los temas majestuosos de la era victoriana, el director también quería que Dolittle fuera generosamente accesible para las audiencias modernas—equilibrando las ideas imaginativas de Hugh Lofting con técnicas modernas en VFX y SFX.
Para Gaghan era crucial asegurarse de que las criaturas generadas por computadora de la producción fueran fotorrealistas, para que se sintieran como animales reales. “Esa es la magia”, señala Gaghan. “Tomas una ubicación común, una casa con un patio, y luego pones un oso polar real en ese entorno. No puedes hacer que se comporten como dibujos animados. Eso no es interesante. Lo interesante es capturar la verdad y la dignidad de los animales mientras interactúan con Robert interpretando a Dolittle, y entre ellos. Quería que todos los animales tuvieran un dilema—desde una lesión hasta una enfermedad, que originalmente los habría llevado hasta Dolittle. Después de todo, él es el famoso médico de los animales, por lo que el mundo de los animales sabría que cuando realmente estás en problemas hay una persona a quien ir a ver”. Hace una pausa. “También realmente quería que Yoshi usara ese sombrero de alpaca. Solo tenía que encontrar una razón para que lo usase… y voilà, un oso polar que siempre tiene frío”.
Trabajando en estrecha coordinación con los miembros de la división del supervisor de SFX nominado al Oscar® DOMINIC TUOHY (Solo: A Star Wars Story, Mission: Impossible—Rogue Nation), el equipo de VFX se aseguraría de que el público creyera que los animales realmente pueden hablar… si tan solo te das cuenta cómo escuchan.
La llamada de los loros y las peleas con los tigres
La interacción de los humanos con los animales
Ya sea que Dolittle hundiera su cabeza en el acuario de la pulpo Leona en el palacio de la reina o realizara una cirugía a Kevin la ardilla—o que Chee-Chee y Dolittle jugaran ajedrez con ratones—rara vez hay una escena en la aventura épica en la que los animales generados por computadora y los humanos no estén interactuando. Resultó una tarea titánica tener animales generados por computadora a lo largo de toda la película… sin mencionar que interactúan impecablemente con los escenarios y los actores humanos.
Bajo la coordinación de la productora de VFX ROMA VAN DEN BERGH (Game of Thrones de HBO), los encargados de VFX con los personajes con relleno—el equipo que trabaja con versiones disecadas de los animales—fueron responsables de todos los marionetistas en vivo. Ya fuera en la habitación de Rassouli cuando Stubbins intenta entrar por donde hay un manada de leones dormidos, o asegurarse de que Styx pueda susurrar al oído de Dolittle todas las cosas que vio que sucedieron en el palacio mientras él no estaba, los marionetistas actuaron como humanos usando un traje verde, sustituyendo a los personajes virtuales de Dolittle.
Esto significaba que los animales generados por computadora de la película eventualmente se tocarían, caerían e interactuarían con las líneas oculares apropiadas y la física del mundo real.
Una de esas secuencias sucede la mañana en que los animales vienen a invitar a Stubbins a unirse a ellos en su aventura. Harry Collett se mueve alrededor de la cama del dormitorio de su personaje, interactuando con un titiritero de Poly, la lora. “El titiritero fue puesto en la escena y coreografiado por el director, para que se moviera y se ubicara en las posiciones adecuadas para las interacciones que requería el diálogo entre los personajes”, comenta Dykstra. “Cuando se editó la secuencia, el personaje de relleno fue reemplazado por nuestra lora generada por computadora”.
Los equipos de coordinadores de secuencias que requieren dobles con SIMON CRANE (Unbroken) y GLENN FOSTER (Sherlock Holmes) al frente—así como el coordinador de dobles de la segunda unidad STEVE DENT (Guardians of the Galaxy)—trabajaron estrechamente con las divisiones de VFX para realizar escenas que requerían intervención física y movimiento de los actores y los dobles de acción.
En la secuencia de pelea en las mazmorras en la que Barry el tigre, está listo para rebanar y hacer cubitos a Dolittle, Barry fue interpretado por un coreógrafo de peleas que usaba un traje verde. Él y Robert Downey pasaron por una elaborada rutina de lucha, con lucha libre y de contacto con todo el cuerpo. Las manos y el cuerpo del artista interactuaron con el cuerpo y el traje de Downey. “Una vez que la secuencia fue editada para la película, el artista de traje verde fue reemplazado por nuestro tigre generado por computadora”, señala Dykstra. “Las manos y el cuerpo del artista fueron reemplazados por las garras del tigre—haciendo que pareciera que el animal generado por computadora realmente estaba tocando a Robert y su ropa”.
Los intérpretes de los “animales” en el set fueron SHAUN MCKEE como el enorme Yoshi y varios de los leones, y JOSH JEFFERIES como la voz en el set para Chee-Chee—así como también los otros actores de las criaturas JANE LEANEY, JOHN-LUKE ROBERTS y RICHARD SOAMES—trabajaron con Robert Downey y Gaghan para conseguir la toma exacta y las referencias vocales mientras el equipo actuaba junto a ellos. Del mismo modo, cuando Collett interpretando a Stubbins estaba ayudando a Dolittle con un parto, colocó pequeños cilindros de pantalla verde en un delantal que eventualmente se convertirían en los cachorros.
Los osos polares no usan martillos
La posproducción de VFX
El supervisor de efectos visuales John Dykstra, quien enfocó su trabajo en la posproducción, nos explica los elementos clave de este proceso. “Hice toda la supervisión en el escenario durante la fotografía principal”, dice Dykstra. “Me uní al principio de la posproducción trabajando con el productor ejecutivo Jonathan Liebesman y el equipo de efectos visuales para integrar a los hermosos personajes animales cuya animación fue supervisada por [el supervisor de animación ganador del Óscar®] David Shirk”.
En la fase de posproducción de Dolittle, Dykstra colaboró con el equipo para establecer las personalidades visuales de los animales. Las criaturas necesitaban moverse como animales reales y no como dibujos animados antropomórficos de los personajes. “David se dedicó a asegurarse de que la acción que realizaban nuestros personajes fuera acorde con la realidad de los animales reales”, explica Dykstra. “Por ejemplo, Yoshi no podría usar un martillo porque no tiene pulgares”. Del mismo modo, el gorila Chee-Chee no siempre camina erecto sobre dos patas”.
Junto con la forma en que se movían los personajes, los equipos de VFX y de animación necesitaban determinar aspectos como la forma en que se arreglaba el cabello, el color y el brillo de los ojos, así como otros rasgos especiales como la tracería (patrones de luz) que cubriría a criaturas como el dragón. Para ella, el equipo se basó en referencias de bioluminiscencia de insectos, animales y criaturas marinas. “Estábamos tratando de darle un aspecto realista al VFX”, señala Dykstra, “por lo que la forma en que los patrones de luz se integraron en la piel del dragón tenía que ser algo que recordara las versiones del mundo real de nuestro personaje de fantasía”.
Además de la iluminación de los personajes, sus alrededores a menudo tenían que mezclarse perfectamente. Para el equipo, la secuencia de la cueva del dragón fue particularmente difícil porque tenían dos tipos de efectos de luz algo mágicos que integrar.
“La cueva del dragón tenía cadenas de bioluminiscencia que reaccionaron tanto positiva como negativamente a las acciones de las personas en la cueva”, indica Dykstra. “El dragón tiene una tracería de luz similar que refleja su estado—tanto físico como emocional. La ira y el dolor aparecen como diferencias en el color y el brillo del patrón de la tracería. La parte difícil de tener ambos efectos de luz en la cueva era cómo distinguirlos. Teníamos que evitar que las dos cosas se confundieran”.
LAS LOCACIONES Y EL DISEÑO DE PRODUCCIÓN
La mansión Dolittle
“Hogar del Dr. John y Lily Dolittle. Se atiende a todos los animales—se aceptan los que llegan a pie, saltando y volando”.
Junto con el director de la segunda unidad, SIMON CRANE (Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw), los gerentes de la unidad de producción SIMONE GOODRIDGE (Maleficent) y la productora ejecutiva Sarah Bradshaw encabezaron el laborioso trabajo de preparar todos los aspectos de Dolittle—incluidas las locaciones y los sets. “Me encantó trabajar con Joe y Kirsch”, dice Bradshaw, cuyos créditos recientes incluyen Last Christmas y The Mummy. “Joe y yo también trabajamos en la serie de películas de The Huntsman—Snow White and the Huntsman fue mi primer proyecto con él. La mayoría de las veces, cuando estás reinventando cuentos de hadas, debes recordar la historia de por qué todavía los aman después de cientos de años y luego agregar un toque moderno a eso, ya sea que cambie la historia, el vestuario, el diseño de escenarios, los efectos visuales, etc”.
El diseñador de producción Dominic Watkins también trabajó con Roth y Kirschenbaum en ambas películas de la serie de The Huntsman, y una serie de aspectos de la reimaginación de los cuentos clásicos para una nueva generación motivaron sus decisiones y las del decorador de escenarios nominado al Óscar® LEE SANDALES (War Horse). A continuación se muestran los escenarios y las locaciones clave de la película, filmada en los Estudios Shepperton y sus alrededores, a las afueras de Shepperton, Surrey.
La mansión Dolittle
La propia reina le regaló a Dolittle el santuario de animales donde él y Lily podían continuar su estudio de la comunicación animal. Es esta hermosa mansión donde—junto con los trabajadores de la reina—los Dolittle descubrieron cómo adaptar el espacio para que funcionara tanto para humanos como para animales. Con magníficos terrenos para el pastoreo, una máquina para alimentar a los animales, una maleta de médico con instrumentos para cada criatura, un pergamino curado, pergaminos antiguos—y un árbol que crece en el medio de la casa—la biblioteca y el salón de Dolittle son el epítome de la arquitectura del siglo XIX.
“Miré cientos de casas”, dice Gaghan. “Era muy importante que se sintiera como un lugar real, no un set construido. Sabía que construiríamos los interiores, pero quería que la interacción de la luz y el jardín, los lugares por los cuales los animales entran y salen de lo que, por supuesto, también es su hogar, se sintieran muy reales. Y lo encontramos en esta hermosa casa, la mansión Cothay, situada en Somerset, cerca de Wellington. Puedes visitarla. Figura cada año entre las casas en Inglaterra con los mejores jardines. Es muy mágica. Desde el momento en que llegamos, supimos que este era el lugar—la casa de Dolittle. Este fue uno de los ‘castings’ más importantes que hicimos”.
En la película, Dolittle ha modificado la casa para sus amigos no humanos. “Tanto dentro como fuera de ella hay pasarelas que son más apropiadas para los animales”, comenta Susan Downey. “En el interior, ha creado un artilugio para prepararles la comida todos los días, y hay un pequeño tren que corre alrededor de la casa, donde viajan los ratones”. Todo el concepto surgió de nuestro deseo de crear un ambiente único que sintieras que provenía de la mente de Dolittle… para que Dolittle y sus animales pudieran vivir juntos como congéneres en la casa”.
La localidad de Puddleby-on-the-Marsh
Puddleby-on-the-Marsh, un pueblo rural de una calle de largo con dos hileras de pequeñas edificaciones de piedra, fue filmada en Langley Park. Allí encontrarás la casa de Stubbins. Cuando vemos a Betsy y Tutu inclinadas sobre la cama de Stubbins en su pequeña habitación, sabemos que es hora de que comience la aventura.
“Terminamos construyendo un set de Puddleby”, indica Bradshaw, “ya que no pudimos encontrar un pueblo que pudiéramos ocupar y controlar”. Quitar los elementos del siglo XXI siempre es un desafío, y teníamos un informe específico de su aspecto. He realizado muchas películas con el diseñador de producción Dominic Watkins, y él es creativamente inspirador, pero también maneja los aspectos prácticos del tiempo y el presupuesto”.
Los aposentos de la reina Victoria
Michael Sheen, Jim Broadbent, Jessie Buckley y Carmel Laniado pasaron gran parte de su tiempo durante la producción en el set de los aposentos de la reina Victoria en el Palacio de Buckingham. Repleto de revestimientos de madera, muebles ornamentados, cuatro candelabros y lleno de elementos opulentos, el set también incluía una serie de muñecas antiguas, dibujos originales de pulpos, lupas y equipo médico.
“Creo que en esta sala es realmente donde ves la genialidad de Dom Watkins”, expresa Gaghan. “El set necesitaba tener muchas cosas. Y todo proviene de su imaginación. El palacio de Buckingham, como sabemos, no fue construido en el momento de nuestra película. Pero basta con decir que no tendría la escala y la magnificencia de nuestro palacio. La habitación necesitaba la intimidad y la emoción de un lugar privado perteneciente a una joven que también se convirtió recientemente en la reina de Inglaterra. Por lo tanto, debía reflejar sus pasiones de la infancia y al mismo tiempo dar paso a la formalidad y las responsabilidades de gobernar. Y, por supuesto, mantener una gran secuencia de acción. Dom le dio al blanco. Todo su diseño fue simplemente brillante. En realidad, para él nada es imposible”.
Water Lily (el barco de Dolittle)
Encaramado en una colección masiva de engranajes, que permite el movimiento de balanceo y oscilación, el Water Lily—llamado así en honor a la querida y difunta esposa de Dolittle—se asentó en una plataforma mecánica. Los miembros del equipo de producción usaron largos postes extendidos desde la plataforma para balancear el set de un lado a otro y simular el movimiento del océano.
Puerto de Monteverde
Esta isla de bandidos y ladrones alguna vez fue el lugar al que Poly, Dolittle y Lily llamaron hogar… hasta que Dolittle se volvió el enemigo del rey Rassouli. El palacio de Rassouli, que incluye un enorme área para el baño y el dormitorio—así como un pasadizo secreto debajo de una pintura gigante de un tigre—pueden hallarse en ese lugar.
El set de Monteverde también es el hogar de la mazmorra de Rassouli, donde Dolittle que está encadenado se encuentra con Barry y negocia un plan de “no me comas”. También incluye un patio interior con piedra tallada, grilletes, celdas e instrumentos de tortura.
Uno de los desafíos del decorador de sets fue la cama de los aposentos de Rassouli, donde él duerme. “Él tiene a todos sus gatos a su alrededor y a los gatos les gusta jugar con juguetes”, dice Lee Sandales. “Por lo tanto, se convirtió en un gimnasio de la jungla combinado con un dormitorio. Tuvimos que crear un entorno lo suficientemente amplio como para albergar a estos grandes felinos. Replicamos las ideas de cómo sería vivir con estos animales y las amplificamos”.
La Isla del Árbol del Edén
Dicen que el fruto del Árbol del Edén de la isla del mismo nombre tiene efectos sanadores mágicos. Este set fue preparado por el departamento de paisajismo y se aseguraron de que todo lo que un dragón pudiera necesitar (y comer) estuviera a su alcance para su placer gastronómico.
El santuario de Dolittle
El set final de la producción de Dolittle no estuvo en Inglaterra, sino en el sur de California, donde Robert y Susan Downey tienen su propio mini zoológico en Malibú, que comenzó con dos pequeños gatitos, seguidos de dos cabras, Trigger y Memo, y siguió expandiéndose. “Ahora rescatamos a dos más, Cutie Boots y Flash, que son muy dulces”, dice Robert Downey. “Tenemos cuatro alpacas—Madre, Dandy, Fuzzy y Miss Brain—y dos cerdos que se llaman Pops y Ladybug. Creo que son algo así como hermano y hermana. Nuestros asociados más recientes son unas vacas Óreo llamadas Oreo y Strawberry. Y según la última cuenta, ¿creo que 17 gallinas?” Hace una pausa. “Quiero una manada de dingos”. Pare su carro, señor. “Está bien, no vamos a tenerlos”, dice Susan Downey. Ella ríe. “Claro que también dije que no a las vacas, así que veremos qué pasa..”.
LA UTILERÍA Y ACCESORIOS
Barcos piratas, mecedoras para ratones y transfusiones de sangre de avellana
DAVID CHEESMAN, que se desempeñó como el jefe de utilería y accesorios en Dolittle, ha trabajado en esta posición en épicas desde The Huntsman: Winter’s War de Roth hasta War Horse de Steven Spielberg y Captain Phillips de Paul Greengrass, así como en Pan de Joe Wright y The Mummy de Alex Kurtzman.
Mientras discutía su proceso inspirador con el director Gaghan y Team Downey para crear la utilería y accesorios para este universo, el maestro artesano dice que recurrió al pasado. “Me basé principalmente en referencias de médicos victorianos”, relata Cheesman. “Visité la escuela de veterinaria de Londres e imaginé a partir del guión y hablando con Steve, cómo evolucionaría. Creé accesorios basados en las realidades que se le ocurrieron a Robert Downey Jr…. así como la idea de estetoscopio extra largo de Dolittle, que fue algo que salió de último momento”.
Como el santuario de Dolittle no solo tiene equipos de última generación, sino también libros y herramientas alterados que John y Lily descubrieron durante sus preciadas aventuras juntos, la casa del buen doctor está llena de viejos libros, instrumentos médicos y demás. “Mi parte favorita de todos los días fueron las visitas al almacén/laboratorio de Dave”, dice Gaghan. “Estaba elaborando los libros más bellos para el diario de Lily, o tendría una colección de instrumentos quirúrgicos del siglo XIX, accesorios de animales gigantes, tal vez un ejemplo perfecto de un carruaje de lujo de la época victoriana. Era un lugar mágico. Tiene el mejor ojo que existe”.
En la casa de Dolittle, los pequeños accesorios de Cheesman debían fusionarse a la perfección con los pequeños ratones del equipo de efectos visuales que viajaban en el ferrocarril de un tren miniatura y un elevador en miniatura. “Intenté imaginar aquello que sería encantador para los niños”, ofrece Cheesman, “con pequeños animales y accesorios, pero siempre haciendo referencia a objetos humanos reales a escala. Por ejemplo, no incluimos una mecedora de tamaño real, sino una pequeña para que la usaran un ratón o una araña”. Eso se extendió hasta el más mínimo de los detalles, que solo captará el espectador con ojos de águila. Durante la cirugía que le hacen a la ardilla Kevin, Cheesman relata: “En lugar de tener sangre de los grupos A positivo y B negativo, teníamos de ‘avellana’ y ‘nuez’”.
En el palacio de Rassouli en Monteverde, Cheesman y su equipo elaboraron un trono adornado para el rey pirata, con símbolos de madera tallados y esculturas de leones de piedra lijada. Este set trae un recuerdo particularmente cariñoso para el maestro. “Insertamos una bala de cañón en la silla de Rassouli para dar la sensación de un accidente reciente”, comenta Cheesman.
Para los aposentos de la reina en el Palacio de Buckingham, Cheesman tuvo que tomar en cuenta a todos los animales de Dolittle que estarían interactuando dentro de la habitación. “Esto cambió muchas veces debido a los requisitos de la llegada de los animales al palacio”, dice Cheesman. “Mi mayor desafío aquí fue crear el tanque de agua donde vive la pulpo Leona. Las gafas de Robert Downey Jr. en esta escena también fueron muy divertidas, y tomamos como base los antiguos goggles que usaban los motociclistas y los soldadores”.
Mientras el equipo de producción trabajaba en la construcción de los barcos en Shepperton, el departamento de utilería tenía funciones importantes para la creación de el Britannia y el Water Lily. El equipo se sentía como si fueran niños otra vez, imaginándose a sí mismos zarpando con Peter Pan y el Capitán Garfio. “Siempre hay un niño pequeño en todos nosotros, y fue maravilloso ir a trabajar y salir de la realidad para hacer que las cosas se sintieran maravillosas o divertidas”, anota Cheesman. “Subir a un barco pirata por la mañana, ¿a quién no le encantaría eso?”
Cheesman tiene palabras particularmente afectuosas para sus demás compañeros jefes de departamento. “Nuestro director de fotografía Guillermo Navarro es un personaje real; es de la vieja escuela y simplemente consigue lo que quiere”, expresa Cheesman. “Nuestro diseñador de producción, Dominic Watkins, es muy modesto y tiene una capacidad increíble para analizar todas las diversas necesidades/personalidades y encontrar las respuestas, y nuestra diseñadora de vestuario Jenny Beavan es una mujer increíble, amable y creativa”.
LA CINEMATOGRAFÍA
Puro de corazón
Mirando a través de una lente infantil
El director de fotografía Guillermo Navarro, quien ganó un Óscar® por su trabajo en Pan’s Labyrinth del director Guillermo del Toro—y que filmó cuatro películas con Antonio Banderas—trabaja por primera vez con estos cineastas en esta producción. “Tiendo a buscar películas que me permitan crear una realidad… en lugar de solo documentarla”, dice Navarro. “Son películas que están en el pasado o el futuro—o en realidades paralelas de una fantasía. En el momento en que escuché acerca de Dolittle y sus posibilidades, encajó perfectamente en las cosas que me gusta hacer”.
Lo que atrajo particularmente a Navarro a la historia fue que Stubbins era el personaje clave para que el público recuperara su compasión por las criaturas grandes y pequeñas. “El mundo de los adultos no tiene la misma empatía por la vida que el mundo de los niños”, dice Navarro. “Un niño tiene una conectividad más fuerte con la comprensión de que los animales tienen derechos, y esta película tiene todos esos ingredientes. Es a través de los ojos de Stubbins que podemos conectarnos nuevamente con el mundo de los animales, y luego, por supuesto, Dolittle es el ejecutor. Debes ser puro de corazón para ver cosas que de otro modo estarían ocultas al ojo común. Los animales sienten, piensan y aprenden, y espero que esta película genere esa sensación de empatía por la vida”.
Al hablar sobre su colaboración con Robert Downey, Navarro comenta que tuvieron la suerte de crear una relación de trabajo saludable y creativa. “Fue extraordinario descubrir que podíamos interactuar de esa manera”, dice Navarro. “Robert y yo comenzamos a construir una relación acerca de cómo yo estaba filmando—la manera en la que yo estaba implementando el lenguaje cinematográfico de la película y cómo él estaba incorporando eso en sus ideas. Discutimos las posiciones donde se ubicaba y qué tan libremente quería moverse, por lo que el bloqueo de las escenas en la cámara se dedicaron a todo eso. Disfruté de su compañía y la interacción con él, y él siempre tenía cosas interesantes que decir y proponer”.
Filmando con personajes invisibles
Cuando se trabaja con criaturas digitales en una producción—que en esencia son actores invisibles frente a la cámara—el director de fotografía necesita reservar espacio para aquello que el departamento de efectos visuales agregaría más tarde. “También era importante que los actores que trabajaban alrededor de los animales respetaran ese espacio”, expresa Navarro. “Tuvo que cuidarse una dinámica a lo largo de la sesión en la que tenías que saber dónde estarían, y tenían que formar parte de la toma… aunque la toma pareciera estar fuera de balance”.
“Hay más peso en un lado del marco, pero es porque respetas una zona”, continúa el director de fotografía. “Además, si la toma incluye animales y personas en movimiento, las personas deben ser conscientes de no pisar a las criaturas ni cruzar por enfrente de ellas de manera extraña. Precisas mantener una disciplina al respecto y—en combinación con la imaginación de cuál es la actuación—necesitas las líneas de los ojos de los actores. Las líneas de los ojos deben tener claridad sobre dónde están, así como sobre el ángulo hacia el que están mirando. Teníamos animales que eran más altos o más pequeños que los actores, así que todo eso tenía que resolverse, y había todo tipo de marcas para ver quién estaba dónde”.
Cuando los actores interactuaban con los artistas disfrazados con trajes verdes (que funcionaban como referencias para los animales de la película), naturalmente querían tener contacto con sus compañeros de escena. “Los artistas físicos que estaban vestidos con trajes verdes permitieron a VFX crear al personaje encima de ellos”, indica Navarro, “y esa es una muy buena manera de apartar el espacio, incluso si el animal es más grande. Todo tiene que estar protegido en ese sentido”.
Filmando en locaciones y en los estudios
Mientras Dolittle y Stubbins viajan desde Puddleby-on-the-Marsh a Londres y de Monteverde a la Isla del Árbol del Edén, Gaghan y Navarro tuvieron que acercarse a cada lugar de manera diferente. “Hay una combinación de todos los elementos clásicos que hay en el set”, comenta Navarro. “Todos los ingredientes—cómo está decorado el set, las proporciones, las fuentes de luz y el vestuario—se convierten en parte del lienzo en blanco. Estos son los componentes de la imagen, y representan diferentes culturas. Tienen diversidad en diferentes climas y, debido a que filmamos todo en Inglaterra, ese fue el aspecto más difícil. En exteriores, vamos desde islas tropicales hasta el Palacio de Buckingham. Entonces filmamos los interiores sin saber cómo estaría el clima el día que estaríamos rodando los exteriores. Son muchas las decisiones que debes tomar en cuenta. Las imágenes visuales están relacionadas con los sets y con las condiciones físicas del momento, y así es como comienzas a juntar las imágenes que vas creando”.
Gaghan agrega: “Este fue uno de los aspectos más desafiantes de la película: la combinación de la realidad con la fantasía. Lleva mucho tiempo establecer el tono. Si es demasiado fantástico, se esperará que los animales hablen. Si es demasiado real, se sentirá banal. Durante la película, que es realmente una gran aventura, vamos a una isla animal gobernada por un rey pirata y a una isla mágica construida alrededor de un árbol mítico con fruta mágica, que, por cierto, está custodiada por una dragona parlanchina muy vieja. Y sin embargo, todo tiene que sentirse que está basado en la realidad, con la esperanza infantil que todos tenemos de que esto realmente sea posible. La fotografía de Guillermo Navarro y los decorados de Dom Watkins se desempeñaron muy bien en conjunto para lograr el efecto que necesitábamos”.
LA MÚSICA
Evitando los temas de los personajes
Danny Elfman compone la música
El compositor cuatro veces nominado al Premio de la Academia® Danny Elfman—que ha trabajado con el productor Roth en películas desde Alice in Wonderland a Oz the Great and Powerful, y en películas protagonizadas por Downey como Avengers: Age of Ultron—trae su sonido característico a Dolittle.
Para los cineastas no cupo ninguna duda: Elfman es el mejor en el negocio. “Nunca escuché otra música para esta película que la de Danny”, dice Gaghan. “Quería que tuviera esa cualidad alegre, un poco desequilibrada, de los Simpsons y Tim Burton. Yo estaba viviendo en una casa en Notting Hill, y Danny entró a la cocina con mis hijos corriendo y generando el caos doméstico. Estuvimos tarareando ideas durante tres horas. En el taxi durante el camino de regreso, se le ocurrió el tema principal de la película y lo cantó en su teléfono. Trabajó un poco en él en el taxi, lo envió a su estudio en Los Ángeles y le hicieron algunos arreglos técnicos. Unos 45 minutos después de salir de mi casa, me envió de vuelta el tema principal de Dolittle. Y cuando estuvimos en Londres grabando la banda sonora final, casi todas las piezas musicales de la película seguían proviniendo de su momento de inspiración en ese taxi”.
A Susan Downey le encanta trabajar con Elfman. “No sé quién podría haber hecho esta música además de Danny”, dice Susan Downey. “La cinta Dolittle tiene acción, aventura y un corazón real—aunque también es rara como ella sola—lo que nos obligaba a tener que considerar muchos elementos al referirnos a las composiciones. La música de Danny logra todas esas cosas sin esfuerzo. Es impredecible y, por lo tanto, sus partituras son increíblemente únicas. Ofrece una diversión singular, además de la calidad mística-mágica de la película… así como lo más profundo de su corazón”.
Susan Downey cree que cuando contratas a alguien como Elfman, le estás ofreciendo a la película que suba de nivel, musicalmente hablando. Cuando empezaron juntos el proceso de señalar cada entrada en la película, los productores le presentaron la intención a Elfman y le pasaron la batuta creativa. “Cada vez que íbamos a su estudio para escuchar la siguiente ronda de pistas, era muy emocionante”, relata Susan Downey. “Nos preguntábamos: “¿Qué vamos a escuchar hoy y cómo lo va a cambiar Danny?” Hizo secuencias enteras muy deliberadas. En la edición, intentaba encontrar el ritmo y la longitud correctos para las secuencias que se habían filmado para que la historia funcionara. Solo con su pista de principio a fin de una secuencia, Danny complementó y superó todas nuestras expectativas”.
Aunque sería difícil elegir su favorito, Susan Downey cree que dos de los temas recurrentes que Elfman eligió para la película son sobresalientes. “El primero que es increíble es el tema creado para Dolittle y sus animales, que captura la esencia de su familia”, señala Susan Downey. “Lo que Danny dice sobre cada tema es que debe ser algo que no solo sea célebre, sino que se pueda resumir claramente en unas pocas notas memorables—que se convierta en algo inmenso”. A lo largo de la película y a lo largo de la música, escuchamos diferentes variaciones sobre ese mismo tema. Esto nos permite familiarizarnos con él, pero disfrazarlo cada vez que se presenta una nueva situación”.
Del mismo modo, la productora se sintió atraída por el tema que Elfman creó para John y Lily Dolittle, así como por los fantasiosos movimientos dentro de cada pista. “Es simplemente hermoso”, anota Susan Downey. “La esposa de Dolittle falleció antes de que comenzara la película, y él está sufriendo por dentro. Cada vez que ve algo que le recuerda a Lily—o está haciendo algo que hubieran hecho juntos—entra ese tema. Es desgarrador y absolutamente hermoso”.
Como Dolittle tiene muchos efectos visuales que se encontraban en varias etapas de renderización a medida que Elfman componía, el compositor a menudo trabajaba con bocetos que veía en la pantalla. Los productores trabajaron con él para indicarle la intención de cada escena. “Una vez que le contábamos cómo sería una escena”, revela Susan Downey, “Danny diría: ‘Sé exactamente lo que necesito hacer.’ La película te lleva a este viaje épico, y Danny le brinda esa grandeza. Aún así, también aporta un sonido único a cada uno de nuestros personajes principales, y eso es algo que como fanática de la música de Danny siempre estoy buscando. Él lo logró”.
Si bien Elfman finalmente grabó la música de Dolittle en los famosos Estudios AIR en Londres con una orquesta, su proceso de más de un año con Gaghan comenzó de manera bastante simple. Para el compositor, fue una tarea fácil. “Conocí a Stephen, y nos llevamos bien”, dice Elfman. “En gran medida fue su manera de preguntarme: ‘¿Quieres hacerlo?’, y yo le contesté ‘¡Claro, empecemos de una vez!’ Además soy un gran admirador de Robert Downey y acogí con beneplácito el divertido desafío de escribir un tipo de música grande y épica de tipo narrativo para esta historia clásica”.
Elfman se sintió complacido de estar involucrado en el proceso desde una etapa bastante temprana, y comenzó su trabajo inspirado en bocetos. “Desde el principio había muchas imágenes, y comencé a escribir pequeñas piezas solo con esos artes antes de que hubiera una película”, dice Elfman. “Para este tipo de música, lo más importante es crear temas simples y efectivos. Encontramos los temas desde el principio—tomando como base las imágenes iniciales, como después de visitar el set mientras Stephen estaba filmando. Empecé a sentirlo, y una vez que conseguí eso, todo cayó en su lugar”.
Como las versiones de la historia de Dolittle se han contado en muchos formatos diferentes, Elfman tenía poco interés en pisar terreno ya conocido. “Abordé esto de la misma manera que abordaría cualquier tipo de historia clásica—basándome en la serie de libros que han sido conocidos por generaciones”, relata Elfman. “Por ejemplo, quería darle a Dolittle una sensación y un tono muy diferentes a los de Alice in Wonderland. El hecho de que las películas sean tan diferentes hace que sea más fácil evitar que suenen igual”.
Aunque algunos compositores prefieren crear múltiples temas para los personajes, Elfman ha evitado seguir esa ruta por mucho tiempo. Bueno, casi siempre. “Evito los temas de los personajes, excepto cuando tengo que hacerlo”, explica Elfman. “La única excepción es cuando se trata de una película de dibujos animados y tienes un personaje súper malo muy evidente”.
El artista cree que la música y el propósito se complican cuando una película tiene cinco, seis temas o más. “Si quieres que la audiencia recuerde la música, debes mantenerla en dos o tres piezas temáticas”, señala Elfman. “Lo importante para mí es no tocar un tema para un solo personaje, y en Dolittle ningún personaje tiene un tema particular. La historia completa tiene un tema, y los diferentes lados de la historia tienen piezas temáticas que los representan; el tema fundamental aquí es el que yo llamo el de la ‘familia.’ No es el tema del Doctor Dolittle. Es uno que interpreta la unión de una familia de diversas criaturas.
El otro es un tema romántico que suena cada vez que nos referimos a Lily, la amada esposa de Dolittle que ha muerto”, continúa Elfman. “Luego hay pequeños subtemas que tocan elementos diferentes, pero melódicamente están los dos temas principales. La partitura sigue a la película, por lo que a medida que la película se desarrolla—al igual que los temas y el tono—la partitura se orienta más a la aventura, mientras que parte de ella se mantiene muy sensible. A pesar de que es una película grande, todavía se siente encantadora, adorable e íntima. Es de amplio alcance, pero sigue tratando de unirnos y crear una familia. Eso es lo que me atrajo en primer lugar, y espero que eso sea lo que la gente se lleve consigo cuando la vea”.
Una y otra vez, el músico se encuentra regresando a producciones donde hay mucha animación. Después de haber formado parte de la producción desde los primeros bocetos, animaciones y renderizados en 2D, fue emocionante para él ver que la película se uniera para tomar su forma final. “Ha sido muy agradable ver conformarse a Dolittle”, señala Elfman. “Durante meses trabajé sobre storyboards—a veces con secuencias animadas sin terminar—imaginando cómo se verían. Luego, de repente, al final llegaron todas estas tomas y dije ‘¡Guau! Esto se ve increíble,’ He estado musicalizando una película con imágenes de osos polares y avestruces, imaginando cómo son estos animales extraordinarios. Esa es la gran sorpresa porque, como compositor, no podemos ver cómo se ven las escenas y los personajes… hasta que estamos cerca del final o de que la hayan terminado”.
Cuando se trata de sus colaboradores, el compositor siente el mismo afecto por Susan Downey. “Fue encantador trabajar en una película donde hay un equipo tan maravilloso de personas, y todo salió muy bien”, dice Elfman. “Estoy agradecido por eso. Lo que me gusta de trabajar con Susan es que su aportación es muy clara y concisa, y cuando eres compositor, eso significa mucho. No tienes que pasar por un extraño tipo de alquimia o proceso psicoanalítico para descubrir qué está funcionando o no. Su claridad hace que el trabajo del compositor sea mucho más agradable y simple. Cada vez que tocaba música para ella, respondía rápida y claramente. Sus notas fueron concisas y siempre comprensibles, y eso elimina una gran cantidad de estrés del proceso”.
EL DISEÑO DEL VESTUARIO
Un lobo con piel de oveja…
Jenny Beavan viste al buen doctor
La dos veces ganadora del Óscar® Jenny Beavan, que trabajó con el equipo Downey en ambas películas de la serie de Sherlock Holmes, regresa para vestir al elenco de Dolittle. Desde los aristócratas y los guardias de la reina, hasta los aspirantes a cazadores de rufianes y el veterinario desaliñado, Beavan disfrutó de las tareas que tenía por delante en esta gran producción.
Sabía que había encontrado un espíritu afín en el director Stephen Gaghan una vez que se presentaron por Skype. “Steve vive en Los Ángeles y yo en Londres, y durante nuestra primera reunión, lo primero que hizo fue mostrarme a su perro, Mouse, y por fortuna mi gato absurdamente obstinado, Button, estaba sentado a mi lado. Nos pusimos a conversar sobre el viaje mítico de Dolittle, así como de la creatividad que Robert aporta a una producción. Poco después comencé a crear una tabla de tonos para generar ideas y darme una idea de hacia dónde quería ir”.
Beavan apreciaba los contrastes en el guión y aspiraba a subrayarlos tanto como fuera posible. Encontró los extremos opuestos del espectro en el diseño para el mundo de Müdfly, que se formó en sus días de estudiante junto a Dolittle. “Tienes una maravillosa división en esta película”, señala Beavan. “La corte de la reina Victoria es muy quisquillosa, formal y oscura, versus este maravilloso mundo de Monteverde donde el Doctor Dolittle tiene una relación con la gente que vive allí. Esa isla tiene una sensación alegre, brillante y colorida. Es completamente mítica, así que creamos un mundo para ella”.
La productora ejecutiva Sarah Bradshaw se inspiró en la energía y la visión de Beavan. “Jenny ha trabajado con Robert antes, y yo trabajé con ella en Alexander hace muchos años”, comenta Bradshaw. “Es una de las diseñadoras de vestuario más talentosas del Reino Unido y comprende el carácter, el arco de la historia y el humor de la misma”.
Mientras elaboraba el vestuario característico de Dolittle, Beavan se inspiró en las imágenes que Robert Downey le envió del personaje que inspiró su versión del veterinario. “En una etapa muy temprana, Robert me mostró fotos de un médico galés del siglo XIX llamado William Price, que era muy extraño y absolutamente real. Era un profeta que vestía trajes de duendecillo de terciopelo verde bastante excéntricos, los llamaría yo, con picos en la parte inferior de sus pantalones”.
Cuanto más aprendían Robert Downey y Beavan sobre su inspiración, más se fascinaban con su aspecto. “El Dr. Price era un vegetariano que curó a la gente a través de eso, y también consiguió legalizar la cremación en el Reino Unido”, señala Beavan. “Robert me envió esta foto completamente loca y maravillosa de Price usando un mono con signos astrológicos y ese fue un gran punto de partida. Tomé eso y envié a Robert de vuelta algunas imágenes, y luego hicimos conjuntos a manera de prototipo y fuimos a Atlanta para adaptarlos. Se puso todo e hizo poses maravillosas. Susan dijo: ‘Este es un gran comienzo.’ Prácticamente usó todas las prendas que le dimos, pero no necesariamente como yo lo hubiera hecho. Hizo que los conjuntos funcionaran porque está actuando dentro de ellos”.
Cuando vemos a Dolittle por primera vez en su santuario, él es un desastre: está descuidado y desaliñado, y ha estado viviendo solo durante la mayor parte de una década. Después de que los animales lo limpian y lo envían al palacio de la reina, se ve muy elegante. Luego está en el Water Lily, con un disfraz de pirata en Monteverde… antes de atacar el barco de Rassouli y encontrar piezas para complementar su atuendo. Todas esas locaciones le brindaron al equipo de vestuario espacio para jugar con los atuendos característicos.
Como ellos ya habían colaborado en otras dos películas, Beavan y Robert Downey tenían una conexión con su estilo, y ella aprecia cómo él encuentra elementos en la historia para entretejer en los guardarropas de sus personajes. “Cuando lees el guión, no puedes ver cómo cambiaría en absoluto”, expresa Beavan, “pero a Robert le encanta elaborar estos ajustes. Simplemente le encanta la ropa y todo lo que implica disfrazarse. Aún así, es tan carismático, ¡que pocos notarán lo que lleva puesto!”
Cuando llegó la hora del vestuario del rey pirata Rassouli y su tribu de bandidos, el objetivo de la diseñadora de vestuario era entregar piratas que nadie había visto antes. “Quería darle a Antonio Banderas una apariencia única de “Monteverde”, y él se adaptó a ella”, comenta Beavan. “Cuando hicimos sus pruebas de vestuario, yo había empezado a diseñar a todos los piratas y mi equipo se estaba haciendo cargo. Estábamos elaborando piezas fantásticas, así que sabía hacia dónde iban los personajes. Solo quería convertirlo en el rey de todos mis demás piratas. Como Rassouli es vegano, tuve compradores que recorrieron el mercado de Covent Garden en busca de trozos extraños de fruta que pudiera usar. Estábamos muy interesados en usar cuero y frutos secos, nueces y semillas como parte de nuestros adornos”.
Debido a que estaba creando un nuevo mundo para Dolittle, el equipo de la diseñadora de vestuario requirió de muchos ayudantes. Dibujar tantas imágenes de inventario para la corte victoriana y las piezas que el equipo trajo de sus fabricantes de uniformes en Polonia—los uniformes de los beefeaters, de toda la guardia de la reina fueron hechos a mano—fue solo la mitad del desafío. Beavan subraya que la habilidad del equipo es tener brillantes entalladores de vestuario, así como increíbles creadores.
Para los personajes de Stubbins y Lady Rose son dos caras diferentes de la moneda en cuanto a vestuario se refiere. Él es un niño que no encaja bien en su familia, en su pueblo galés, y Beavan probó diferentes atuendos para él—incluido un chaleco en cierto punto. “Pensamos que era un período demasiado clásico”, dice Beavan, “Entonces, encontré este suéter bonito en Cosprop, que es la casa de vestuario que siempre salva el día”. Claro está que cuando se trata de un niño actuando, no solo tiene un doble de fotos, sino también un doble de acción, y luego sufren una evolución. Necesitas un montón de esos mismos suéteres”.
La diseñadora de vestuario admite que necesitaba que Stubbins se quedara boquiabierto cuando conoce a Lady Rose. “Quería que se viera como el hada que está en la parte superior del árbol de Navidad”, relata Beavan. “Absoluta y completamente diferente de él. Intentamos un color muy simple y pálido para ella, porque todos en su pueblo galés visten con telas rústicas, oscuras, de lana y a cuadros. Ella acaba de venir de con la reina con una mirada muy suave, pero lo que me encantó es que la pusiéramos en zuecos. Es sensata y sabe que estará embarrada bajo los pies. Es un poco como las niñas modernas, que usan un vestido de fiesta y unas botas Doc Martens”.
Universal Pictures presenta—en asociación con Perfect World Pictures—una producción de una película de Roth/Kirschenbaum Films y Team Downey, dirigida por Stephen Gaghan: Dolittle, estelarizada por Robert Downey Jr., Antonio Banderas, Michael Sheen, Harry Collett, Emma Thompson, Rami Malek, John Cena, Kumail Nanjiani, Octavia Spencer, Tom Holland, Ralph Fiennes, Selena Gomez, Marion Cotillard. La música de Dolittle la compuso Danny Elfman, y el vestuario fue diseñado por Jenny Beavan. Esta aventura épica fue editada por Craig Alpert, ACE, y su diseñador de producción es Dominic Watkins. El director de fotografía es Guillermo Navarro, ASC. Los productores ejecutivos de la cinta son Robert Downey Jr., Sarah Bradshaw, Zachary Roth, Jonathan Liebesman. Dolittle es producida por Joe Roth, p.g.a., Jeff Kirschenbaum, p.g.a., Susan Downey, p.g.a. La historia para la pantalla es de Thomas Shepherd, y el guión lo escribieron Stephen Gaghan, y Dan Gregor, & Doug Mand. La película es dirigida por Stephen Gaghan. © 2020 Universal Pictures. www.dolittlethemovie.com
ACERCA DEL ELENCO
ROBERT DOWNEY JR. (Dr. John Dolittle/Productor Ejecutivo) ha sido dos veces nominado al Premio de la Academia y ha ganado dos Globos de Oro. Es reconocido por su interpretación del personaje principal en la taquillera franquicia de Iron Man. En verano de 2008, bajo la dirección de Jon Favreau, Downey recibió reconocimiento de la crítica y la audiencia por su actuación del ahora icónico superhéroe de los Cómics de Marvel. Siguió interpretando dicho papel en películas con éxitos sin precedentes como Iron Man 2, Iron Man 3, The Avengers, The Avengers: Age of Ultron, Captain America: Civil War, Spider-Man: Homecoming, Avengers: Infinity War y recientemente, en Avengers: Endgame. Esta cinta, donde vimos a Downey Jr. interpretar su icónico papel de Tony Stark/Iron Man en la última entrega de la saga, fue un viaje cinematográfico sin precedentes de diez años de duración que abarcó todo el elenco de estrellas del Universo Cinematográfico de Marvel. Actualmente posee el récord de la película más taquillera de todos los tiempos, habiendo recaudado más de $2.79 mil millones de dólares en taquilla a nivel mundial.
Asimismo, Downey Jr. y su compañía Team Downey están produciendo la adaptación de la novela thriller de Paul Tremblay, A Head Full of Ghosts, que dirigirá y escribirá Osgood Perkins. De manera simultánea, él y Team Downey van a producir la película de Annapurna Pictures aún sin título en inglés basada en el episodio “Man of the People” del podcast Reply All de Gimlet Media, que relata la historia real del charlatán Dr. John Brinkley, quien va estafando gente en su camino hacia la fama y la fortuna con base en medicina falsa, populismo y usando la tecnología más nueva de la época: la radio
En televisión, actualmente Downey Jr. es el productor ejecutivo de la serie de HBO Perry Mason que estelariza Matthew Rhys, con episodios dirigidos por Tim Van Patten y Deniz Gamze Ergüve: escritos por Rolin Jones y Ron Fitzgerald. La serie limitada, cuyo estreno se está preparando para el verano de 2020, es una versión del clásico personaje de investigador/abogado defensor poco ortodoxo creado por Erle Stanley Gardner. También se encuentra en etapa de posproducción del piloto Sweet Tooth para Warner Bros. TV, y ocho episodios de la serie documental titulada Age of AI, para YouTube Originals. La serie explorará el impacto de la inteligencia artificial y cómo está transformando la manera en la que vive y trabaja la gente, tanto en la actualidad como en el futuro. Downey Jr. será el productor ejecutivo junto con Team Downey y Sonar Entertainment, en asociación con Derik Murray y Paul Gertz, de Network Entertainment.
Previamente, Downey Jr. ganó un Globo de Oro por su actuación en el papel principal de la película de acción y aventura, Sherlock Holmes. La cinta recaudó más de $524 millones de dólares en taquilla a nivel global, y continuó con una igualmente próspera secuela, Sherlock Holmes: A Game of Shadows, que ingresó $545 millones de dólares en taquilla en todo el mundo. También fue nominado para un Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Actor de Reparto por su trabajo en la exitosa comedia de Ben Stiller Tropic Thunder en 2008. Su interpretación del papel de Kirk Lazarus también lo hizo acreedor a nominaciones al Globo de Oro, al BAFTA, y al Premio del Sindicato de Actores (SAG por sus siglas en inglés). En 1992 Downey Jr. fue honrado con su primera nominación al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Actor por su interpretación de Charlie Chaplin en Chaplin, el aclamado biopic de Richard Attenborough, por cuya actuación también recibió una nominación al Globo de Oro, además de ganar un Premio BAFTA y el Premio que otorgan los Críticos de Cine de Londres.
En 2014 vimos a Downey Jr. en la película inspirada en la gastronomía titulada Chef, dirigida por Jon Favreau, que ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Tribeca. Ese mismo año, Downey Jr. también estelarizó y fue el productor ejecutivo de The Judge, al lado de Robert Duvall y Billy Bob Thornton, siendo Team Downey la compañía productora de la cinta.
Entre otros proyectos de Downey Jr. en el cine se encuentran Due Date, junto a Zach Galifianakis, para el director Todd Phillips; The Soloist, del director Joe Wright, donde actuó al lado de Jamie Foxx; Zodiac, de David Fincher, con Jake Gyllenhaal; A Scanner Darkly, con Keanu Reeves y dirigidos por Richard Linklater; Fur: An Imaginary Portrait Of Diane Arbus, al lado de Nicole Kidman para el director Steven Shainberg; y Kiss Kiss Bang Bang, junto a Val Kilmer para el director Shane Black. Además compartió una nominación al Premio SAG como miembro del elenco del drama de la vida real de George Clooney titulado Good Night, And Good Luck y un ganó un Premio Especial del Jurado por formar parte del elenco de A Guide to Recognizing Your Saints, que se presentó en el Festival de Cine de Sundance de 2006.
La larga lista de créditos en cine de Downey Jr. también incluyen: Gothika, The Singing Detective, Wonder Boys, U.S. Marshals, One Night Stand, Home For The Holidays, Richard III, Natural Born Killers, The Gingerbread Man, Short Cuts, Heart And Souls, Soapdish, Air America, Chances Are, True Believer, Less Than Zero, Weird Science, Firstborn, Only You y Pound, cinta en la cual realizó su debut como actor bajo la dirección de Robert Downey Sr.
En la pantalla chica, Downey Jr. hizo su debut en 2001 cuando se unió al elenco de la serie Ally McBeal. Por su trabajo en el programa, ganó un Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto en una Serie, Miniserie o Película hecha para Televisión, y un Premio SAG al Mejor Actor en una Serie de Comedia. Asimismo, Downey fue nominado para un Premio Emmy al Mejor Actor de Reparto en una Serie de Comedia.
Desde su llegada al cine de los Estados Unidos, ANTONIO BANDERAS (Rey Rassouli) es indiscutiblemente uno de los actores internacionales líderes de su generación. Ha recibido reconocimiento de la crítica por sus actuaciones en el cine, la televisión y el teatro, así como detrás de las cámaras, como director de cine. En 2005 fue honrado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recientemente ganó el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes de 2019 por su fascinante interpretación de Salvador Mallo en el drama autobiográfico de Pedro Almodóvar titulado Pain & Glory. También recibió una nominación al Globo de Oro. Esta fue la octava película que Banderas hizo con Almodóvar, por cuya actuación ha recibido críticas muy favorables.
En 1982 Banderas fue seleccionado por el escritor/director Pedro Almodóvar para actuar en Labyrinth of Passion. Esa sería la primera de ocho películas que Banderas haría junto con Almodóvar, siendo las demás Matador, Law of Desire, Women on the Verge of a Nervous Breakdown yTie Me Up! Tie Me Down! El éxito internacional de estas películas lo llevaron a Hollywood. Asimismo, a Banderas lo vimos actuar en La Piel Que Habito (The Skin I Live In) y en I’m So Excited, también escritas y dirigidas por Almodóvar.
Banderas ha trabajado con algunos de los mejores directores y primeros actores de Hollywood, en películas como Desperado de Robert Rodriguez, al lado de Salma Hayek y en la secuela Once Upon a Time in Mexico junto a Johnny Depp; en Original Sin con Angelina Jolie; junto a Madonna en Evita de Alan Parker, por cuya actuación recibió su primera nominación al Globo de Oro al Mejor Actor; en The Mask of Zorro de Martin Campbell, al lado de Catherine Zeta-Jones, por la que recibió su segunda nominación al Globo de Oro en la categoría de Mejor Actor, y en la secuela, The Legend of Zorro; en Interview with a Vampire de Neil Jordan con Tom Cruise y Brad Pitt; en Philadelphia de Jonathan Demme, al lado de Tom Hanks y Denzel Washington; en House of the Spirits de Bille August, con Meryl Streep y Glenn Close; y en Femme Fatale de Brian de Palma. Recibió su tercera nominación al Globo de Oro al Mejor Actor por su actuación como el infame Pancho Villa en el estreno de HBO de And Starring Pancho Villa as Himself en 2003.
También podemos ver a Banderas en la serie limitada de National Geographic Genius: Picasso,por la cual ha recibido nominaciones al Premio Primetime Emmy, al Globo de Oro, al Premio Critic’s Choice Award y al Premio SAG en la categoría de mejor actor en una serie limitada.
En octubre pasado, Banderas codirigió y coestelarizó la versión en español del clásico musical A Chorus Line en su nuevo Teatro del Soho Caixabank en la ciudad de Málaga.
MICHAEL SHEEN (Dr. Blair Müdfly) ha demostrado ser igualmente exitoso tanto en el teatro como en el cine. Sus muchas presentaciones en teatro ganadoras de premios incluyen Caligula y Frost/Nixon en el Donmar Warehouse; y Hamlet en el Young Vic. Fue el creador, codirector y actor en el innovador evento de tres días de duración conocido como The Passion in Port Talbot, para el Teatro Nacional de Gales.
Sheen ha estelarizado tres películas que han sido nominadas al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película: The Queen, dirigida por Stephen Frears; Frost/Nixon, dirigida por Ron Howard; y Midnight in Paris, dirigida por Woody Allen.
Es conocido por millones de personas como el vampiro de la saga de películas de Crepúsculo y como el hombre lobo en la franquicia Underworld. Otros de sus créditos en cine incluyen The Damned United, dirigida por Tom Hooper; Alice in Wonderland de Tim Burton; Tron: Legacy, y la adaptación de la novela de Thomas Hardy aclamada por la crítica Far From the Madding Crowd, dirigida por Thomas Vinterberg; Sony’s Passengers, en la que actuó al lado de Jennifer Lawrence y Chris Pratt; y Home Again con Reese Witherspoon. Actualmente podemos ver a Sheen en la película de Netflix Apostle, así como en Slaughterhouse Rulez, con Simon Pegg.
En televisión, Sheen ha ganado varios premios y nominaciones por sus actuaciones en proyectos tales Fantabulosa!, donde interpretó el papel de Kenneth Williams, dirigido por Andy De Emmony; Dirty Filthy Love, dirigido por Adrian Shergold; como Tony Blair en el especial de HBO The Special Relationship y como el Dr. Bill Masters en cuatro temporadas de la aclamada serie de Showtime Masters of Sex, de la que también fue productor. Ha realizado memorables interpretaciones en la serie de la NBC 30 Rock; en el falso documental 7 Days in Hell de HBO; en la miniserie de parodia de IFC Spoils of Babylon; y en Big Sexy Valentine’s Day Special de Michael Bolton, para Netflix. Recientemente Sheen apareció en Good Omens de Neil Gaiman para Amazon y la BBC, donde actuó junto a David Tennant; y en The Good Fight, para la CBS. Actualmente, Sheen interpreta el primer papel de Prodigal Son de Fox y próximamente lo veremos haciendo el papel de Chris Tarrant en la serie de ITV y AMC Quiz, dirigida por Stephen Frears, acerca del vergonzoso escándalo del programa de ITV Who Wants To Be A Millionaire.
Ampliamente reconocido como un activista igualmente eficaz, a través de su papel como Embajador de UNICEF, Patrono de Social Enterprise UK, Presidente del Centro de Acción Voluntaria de Gales y muchas otras organizaciones, Sheen se está expandiendo para comenzar sus propios movimientos sociales. En marzo del año pasado lanzó la organización End High Cost Credit Alliance, cuyo objetivo es combatir los altos costos de los créditos para aquellos que menos pueden pagarlos. Asimismo, en julio de 2019 Sheen llevó el torneo de fútbol Homeless World Cup a Cardiff, en busca de crear un legado que tenga un impacto real en la vida de las personas mucho después de que suene el silbato final del partido. Más de 500 jugadores que representan a más de 50 países viajaron a Cardiff para asistir al festival de fútbol que dura una semana, y se convirtió en uno de los torneos más inspiradores del Homeless World Cup a la fecha.
Los créditos en cine de HARRY COLLETT (Tommy Stubbins) incluyen Dead In A Week Or Your Money Back (2018), Dunkirk (2017), el cortometraje Honour (2017) y Ethel and Ernest (2016). Entre sus créditos en televisión se encuentran Casualty de la BBC; The Hive de DQ Entertainment; y Galavant de ABC. En teatro, Collett ha actuado en Elf the Musical, Matilda The Musical y Billy Elliott The Musical. También participó en el video musical de Michael Bublé e Idina Menzel de ‘Baby It’s Cold Outside.’
EMMA THOMPSON (Poly) es una de las artistas más respetadas del mundo por la versatilidad que muestra para la actuación, así como para la escritura de guiones. Ella es la única artista hasta ahora que ha recibido un Premio de la Academia® en las categorías de mejor actuación y mejor guión.
La película Last Christmas estrenó hace pocas semanas a nivel mundial.Thompson es la coguionista, productora y miembro del elenco de esta cinta que protagonizan Emilia Clarke y Henry Golding, bajo la dirección de Paul Feig. El año pasado también coprotagonizó con Mindy Kaling Late Night, por cuya actuación recibió grandes ovaciones de la crítica; esta película está basada en un guión de Kaling, dirigida por Nisha Ganatra. Por su actuación, Thompson fue nominada a un Globo de Oro a la Mejor Actriz en una Película-Musical o Comedia. En televisión, Thompson forma parte de un impresionante elenco en la serie de seis temporadas de la BBC One/HBO de Russell T. Davies, Years & Years. Por su actuación ha sido nominada en la categoría de Mejor Actriz de Reparto en una Serie Limitada Hecha para Televisión por la Asociación de Críticos de Televisión.
Thompson hizo su debut en el cine en 1988 actuando al lado de Jeff Goldblum en la comedia The Tall Guy. En 1992 causó sensación con su interpretación de Margaret Schlegel en la adaptación de Merchant-Ivory de la novela de E.M. Forster, Howards End. Su actuación la hizo acreedora a cuanta nominación en la categoría de Mejor Actriz pudiera ser considerada, y le valió un Premio de la Academia Británica de Artes de Cine y Televisión, un Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, un Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, un Globo de Oro y un Premio de la Academia®. Al año siguiente recibió dos nominaciones al Oscar® por su trabajo en The Remains of the Day y en In the Name of the Father. En 1995, la adaptación que hizo Thompson de la novela de Jane Austen Sense and Sensibility, dirigida por Ang Lee, la hizo acreedora al Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado, así como al Globo de Oro al Mejor Guión y a premios al Mejor Guión del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos y del de Gran Bretaña, entre otros. Por su actuación en la película también fue reconocida con un Premio BAFTA a la Mejor Actriz y fue nominada para un Globo de Oro y un Premio de la Academia®. Por su actuación en la película de Richard Curtis Love Actually recibió un Premio Evening Standard Film a la Mejor Actriz de Reparto en 2004; Premios de Círculo de Críticos de Cine de Londres y Premios Empire Film, así como una nominación al BAFTA. En 2013, la cautivadora interpretación de Thompson de la escritora P.L. Travers en Saving Mr. Banks la hizo acreedora al Premio del Consejo Nacional de Crítica de Cine y al Premio Empire en la categoría de Mejor Actriz, además de nominaciones al Globo de Oro, al Premio de la BFCA, al Premio SAG y al BAFTA.
Thompson escribió el guión e interpretó al personaje principal de la nana mágica en Nanny McPhee (2005),su película basada en las historias de Nurse Matilda de Christianna Brand, dirigida por Kirk Jones. Repitió el papel en la cinta Nanny McPhee Returns (2010), para la que nuevamente escribió el guión, fue la productora ejecutiva y la protagonizó. Actualmente se encuentra desarrollando una obra de teatro musical sobre este personaje.
En 2004 Thompson llevó a la pantalla grande a Sybil Trelawney, el personaje de JK Rowling en Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (2004) para el director Alfonso Cuaron, y volvió a interpretar ese papel en Harry Potter and the Order of the Phoenix (2007) para el director David Yates.
Otros de sus créditos en cine incluyen Men In Black International; The Children Act,dirigida por Richard Eyre, basada en el best-seller de Ian McEwan, y coestelarizada por Stanley Tucci y Fionn Whitehead; Meyerowitz Stories de Noah Baumbach; la internacionalmente exitosa película de Disney de acción en vivo Beauty and the Beast; Last Chance Harvey (nominación al Globo de Oro a la Mejor Actriz); Love Punch; la película animada de Pixar nominada al Premio de la Academia, Brave; Henry V; Dead Again; Peter’s Friends; Much Ado About Nothing; Junior; Carrington; The Winter Guest; Imagining Argentina; Primary Colors; Stranger Than Fiction; y Men In Black 3.
Para el director Mike Nichols, actuó en las películas para televisión de HBO Wit (2001, cuya actuación le valió una nominación al Globo de Oro) y Angels in America (2002, con nominaciones al Premio del Sindicato de Actores de Cine y al Premio Emmy). Por su actuación junto a Alan Rickman en la producción de televisión del poema narrativo de Christopher Reid, Song of Lunch, Thompson fue nominada para un Premio Emmy en 2012 (en Estados Unidos salió al aire con el nombre de “Masterpiece” en la cadena PBS). Ese mismo año interpretó a la reina Isabel II en la producción que realizó Sprout/SKY ARTS de Walking the Dogs.
En marzo de 2014 y para deleite de los críticos y del público, interpretó a la señora Lovett en la producción de teatro de Stephen Sondheim acompañada de la Filarmónica de Nueva York de Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, donde participó al lado del bajo barítono Bryn Terfel, quién realizó el papel principal. La producción marcó el debut de Thompson con la Filarmónica de Nueva York, y fue la primera vez que interpretó dicho rol. Ella y Terfel volvieron a realizar los mismos papeles la primavera pasada, en una limitada temporada de presentaciones en el London Coliseum con la Ópera Nacional Inglesa cuyas localidades estuvieron agotadas, que además representó la primera temporada de teatro musical que presentaba esta Ópera.
En septiembre de 2014 Penguin Press publicó “The Spectacular Tale of Peter Rabbit”, el tercero de una serie de libros escritos por Thompson. Para celebrar el aniversario 110de Peter Rabbit, a Thompson le pidieron que escribiera el cuento número 24 de la colección ya existente de las historias de Peter Rabbit. Esta fue la primera vez que la editorial Frederick Warne & Co. había publicado un título adicional de la serie que Beatrix Potter escribiera entre 1902 y 1930. El libro, titulado The Further Tale of Peter Rabbit,fue publicado en septiembre de 2012 y recibió críticas favorables; y en octubre de 2013, Penguin publicó The Christmas Tale of Peter Rabbit.
Thompson nació en Londres. Sus padres son Eric Thompson, que fuera un escritor y director de teatro, Phyllida Law, una actriz. Estudió Inglés en la Universidad de Cambridge y fue invitada a unirse a la antigua compañía de comedia Footlights de la universidad, que la eligió su vicepresidenta. Hugh Laurie era el presidente. Mientras era estudiante, codirigió el primer programa de revista de mujeres de Cambridge, Women’s Hour, hizo su debut en televisión en la serie de la BBC Friday Night, Saturday Morning, así como su debut en la radio en el programa de la BBC Radio Injury Time.
Continuó emprendiendo una carrera activa en los escenarios al mismo tiempo que en televisión y radio, apareciendo en A Sense of Nonsense, con la que se fue de gira por Inglaterra en 1982; en Short Vehicle, de su autoría, en el Festival de Edimburgo de 1983; en Me and My Girl, primero en Leicester y después en el West End de Londres en 1985; y en Look Back in Anger en el Lyric Theatre, en Shaftesbury Avenue, en 1989.
A lo largo de la década de 1980, Thompson apareció con frecuencia en la televisión británica incluyendo una variedad de aclamados papeles, como en la serie de Granada TV Alfresco; Election Night Special y The Crystal Cube (esta última escrita por sus compañeros de estudios en Cambridge Stephen Fry y Hugh Laurie) de la BBC; y el hilarante e irrepetible papel de la cretina de clase alta Miss Money Sterling, en The Young Ones. En 1985, Channel 4 le ofreció su propio especial de televisión: Up for Grabs, y en 1988 escribió y estelarizó su propia serie en la BBC titulada Thompson. Trabajó como comediante de stand-up cuando se presentó la oportunidad, y ganó £60 libras en efectivo el día que cumplió 25 años en un programa doble de stand-up, con Ben Elton en el Croydon Warehouse. Dice que es el mejor dinero que ha ganado en su vida.
Thompson es presidenta de la Fundación Helen Bamber, una organización con sede en el Reino Unido en pro de los derechos humanos que se fundó en abril de 2005, para ayudar a reconstruir la vida e inspirar una nueva autoestima en los sobrevivientes de graves violaciones de derechos humanos. En nombre de la fundación, Thompson fue la co-curadora de “Journey”, una instalación de arte interactiva que usó siete contenedores de transporte para ilustrar las experiencias brutales y desgarradoras que sufren las mujeres que son vendidas como parte del comercio sexual. Thompson y “Journey” viajaron a Londres, Viena, Madrid, Nueva York y Holanda realizando exhibiciones y ofreciendo entrevistas.
Hace cuatro años Thompson se unió a Greenpeace en su campaña Save the Arctic, y continúa siendo una miembro activa de esa organización. Colabora con la organización con sede en el Reino Unido Food Foundation and Child Hunger. También es Embajadora de la agencia internacional de desarrollo ActionAid y ha expresado públicamente su apoyo al trabajo que está haciendo esta organización no gubernamental, en particular para abordar la epidemia de VIH/SIDA que continúa extendiéndose por África. Ha estado asociada a la organización desde el año 2000 y desde entonces ha visitado proyectos de ActionAid situados en Uganda, Etiopía, Mozambique, Sudáfrica, Liberia y Myanmar. Es mecenas del Consejo de Refugiados y mecenas del Edinburgh College del Estudio de Artes Escénicas de Escocia.
En junio de 2018 fue nombrada Dama Comandante de la Orden del Imperio Británico.
El actor ganador del Premio de la Academia®, del Globo de Oro, del Premio SAG y del Premio Emmy RAMI MALEK (Chee-Chee) se ha ganado a las audiencias de todo el mundo con su caracterización de Freddie Mercury en el biopic del grupo Queen, Bohemian Rhapsody, que recaudó más de $900 millones de dólares en taquilla. Su actuación lo hizo acreedor a un Premio de la Academia®, un SAG, un BAFTA, y un Globo de Oro® al Mejor Actor en un Drama. La película también ganó un Globo de Oro a la Mejor Película de Drama, además de recibir una nominación al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película.
Malek participó en el drama de televisión de Sam Esmail, de la cadena USA, aclamado por la crítica y ganador de premios Mr. Robot, cuya cuarta y última temporada terminó en diciembre de 2019. Por su interpretación del papel de Elliot Alderson, Malek ganó un Premio Primetime Emmy y un Premio Critics Choice Award al Mejor Actor en una Serie de Drama.
Su debut en el cine lo realizó en el 2006, haciendo el papel del faraón Ahkmenrah en la película Night at the Museum, donde actuó al lado de Ben Stiller. Posteriormente repetiría ese papel en las subsecuentes secuelas, Night at the Museum: Battle of the Smithsonian y Night at the Museum: Secret of the Tomb. Otros de sus créditos en cine incluyen Papillon de Michael Noer; The Master de Paul Thomas Anderson; Larry Crown de Tom Hanks; Old Boy de Spike Lee; y Short Term 12 de Destin Daniel Cretton. También participó de forma notable en la miniserie de HBO The Pacific.
Próximamente Malek será el villano y actuará junto a Daniel Craig en la película número 25 de James Bond titulada No Time to Die, programada para estrenarse el 8 de abril de 2020. Recientemente concluyó la producción del thriller de John Lee Hancock Little Things, donde actuó al lado de Denzel Washington.
JOHN CENA (Yoshi) es actor, productor, presentador, emprendedor, filántropo y superestrella de la WWE.
Cena va a actuar junto a Vin Diesel en la película de Justin Lin Fast & Furious 9 para Universal Pictures, que estrenará en cine en Estados Unidos el fin de semana del Memorial Day de 2020. Hacia finales del verano de 2020, lo veremos con Jackie Chan en el próximo estreno de la película chino-estadounidense de acción y aventura titulada Project X-Traction. En enero de 2021 Cena actuará junto a Margot Robbie e Idris Elba en The Suicide Squad de James Gunn, para Warner Brothers.
Recientemente vimos a Cena en la comedia familiar Playing with Fire de Paramount, que estrenó en cines en Estados Unidos el 8 de noviembre de 2019. Interpretó al rival en el spinoff de la serie de Transformers Bumblebee de Paramount, que recaudó $470 millones de dólares a nivel mundial. Estelarizó junto con Leslie Mann y Ike Barinholtz la exitosa comedia Blockers,que ganó $93 millones de dólares en taquilla a nivel mundial para Universal Pictures. Hemos visto a Cena actuar en The Wall; en Sisters,al lado de Tina Fey y Amy Poehler; en la franquicia de Guerra de Papás, al lado de Will Ferrell y Mark Wahlberg; y en la exitosa comedia de Universal Trainwreck,junto a Amy Schumer y dirigida por Judd Apatow. En la animación, Cena fue la voz en inglés de el toro Ferdinand en Ferdinand, la película nominada al Óscar® basada en el icónico libro para niños que estrenó en cines en la Navidad de 2017.
Cena es el presentador del relanzamiento del programa Are You Smarter Than a Fifth Grader en Nickelodeon. Asimismo, ha sido presentador en Saturday Night Live, The Espys, The Today Show, The Ellen Degeneres Show y de los Premios Kids Choice Awards en 2017 y 2018.
Cena ha sido la imagen de la WWEpor más de una década y ha sido Campeón Mundial 16 veces. Vince McMahon ha nombrado a Cena como el Babe Ruth de la WWE.
Cena dedica gran parte de su tiempo y energía a trabajar y colaborar en nombre de numerosas causas benéficas. Es el miembro de Make-a-Wish más solicitado de todos los tiempos, y la única celebridad que ha concedido más de 600 deseos. Es el portavoz de Performix, una marca de fitness, así como de su organización benéfica Fitops, que ayuda a los militares veteranos de los Estados Unidos a reincorporarse a la vida civil después del servicio. En una campaña reciente, Cena ayudó a la organización a recaudar más de $2 millones de dólares el pasado Día de los Veteranos. Por mucho tiempo ha sido defensor del ejército de los Estados Unidos y fue reconocido por la organización Uso Metro, con su Premio Legacy of Achievement en 2016. Está comprometido con la fundación de Susan G. Komen y ha ayudado a recaudar más de $1.6 millones de dólares para la investigación y concientización sobre el cáncer de seno. También formó parte de la campaña Love Has No Labels, We Are America que realizó Ad Council para promover un mensaje de aceptación y amor para todas las comunidades que viven en los Estados Unidos.
KUMAIL NANJIANI (Plimpton) es un escritor nominado al Óscar®, un actor y comediante aclamado por la crítica.
Nanjiani se unió al Universo Cinematográfico de Marvel para el muy esperado estreno de la película The Eternals, planeado para el 6 de noviembre de 2020. El elenco incluye a Angelina Jolie, Salma Hayek, Richard Madden, Brian Tyree Henry, Lauren Ridloff y Don Lee. Hace poco tiempo Apple anunció que la serie de Nanjiani y su esposa Emily V. Gordon, Little America, había sido renovada para una segunda temporada antes de su estreno, programado para el 17 de enero de 2020 en Apple. Nanjiani y Gordon son los productores ejecutivos de la serie junto con Lee Eisenberg, Alan Yang y Joshua Bearman entre otros. Cada episodio está inspirado por hechos reales e historias conmovedoras presentadas por la Epic Magazine de Inmigrantes en los Estados Unidos, abarcando la división política y cultural con un grupo diverso de talentos emergentes que dan vida a historias divertidas, románticas, sinceras y sorprendentes de los inmigrantes que viven en Estados Unidos.
Asimismo, veremos a Nanjiani al lado de Issa Rae en The Lovebirds, la historia de una pareja al borde de la ruptura que de repente se ve envuelta en el misterio de un asesinato enredado e hilarante. A medida que la pareja se acerca más para limpiar sus nombres y resolver el caso, deben descubrir cómo ellos y su relación puede continuar. Entre las coestrellas se encuentran Kelly Murtaugh, Moses Storm y Betsy Borrego. El proyecto reunirá a Nanjiani con el director de The Big Sick, Michael Showalter. El guión de esta comedia romántica es de Aaron Abrams, Brendan Gall y Martin Gero. Está programada para estrenar en Estados Unidos el 3 de abril de 2020.
Recientemente fue anunciado que Nanjiani actuaría en la comedia de acción y espías basada en hechos reales, producida por Adam McKay y Will Ferrell de Valparaiso Pictures, No Glory. Adicionalmente, Nanjiani va a realizar el papel estelar en la historia corta de Simon Rich titulada Person, Living or Dead, que fue adquirida por Legendary Entertainment.
En televisión, Nanjiani repitió su papel estelar de Dinesh en la sexta y última temporada de la comedia de HBO ganadora del Premio Emmy Silicon Valley, donde actúa al lado de Thomas Middleditch, Martin Starr y Zach Woods. A lo largo de los años, la serie ha ganado dos Premios Critic’s Choice Awards a la Mejor Serie de Comedia y ha sido elegida como uno de los Programas de Televisión del Año por el American Film Institute.
Nanjiani le dio voz al personaje de Jesús en la serie animada de Fox Bless the Harts, donde colaboró junto a Kristen Wiig y Maya Rudolph y que estrenó el otoño pasado. Fue nominado para un Premio Primetime Emmy al Mejor Actor Invitado en una Serie de Drama por su aparición en la nueva versión de Jordan Peele de la serie original de televisión de 1959, The Twilight Zone.
En 2017 Nanjiani y su esposa Gordon recibieron una nominación al Premio de la Academia® al Mejor Guión Original por The Big Sick, que Nanjiani estelarizó al lado de Holly Hunter, Zoe Kazan y Ray Romano. La película fue considerada entre una de las Mejores Películas del Año por el American Film Institute y ganó el Premio Critic’s Choice Award a la Mejor Comedia, El Premio de Cine de Hollywood al Mejor Elenco de Comedia del Año y un Premio Independent Spirit al Mejor Primer Guión. Asimismo, la cinta recibió dos nominaciones a los Premios Independent Spirit, una nominación para un Premio del Sindicato de Productores, dos nominaciones al Premio SAG y una nominación al Premio del Sindicato de Escritores y al Premio Gotham. Además, Nanjiani ganó el Premio Virtuoso en el Festival de Cine de Santa Bárbara; El Premio Auteur del Festival Internacional de Cine de San Diego; y fue elegido para formar parte de la lista 10 Actors to Watch que publica la revista Variety.
Sus créditos adicionales en el cine incluyen Stuber, Men In Black: International, Fist Fight, Mike And Dave Need Wedding Dates, The Five-Year Engagement y Central Intelligence. Conocimos su talento vocal cuando lo escuchamos darle voz a uno de los guerreros ninja en The Lego Ninjago Movie, de Warner Bros. Otros de sus créditos en la televisión incluyen: The Meltdown with Jonah and Kumail de Comedy Central; Portlandia de IFC; Franklin & Bash de TNT; The X-Files de FOX; y Community de NBC.
OCTAVIA SPENCER (Dab-Dab) es uno de los talentos más solicitados en Hollywood. Se ha convertido en una cara conocida en la televisión y en la pantalla grande. Su interpretación del papel de Minny en la película de DreamWorks The Help la hizo acreedora a un Premio de la Academia®, a un Premio BAFTA, a un Globo de Oro y a un Premio del Sindicato de Actores entre muchos otros reconocimientos. Posteriormente recibió otras dos nominaciones al Premio de la Academia®, y fue la productora ejecutiva del drama aclamado por la crítica Green Book, película que en 2019 ganó el Premio de la Academia® a la Mejor Película y el Globo de Oro a la Mejor Película– Musical o Comedia.
Spencer recientemente actuó en Luce, un drama independiente que relata la historia de un adolescente africano que fue niño soldado, y que ahora vive en un barrio suburbano donde se encuentra en conflicto ante las perspectivas muy apasionadas sobre la violencia política, al lado de Naomi Watts y Tim Roth. Próximamente la veremos participar en varios proyectos, incluyendo la aventura animada de Disney Onward, junto a Chris Pratt, Tom Holland y Julia Louis-Dreyfus. Spencer está por concluir la producción de The Witches, la adaptación de Robert Zemeckis de la obra clásica de Roald Dahl, en la que también actúa Anne Hathaway; y recientemente empezó a filmar, junto a Melissa McCarthy, Thunder Force.
Hacia finales de 2019, Spencer actuó en la serie de Apple Truth Be Told, donde se expone el interés que hay en los Estados Unidos por los podcasts de crímenes reales. Además de ser parte del elenco estelar, será la productora ejecutiva a través de su compañía de producción Orit Entertainment, en asociación con Hello Sunshine, la compañía de Reese Witherspoon, y con Chernin Entertainment/Endeavor Content. También se ha comprometido para ser la productora ejecutiva y protagonista de una serie limitada para Netflix acerca de la empresaria y activista social Madam C.J. Walker, serie de la que LeBron James también será productor ejecutivo a través de su compañía de producción, SpringHill Entertainment. Asimismo, planea producir con Tate Taylor y John Norris la película Coffee Will Make You Black, que estelarizará y coproducirá Gabrielle Union, a través de su compañía de producción I’ll Have Another. Deborah Riley Draper escribirá el guión y dirigirá esta cinta.
Recientemente Spencer estelarizó el thriller psicológico Ma, en el cual interpreta el primer papel y vuelve a colaborar con Tate Taylor, el director de The Help. En 2017 actuó en el drama de fantasía de Guillermo del Toro ganador del Premio de la Academia® The Shape of Water junto a Sally Hawkins, Michael Shannon y Richard Jenkins. Los críticos describieron la actuación de Spencer como “maravillosa” e “irresistible” y ella recibió nominaciones al Globo de Oro, al BAFTA y al Premio de la Academia®. Además de ganar el Premio de la Academia® a la Mejor Película, la cinta recibió el codiciado León de Oro en el Festival de Cine de Venecia, entre otros numerosos reconocimientos. Entre sus créditos en cine previos se encuentran Instant Family, una comedia en la que participó al lado de Mark Wahlberg y Rose Byrne; A Kid Like Jake, junto a Claire Danes, Jim Parsons y Priyanka Chopra; el drama independiente Small Town Crime con John Hawkes y Anthony Anderson; Hidden Figures, el drama nominado al Premio de la Academia® que relata la historia verdadera de un grupo de mujeres afroamericanas que le dieron a la NASA la información crucial que necesitaba para lanzar las primeras misiones exitosas del hombre al espacio. Su actuación en dicha película la hizo acreedora a nominaciones a un Premio de la Academia®, a un Premio SAG, a un Globo de Oro y a un Galardón otorgado por la NAACP (Asociación Nacional Americana para el Avance de la Gente de Color). Actuó en The Shack, basada en la muy exitosa novela del mismo nombre; Gifted, el conmovedor drama de Marc Webb; Allegiant, película en la que Spencer repitió el papel de Johanna en la tercera entrega de la franquicia de la serie de The Divergent, de Lionsgate; prestó su voz a un personaje de Zootopia, la película animada de Disney que ganó el Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película Animada; The Free World, cuya premier se llevó a cabo en el Festival de Cine de Sundance de 2016, y que coprotagonizó con Elisabeth Moss y Boyd Holbrook; el drama Fathers and Daughters, en el que participó con Quvenzhané Wallis, Diane Kruger, Russell Crowe, Amanda Seyfried y Aaron Paul; The Great Gilly Hopkins, la adaptación que hizo Katherine Paterson de su novela ganadora de la Medalla Newberry; Bad Santa 2, de Mark Waters, al lado de Billy Bob Thornton y Kathy Bates; Black or White, cuya premier se realizó en el Festival de Cine de Toronto de 2014; Get on Up, del director Tate Taylor, una crónica del ascenso a la fama del músico James Brown donde compartió créditos con Viola Davis y Chadwick Boseman; la aventura de acción y ciencia ficción Snowpiercer; el drama independiente Fruitvale Station, por cuya actuación fue reconocida como la Mejor Actriz de Reparto por el National Board of Review (Consejo Nacional de Crítica de Cine); actuó junto a Russell Brand y Julianne Hough en Paradise, la película que marcó el debut como directora de cine de Diablo Cody; Smashed, una película independiente cuya premier se llevó a cabo en el Festival de Cine de Sundance 2012; el segmento de Call Me Crazy que dirigió Bryce Dallas Howard de A Five Film, una antología de cinco cortometrajes enfocados en varias historias relacionadas con enfermedades mentales; Blues for Willadean; Fly Paper; Peep World; Dinner For Schmucks; Small Town Saturday Night; Herpes Boy; Halloween II; The Soloist; Drag Me to Hell; Seven Pounds; Pretty Ugly People; Coach Carter; Charm School; Win A Date with Tad Hamilton; Bad Santa; Spiderman; Big Momma’s House; Being John Malkovich; Never Been Kissed; y A Time to Kill. En 2008 Spencer dirigió y produjo el cortometraje titulado The Captain, que fue finalista para ganar el codiciado Poetry Foundation Prize en el Festival Internacional de Cine Infantil de Chicago.
En televisión, Spencer tuvo un papel recurrente y fue estrella invitada en varios episodios de la exitosa comedia Mom, donde interpretó a Regina, la amiga afroamericana de Christy, la protagonista de la serie. Tuvo una participación memorable como actriz invitada en la última temporada de 30 Rock; actuó en la serie de Comedy Central Halfway Home; y actuó en cinco episodios de la exitosa serie Ugly Betty interpretando el papel de Constance Grady. Entre otros de sus créditos se encuentran actuaciones en The Big Bang Theory, ER, CSI, CSI: NY, Raising the Bar, Medium y NYPD Blue.
Otros logros profesionales de Spencer incluyen la coautoría de una serie de libros de misterio interactivos para niños que se llama “Randi Rhodes, Ninja Detective”. El primer título de la serie, “Randi Rhodes, Ninja Detective: The Case of the Time-Capsule Bandit”,fue publicado por la editorial Simon & Schuster Children’s Publishing en otoño de 2013 y el segundo libro, “Randi Rhodes, Ninja Detective: Sweetest Heist in History”, un año más tarde.
Spencer nació en Montgomery, Alabama, y se recibió de una licenciatura en Artes Liberales en la Universidad de Auburn. En la actualidad reside en Los Ángeles.
TOM HOLLAND (Jip) se ha convertido rápidamente en uno de los actores jóvenes más fascinantes y versátiles de Hollywood. Recibió reconocimiento a nivel internacional por su interpretación de Peter Parker/El Hombre Araña en las últimas cuatro películas del Universo Cinematográfico de Marvel: Captain America: Civil War (2016); Spider-Man: Homecoming (2017); Avengers: Infinity War (2018); y Avengers: Endgame (2019); esta última tuvo un éxito sin precedentes y se mantiene como la película con la mayor recaudación en taquilla de todos los tiempos, tanto en Estados Unidos y Canadá, como a nivel mundial. Holland volvió a realizar ese papel en la secuela de El Hombre Araña de Sony y Marvel titulada Spider-Man: Far From Home, que estrenó en cines el pasado 2 de julio de 2019 y que ha recaudado más de $850 millones de dólares a nivel mundial, se ha convertido en la película más exitosa de la franquicia de Spider-Man a la fecha.
Recientemente Holland prestó su voz a un personaje de la película animada de acción y aventura Spies in Diguise, junto a Will Smith y Ben Mendelsohn, entre otros. La cinta relata la historia del mejor espía del mundo que, después de transformarse de forma accidental en una paloma, debe confiar en su nerd oficial de tecnología para salvar el mundo. 20th Century Fox la estrenó en cines el pasado 25 de diciembre de 2019.
Holland concluyó la producción de The Devil All The Time, una adaptación de la novela de Donald Ray Pollock de 2011 del mismo nombre. La cinta gótica situada en el medio oeste también la estelarizan Chris Evans, Robert Pattinson y Mia Wasikowska, y será estrenada por Netflix.
Holland concluyó la producción en la cinta animada Onward, donde colaboró al lado de Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus y Octavia Spencer. Situada en un mundo suburbano de fantasía, la historia se trata de dos hermanos elfos adolescentes que se embarcan en una aventura para descubrir si la magia aún existe. Walt Disney Pictures va a estrenarla en cines de Estados Unidos el 6 de marzo de 2020.
Actualmente Holland se encuentra trabajando en la producción de la cinta Cherry, con los directores Joe y Anthony Russo. Esta historia verdadera, basada en la novela best-seller de The New York Times del mismo nombre, presenta a un médico del ejército que sufre un trastorno de estrés postraumático que, después de una adicción a las drogas, lo deja endeudado y se convierte en un ladrón de bancos en serie.
Holland va a estelarizar Chaos Walking para el director Doug Liman, al lado de Daisy Ridley, Mads Mikkelsen, David Oyelowo y Demián Bichir. La película relata la historia de un joven (Holland) que vive en un mundo distópico donde no hay mujeres y todas las criaturas vivientes pueden escucharse entre sí en una secuencia de imágenes, palabras y sonidos llamados Noise. Lionsgate va a estrenarla en cines el año que viene.
Holland apareció en el drama de época de Alfonso Gomez Rejón The Current War, donde actuó junto a Benedict Cumberbatch y Michael Shannon, y que trata de la competencia entre los titanes de la electricidad Thomas Edison y George Westinghouse para determinar qué sistema eléctrico alimentaría al mundo moderno. La premier mundial de la cinta se llevó a cabo en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017 y estrenó en cines en octubre de 2019.
En enero de 2013 Holland hizo su debut en el cine al lado de Ewan McGregor y Naomi Watts en la película de Juan Antonio Bayona The Impossible, por cuya actuación fue galardonado con el Premio al Actor Revelación del Año por el Consejo Nacional de Crítica de Cine. La cinta relata la historia de una familia que está de vacaciones en Tailandia y se ve atrapada por las secuelas de la destrucción y el caos provocados por el sunami del Océano Índico del 2004. Holland también recibió el Premio Spotlight que entregan los Premios de Cine de Hollywood y fue nominado al Critics’ Choice Award, premio que otorga la BFCA en la categoría de Mejor Actor/Actriz Juvenil.
Los créditos adicionales en cine de Holland incluyen Los City of Z de James Gray, con Charlie Hunnam, Robert Pattinson y Sienna Miller; In the Heart of the Sea de Ron Howard; How I Live Now de Kevin MacDonald, donde actuó al lado de Saoirse Ronan; Locke de Steven Knight, con Tom Hardy; y Edge of Winter de Rob Connolly, junto a Joel Kinnaman.
En la pantalla chica Holland apareció en la miniserie de seis capítulos Wolf Hall, al lado de Mark Rylance y Claire Foy, que salió al aire en la cadena BBC Two en el Reino Unido y posteriormente en la PBS en los Estados Unidos a principios de 2015. La serie fue un éxito de la crítica y recibió varias nominaciones al Premio Primetime Emmy y al Globo de Oro, recibiendo el Globo de Oro a la Mejor Miniserie o Película para Televisión.
Además de sus logros en el cine, Holland hizo su debut en el teatro interpretando el papel estelar en Billy Elliot the Musical en el Victoria Palace Theatre en Londres, entre los años 2008 y 2010.
Actualmente, Holland vive en Londres.
RALPH FIENNES (Barry) hizo su debut cinematográfico cuando interpretó el papel de Heathcliff en la cinta Wuthering Heights. Steven Spielberg quedó tan impresionado con la actuación de Fiennes en dicha cinta que lo seleccionó para interpretar al siniestro nazi Amon Goeth en Schlinder’s List. Su actuación lo hizo acreedor a una nominación al Premio de la Academia®, así como al Premio BAFTA al Mejor Actor de Reparto.
Desde entonces, Fiennes ha participado en destacadas películas tales como The Constant Gardener, The English Patient, In Bruges, The Reader, Skyfall e interpretó al temido Lord Voldemort en la franquicia de Harry Potter y en los cortometrajes de Harry Potter que estrenaron en el año 2014.
El 26 de abril de 2019, Sony Pictures Classics estrenó The White Crow, que es la tercera película que dirigió Fiennes. La cinta es un biopic que presenta al bailarín de ballet ruso Rudolf Nureyev (interpretado por Oleg Ivenko): su infancia, su preparación, el viaje a Parías que le cambiaría la vida y por el que acabaría pidiendo asilo en Francia.
Fiennes recientemente terminó de rodar The King’s Man, un spinoff de la franquicia de Kingsman que presentará a la organización de espías a principios del siglo XX.
Hace poco actuó en el West End de Londres, en la tragedia romántica de William Shakespeare Antony and Cleopatra. La obra fue una nueva puesta en escena del National Theatre y la dirigió Simon Goodwin. Tanto Fiennes como Sophie Okonedo ganaron Premios Evening Standard de Teatro por sus actuaciones, manteniendo el legado de leyendas del teatro de la talla de Anthony Hopkins y Judi Dench en la década de 1980.
Fiennes prestó su voz al personaje de Moon King en la película de Focus Features Kubo and the Two Strings, que estrenó en cines en agosto de 2016, que también cuenta con la voces de Charlize Theron, Rooney Mara, Matthew McConaughey y Art Parkinson y relata la historia de un niño llamado Kubo que debe encontrar una armadura mágica para derrotar a un espíritu vengativo del pasado. En 2016 vimos a Fiennes actuar en el teatro como el villano más conocido de Shakespeare en Richard III en el Almeida Theatre de Londres. La producción, dirigida por Rupert Goold, también fue estelarizada por Vanessa Redgrave. Ese mismo año, Fiennes participó en el drama italiano de Luca Guadagnino A Bigger Splash, cuya premier se llevó a cabo en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2015 y en el Festival de Cine de Londres de 2015. La cinta, que también protagonizaron Tilda Swinton, Matthias Schoenaerts y Dakota Johnson, relata la historia de una estrella de rock (Swinton) y su novio cineasta (Schoenaerts) mientras están de vacaciones en la remota isla italiana de Pantelleria, y son interrumpidos por la visita de un viejo amigo Harry (Fiennes) y su hija Penélope (Johnson). Fiennes coestelarizó la película de los hermanos Coen Hail Caesar! al lado de George Clooney, Josh Brolin, Tilda Swinton, Frances McDormand, Channing Tatum, Scarlett Johansson, Alden Ehrenreich y Jonah Hill. La película relata un día en la vida de un “fixer” de Hollywood en la década de 1950; estrenó en cines en febrero de 2016 y abrió el Festival de Cine de Berlín ese mismo año.
En el teatro, actuó en la obra de Henrik Ibsen The Master Builder en el Old Vic Theatre de Londres. La historia presenta a un constructor (Fiennes) que sube de nivel hasta convertirse en el constructor más famoso y respetado de la ciudad, solo para preocuparse constantemente por su inminente fracaso. Fiennes regresó a los escenarios en febrero de 2015 en el papel de Jack Tanner, en la nueva puesta en escena de la obra de George Bernard Shaw Man and Superman en el National’s Lyttelton Theatre de Londres. La producción, cuya última función se llevó a cabo en la primavera del año pasado, recibió ovaciones a nivel internacional. El New York Times publicó: “cuando vi al señor Fiennes apropiarse del escenario y luego mantenerse en ese lugar durante más de tres horas en la nueva y emocionante producción de ‘Man and Superman’ en el Teatro Nacional, sentí como si un actor que había conocido hace mucho tiempo, hubiera renacido”.
En 2015 Fiennes volvió a interpretar el papel de M en la entrega de la franquicia de James Bond Spectre, dirigida por Sam Mendes, que también protagonizaron Daniel Craig, Lea Seydoux, Monica Bellucci y Christoph Waltz. La película la estrenó en cines Sony Pictures Entertainment a nivel mundial el 6 de noviembre de 2015 y tuvo un gran éxito en taquilla alrededor del mundo.
En 2014 Fiennes interpretó el personaje de Mr. Gustave en la cinta de Wes Anderson The Grand Budapest Hotel, donde apareció al lado de Edward Norton, Saoirse Ronan, Owen Wilson, Jude Law, Tilda Swinton y Bill Murray, entre otros. La estrenó en cines Fox Searchlight, recaudó más de $172 millones de dólares a nivel mundial y recibió aclamación de la crítica. Variety elogió la actuación de Fiennes como “sin lugar a dudas, la pieza más vital y dinámica de la actuación dirigida por Anderson desde que Gene Hackman actuó en The Royal Tenenbaums” y señaló que su actuación fue “una maravilla de dicción de alto vuelo, gusto físico y serena sobriedad”. Fiennes recibió nominaciones al Globo de Oro y al BAFTA en 2015 por su actuación en dicha película.
Hizo su debut como director de cine en 2011 con Coriolanus y en 2013, dirigió y estelarizó la película aclamada por la crítica The Invisible Woman, en la que interpretó el rol de Charles Dickens, actuando al lado de Felicity Jones como su amante, Nelly Ternan. La cinta es una adaptación del libro de Claire Tomalin que relata la aventura amorosa entre Dickens y Ternan, que duró trece años. Asimismo, Fiennes dirigió un drama basado en la vida del legendario bailarín de ballet ruso Rudolf Nureyev.
Otras destacadas actuaciones de Fiennes incluyen películas como The Duchess, Chromophobia, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, Bernard and Doris, Great Expectations, la aclamada película de Robert Redford Quiz Show, Strange Days de Kathryn Bigelow, Oscar and Lucinda de Gillian Armstrong, Onegin de Martha Fiennes (de la que también fue productor ejecutivo), The End of the Affair de Neil Jordan, Spider de David Cronenberg, Red Dragon, The Good Thief, The Avengers, Maid in Manhattan, The White Countess, Cemetary Junction, Nanny McPhee Returns, The Chumscrubber y Sunshine de Istvan Szabo.
La carrera de Fiennes en el teatro es igual de extensa. Sus trabajos clásicos incluyen papeles tan variados como el de Berowne en Love’s Labour’s Lost; el de Claudio en Much Ado About Nothing; el de Richard II en Richard II; el de César en Julius Caesar; el de Romeo en Romeo and Juliet; el del Delfín en King John; el de Troilo en Troilus and Cressida; y el de Edmund en King Lear. En 1995 interpretó a Hamlet en la producción de Hamlet de Jonathan Kent para la Almeida Theatre Company que se presentó en el Teatro Hackney Empire, con localidades agotadas. La producción también se presentó en Broadway, y Fiennes ganó el Premio Tony por su actuación.
Trabajó además con Jonathan Kent en la aclamada producción de la obra Ivanov en el Almeida Theatre. En abril de 2006 Fiennes volvió a trabajar con el director Jonathan Kent para actuar en Faith Healer de Brian Friel en Broadway, por cuya actuación recibió una nominación al Premio Tony al Mejor Actor en una Obra de Teatro. En octubre de 2008 trabajó con Jonathan Kent para estelarizar al lado de Clare Higgins la obra Oedipus Rex en el National Theatre de Londres. Ese mismo año protagonizó una producción de Yasmina Reza titulada God of Carnage en el Gielgud Theatre de Londres y en el espectáculo de monólogo de Samuel Beckett First Love, que estrenó en el Festival del Centro Lincoln de Nueva York y se presentó en el Gate Theatre en Dublín, dirigida por Michael Colgan.
En el año 2000 Fiennes apareció en los papeles titulares de las obras Richard II y Coriolanus en el Almeida Theatre, y salió triunfante haciendo un cameo como artista invitado en la producción de Kenneth Branagh en el West End, de The Play I Wrote. También interpretó a Prospero en The Tempest en el Theater Royal Haymarket de Londres, dirigida por Trevor Nunn.
Fiennes fue presentado a la UNICEF en 1999 y se convirtió en un ávido defensor de la organización durante muchos años antes de convertirse en su embajador en 2001. Ha viajado a varios países en su representación. UNICEF está presente en más de 150 países y territorios para ayudar a los niños a sobrevivir y desarrollarse, desde la primera infancia hasta la adolescencia.
La actriz ganadora del Premio de la Academia® MARION COTILLARD (Tutu) es reconocida a nivel internacional por su apasionado compromiso con su arte y por desafiarse a sí misma con cada nuevo papel.
Hacia finales del 2019, Cotillard coestelarizó con Adam Driver el drama musical de Leos Carax, Annette. Cotillard interpretó el papel de Ann, la esposa de un comediante de stand-up (Driver), cuya hija de dos años tiene un don sorprendente. El musical estará compuesto por canciones originales dirigidas por el famoso productor musical Marius de Vries.
En 2015 Cotillard recibió una nominación al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Actriz por su actuación en la película de Jean-Pierre y Luc Dardenne Two Days, One Night, donde hizo el papel de una madre que descubre que sus compañeros de trabajo han optado por un bono salarial significativo, a cambio de su despido. Anteriormente vimos a Cotillard en Rust and Bone de Jacques Audiard, actuando al lado de Matthias Schoenaerts, Bouli Lanners y Céline Sallette. Coescrita por Jacques Audiard y Thomas Bidegain y adaptada del aclamado libro de historias cortas de Craig Davidson, la cinta relata la historia del personaje que interpreta Cotillard, una entrenadora de ballenas en el sur de Francia que pierde ambas piernas en un accidente y debe recuperar su sentido de la vida. La elogiada actuación de Cotillard obtuvo gran reconocimiento de la crítica, incluyendo nominaciones a un Premio César a la Mejor Actriz, a un BAFTA, a un Globo de Oro, a un Premio SAG y a un Critics Choice Award.
De manera notable, en 2008 Cotillard se convirtió en la segunda actriz francesa en ganar un Premio de la Academia®, y la primera en ganarlo por realizar una actuación en idioma francés. Recibió aclamación de la crítica a nivel mundial por su fascinante interpretación de la legendaria cantante francesa Edith Piaf, en la película La Vie En Rose. El crítico de cine del The New York Times Stephen Holden escribió lo siguiente sobre su actuación: “Cotillard ofrece la inmersión más asombrosa de una intérprete en el cuerpo y el alma de otra que haya visto en una película”. Por esa actuación también recibió una nominación al Premio César, al BAFTA y al Globo de Oro en la categoría de Mejor Actriz, así como una nominación al Premio SAG y al Critics Choice Award. Además fue nombrada la Mejor Actriz por asociaciones de críticos de todo el mundo, incluyendo la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y el Círculo de Críticos de Cine de Londres.
Los créditos previos de Cotillard en el cine incluyen Angel Face de Vanessa Filho; Ismael’s Ghosts de Arnaud Desplechin; Rock’n Roll, Blood Ties y Little White Lies de Guillaume Canet; From the Land of the Moon de Nicole Garcia, por cuya actuación recibió una nominación al Premio César en la categoría de Mejor Actriz; It’s Only The End of The World de Xavier Dolan; Assassin’s Creed y Macbeth de Justin Kurzel; Allied de Robert Zemeckis; The Little Prince de Mark Osborne; The Immigrant de James Grey, que la hizo acreedora a una nominación al Premio Independent Spirit en la categoría de Mejor Actriz; The Dark Knight Rises e Inception de Christopher Nolan; Contagion de Steven Soderbergh; Midnight in Paris de Woody Allen, película que recibió nominaciones al Premio de la Academia®, al Globo de Oro y al Premio SAG en la categoría de Mejor Película; Nine de Rob Marshall, cuya actuación la hizo acreedora a nominaciones al Globo de Oro y al Critics’ Choice Award, y también compartió una nominación al Premio SAG en la categoría de Mejor Elenco de una Película; Public Enemies de Michael Mann; A Good Year de Ridley Scott; A Very Long Engagement de Jean-Pierre Jeunet, por la que recibió un Premio César a la Mejor Actriz; Big Fish de Tim Burton; Pretty Things de Gilles Paquet-Brenner,por cuya actuación recibió una nominación al Premio César en la categoría de Mejor Actriz; Love Me If You Dare de Yann Samuell; así como la exitosa serie de películas francesas Taxi, escrita por Luc Besson, por la que ganó su primer Premio César a la Mejor Actriz de Reparto.
Cotillard también ha participado en documentales innovadores tales como Girl and Typhoons de Christoph Schwaiger; la serie documental de Lee Clow y Peter Seligmann Nature Is Speaking; Land of the Bears de Guillaume Vincent, así como OceanWorld 3D de Jean-Jacques Mantello. Próximamente participará en el documental de Flore Vasseur Bigger Than Us, que también está produciendo. En él se presenta la historia de Melati Wijsen, una adolescente indonesia de 18 años que ha estado presionando a su gobierno local para prohibir la venta y distribución de bolsas de plástico en Bali. El documental sigue a Melati mientras se embarca en un viaje para conocer a otros líderes y activistas jóvenes de todo el mundo. Mars Films tiene programado lanzar el documental en Francia en el 2020.
Nacida en París, Cotillard estudió drama en el Conservatoire d’Art Dramatique en Orléans y recibió la orden de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por su contribución al enriquecimiento de la cultura francesa.
CARMEL LANIADO proviene del norte de Londres, donde también asiste a la escuela. Interpretar a Lady Rose en Dolittle marca su debut en el cine. Sus créditos en televisión incluyen el papel de Lottie Joven en A Christmas Carol, que se transmitió en la BBC en diciembre de 2019.
ACERCA DE LOS REALIZADORES
El escritor y director STEPHEN GAGHAN (Director/Guionista) es un cineasta conocido por sus emocionantes historias multi-narrativas y su drama emocional cuidadosamente concebido. En 2001 ganó un Premio de la Academia® al Mejor Guión Adaptado de la película de Steven Soderbergh Traffic. Recibió otra nominación en 2006, ahora en la categoría de Mejor Guión Original por Syriana, película que también dirigió, por la que George Clooney ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto. Recientemente dirigió Gold, estelarizada por Matthew McConaughey. Ganó dos Premios Edgar y el Premio Emmy en 1997 al Mejor Guión Dramático por un episodio de la serie NYPD Blue. Vive en Los Ángeles con su esposa, sus cuatro hijos y dos perros. Espera tener un gato pronto.
DAN GREGOR (Guionista) es un escritor y director de televisión y cine, que ha colaborado en programas tales como How I Met Your Mother y Crazy Ex Girlfriend. Su debut como director de cine lo hizo con la película Most Likely to Murder, cuya premier se llevó a cabo en el Festival SXSW y cuyos derechos adquirieron Lionsgate y Hulu. Se encuentra escribiendo el reboot de la serie de Disney Rescue Rangers; de Grumpy Old Men de New Line, que estelarizarán Eddie Murphy y Samuel L. Jackson; y de Rookie of The Year de Fox.
DOUG MAND (Guionista) es un escritor, y actor de cine y televisión. Ha escrito y actuado en How I Met Your Mother, Crazy Ex Girlfriend y en The Comedians. Coescribió y estelarizó la película de Lionsgate Most Likely to Murder, cuya premier se llevó a cabo en el Festival SXSW. Se encuentra escribiendo el reboot de la serie de Disney Rescue Rangers; Grumpy Old Men de New Line, que estelarizarán Eddie Murphy y Samuel L. Jackson; y Rookie of The Year de Fox.
El primer script que escribió para una película THOMAS SHEPHERD (Historia para la pantalla) fue Hey, Stella, que narra la lucha de un joven Marlon Brando para conseguir el papel de Stanley Kowalski en A Streetcar Named Desire, formó parte de la lista negra de Hollywood. Desde entonces, ha trabajado ininterrumpidamente tanto en el cine como en la televisión.
Además de Dolittle, otros de los proyectos de Shepherd incluyen: Cicero, una película que presenta con detalle el ascenso de Al Capone al poder en Chicago para Warner Brothers, producida por Le Grisbi; Agatha Christie, un proyecto de acción y aventura ficticio que presenta a una joven Agatha Christie para Sony, producida por Joe Roth; The Irregulars, una serie de televisión adaptada del libro homónimo de Jennet Conant, para Paramount Televisión y Anonymous Content que dirigirá David Frankel; y Matt Helm, una película de espías basada en la serie de espías de Don Hamilton para Paramount Pictures y Amblin que estelarizará Bradley Cooper.
Actualmente Shepherd vive con su esposa en Los Ángeles en un departamento muy pequeño que comparte con sus perros y toda clase de animales heridos que su esposa encuentra y considera que necesitan ayuda.
En resumen, JOE ROTH, p.g.a. (Productor) ha vendido más boletos de cine en el mundo que cualquier otra persona en los últimos 30 años, ya sea en su papel de productor ejecutivo, productor, director o presidente de un estudio.
Fue el productor de la exitosa película de Tom Hanks Bachelor Party en 1983, y posteriormente fundó Morgan Creek Films, con la que produjo exitosas cintas tales como Young Guns 1 & 2 y Major League. Después ocupó el puesto de presidente de 20th Century Fox entre 1988 y 1992, donde estuvo al frente de grandes éxitos como Home Alone 1 & 2, Die Hard 2, Sleeping with the Enemy, Last of the Mohicans y My Cousin Vinny. En esa época fue nombrado el hombre del año por el Comité Judío Estadounidense (AJC, por sus siglas en inglés).
Cuando fue el presidente de The Walt Disney Studios, estuvo al frente de las divisiones de cine, televisión, música, video y el teatro en Nueva York. Fue idea suya convertir a la película The Lion King en un espectáculo para teatro, que se ha posicionado como el espectáculo más taquillero de la historia. La división de cine se convirtió en el estudio #1 cuando él estuvo al frente de éxitos tales como The Rock, Armageddon, Pearl Harbor, The Waterboy, The Sixth Sense y The Insider, siendo las últimas dos nominadas al Oscar a la Mejor Película el mismo año. Fue el responsable del crecimiento de Miramax y estrenó todas las películas de Pixar a partir de Toy Story. El día que renunció a su puesto en Disney en el año 2000, Steve Jobs le dio un lugar en la junta de consejo de Pixar, donde permaneció hasta que Pixar fue vendida a Disney por $7.6 miles de millones de dólares.
De regreso a la producción independiente, fundó Revolution Studios. Entre sus grandes éxitos se encuentran XXX, Blackhawn Down, Anger Management y Click. Vendió el estudio a Fortress Hedge Fund y empezó a producir por su cuenta. Fue el productor de Alice in Wonderland, Maleficent, y de Oz: The Great and Powerful para Disney, que en conjunto recaudaron $2.5 miles de millones de dólares en taquilla. Recientemente estrenó la secuela de Maleficent.
Para Universal produjo la exitosa cinta Snow White and the Huntsman, que recaudó $400 millones de dólares en taquilla a nivel mundial. Sus dos películas basadas en actos de fe, Heaven is for Real y Miracles from Heaven fueron las dos cintas de Sony más rentables en el año de su estreno. Además estrenó XXX: The Return of Xander Cage con Vin Diesel para Paramount en enero de 2017 y está trabajando con Vin Diesel en otra secuela de xXx.
En esa época, hace once años, Roth empezó con el equipo de fútbol soccer Seattle Sounders. Los Sounders han llegado a los playoffs durante estos diez años con un promedio de asistencia de 45,000 personas. En 2016 y en 2019, los Seattle Sounders ganaron la Copa MLS.
Roth está casado y tiene cuatro hijos.
JEFFREY KIRSCHENBAUM, p.g.a. (Productor) se asoció con Joe Roth para fundar Roth Kirschenbaum Films y juntos han producido algunos de los más grandes blockbusters de Hollywood, entre los que se encuentran Maleficent: Mistress of Evil, XXX: The Return of Xander Cage y el próximo capítulo (el noveno) de la saga de Rápidos y Furiosos.Antes de esta asociación, Kirschenbaum colaboró durante 15 años en Universal Pictures como copresidente de producción, donde veló por la franquicia de Rápidos y Furiosos, así como por otros importantes proyectos y grandes estrenos del estudio entre los que se encuentran The Mummy, Snow White and the Huntsman, Bourne Ultimatum, Wanted y Scott Pilgrim vs the World.
SUSAN DOWNEY, p.g.a. (Productora) es una inagotable productora de cine que ha colaborado con algunos de los talentos más reconocidos de la industria en una variada serie de películas que abarca acción y aventura, dramas, comedias y thrillers de horror. Es socia de la compañía de producción Team Downey, que fundó con su esposo, Robert Downey Jr.
Downey se encuentra en varias etapas de desarrollo en varios y esperados proyectos para cine, entre los que se encuentran la adaptación de la novela thriller de Paul Tremblay titulada A Head Full of Ghosts, que será escrita y dirigida por Osgood Perkins. De forma simultánea, ella y Team Downey se asociaron con Annapurna Pictures en un proyecto para una película aún sin título definido basada en el episodio “Man of the People” del podcast Reply All de Gimlet Media, que relata la historia real del charlatán Dr. John Brinkley, quien va estafando gente en su camino hacia la fama y la fortuna con base en medicina falsa, populismo y usando la tecnología más nueva de la época: la radio.
En la televisión, Downey es la productora ejecutiva de la serie de HBO Perry Mason, que estelariza Matthew Rhys, con episodios dirigidos por Tim Van Patten y Deniz Gamze Ergüven; escritos por Rolin Jones y Ron Fitzgerald. La serie limitada, cuyo estreno se está preparando para el verano de 2020, es una versión del clásico personaje de investigador/abogado defensor poco ortodoxo creado por Erle Stanley Gardner. Además se encuentra en posproducción de los ocho episodios de la serie documental titulada Age of AI, para YouTube Originals. La serie explorará el impacto de la inteligencia artificial y cómo esta transformando la manera en la que vive y trabaja la gente, tanto en la actualidad como en el futuro. Downey será la productora ejecutiva junto con Sonar Entertainment, en asociación con Derik Murray y Paul Gertz de Network Entertainment. También se encuentra en etapa de posproducción del piloto Sweet Tooth con Team Downey, Warner Bros. TV y el escritor/director Jim Mickle. Basada en la aclamada novela gráfica de Vertigo, Sweet Tooth es la fábula sobre la vida de Gus, un híbrido niño/ciervo que sale de su casa para encontrar que el mundo ha sido devastado por un suceso catastrófico. Se une a una andrajosa familia de híbridos y humanos que buscan respuestas ante lo sucedido, y finalmente descubre una gran conspiración que lo obliga a cuestionarse su propia existencia.
Previamente, en 2009 Downey produjo la película de acción y aventura de Guy Ritchie Sherlock Holmes, su secuela en 2011 titulada Sherlock Holmes: A Game of Shadows y The Judge, esta última estelarizada por Robert Downey Jr., Robert Duvall y Vera Farmiga bajo la dirección de David Dobkin. Fue además la productora ejecutiva del thriller de Jaume Collet-Serra Unknown, protagonizado por Liam Neeson; de la exitosa comedia de Todd Phillips Due Date, con Robert Downey Jr. y Zach Galifianakis; y del blockbuster Iron Man 2, dirigido por Jon Favreau y estelarizado por Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow y Scarlett Johansson.
Downey fue al mismo tiempo la copresidenta de Dark Castle Entertainment y la vicepresidenta ejecutiva de producción en Silver Pictures. Durante su mandato, fue la productora o la productora ejecutiva de varias películas tales como el drama pos apocalíptico de los hermanos Hughes titulado The Book of Eli, estelarizado por Denzel Washington y Gary Oldman; del thriller de horror Orphan, con Vera Farmiga y Peter Sarsgaard; de la comedia de crimen de Guy Ritchie RocknRolla, protagonizada por Gerard Butler, Tom Wilkinson, Thandie Newton e Idris Elba; del drama psicológico de Neil Jordan The Brave One, con Jodie Foster y Terrence Howard; de la comedia thriller aclamada por la crítica de Shane Black Kiss Kiss, Bang Bang, protagonizada por Robert Downey Jr. y Val Kilmer; y de las exitosas películas de horror House of Wax y Gothika. Fue además la coproductora de Cradle 2 the Grave y de Ghost Ship, que marcaron su debut como productora de cine.
Trabajó en Silver Pictures en 1999, donde estuvo al frente del desarrollo y producción de películas que se estrenaron bajo los dos sellos, y entre las que se encuentran Thir13en Ghosts y Swordfish. Antes de su colaboración en Dark Castle y Silver Pictures, Downey trabajó en las exitosas películas Mortal Kombat y Mortal Kombat: Annihilation.
Downey se graduó en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad del Sur de California.
SARAH BRADSHAW (Productora Ejecutiva) es una de las principales productoras del Reino Unido y ha trabajado con algunos de los cineastas y actores más prolíficos de nuestro tiempo.
Bradshaw fue la productora ejecutiva de The Huntsman: Winter’s War, también producida por Joe Roth y estelarizada por Chris Hemsworth, Charlize Theron, Jessica Chastain y Emily Blunt, bajo la dirección de Cedric Nicolas-Troyan; y de Maleficent, una versión renovada y más oscura de la historia de Sleeping Beauty, que también fue producida por Roth y protagonizada por Angelina Jolie. Irrumpió en el primer lugar de taquilla en su fin de semana de estreno y recaudó más de $750 millones de dólares durante su exhibición en cines a nivel mundial. Bradshaw fue la productora de The Mummy (2017) de Alex Kurtzman, que estelarizaron Tom Cruise, Russell Crowe y Annabelle Wallis.
Bradshaw trabajó junto con Roth como coproductora de la película de Rupert Sanders Snow White and the Huntsman, en la que también tuvo responsabilidades en la gerencia de la unidad de producción. La película, que presenta un giro más oscuro de un adorado cuento de hadas y la estelarizan Hemsworth, Theron y Kristen Stewart, recaudó $400 millones de dólares a nivel mundial y recibió dos nominaciones Óscar® en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario y Mejores Efectos Visuales, además de recibir otra serie de reconocimientos.
Bradshaw ha trabajado como gerente de la unidad de producción en muchos otros blockbusters, entre los que se encuentran Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides de Rob Marshall y Prince of Persia: The Sands of Time, que fue dirigido por Mike Newell, ambos producidos por Jerry Bruckheimer. Como productora asociada y gerente de la unidad de producción, Bradshaw realizó ambos roles en el thriller de acción de Michael Mann Miami Vice y en Syriana de Gaghan. Además, fue la gerente de la unidad de producción en el drama de época de Oliver Stone Alexander, que protagonizó Colin Farrell.
Los créditos adicionales de Bradshaw incluyen la producción ejecutiva de 10,000 BC de Roland Emmerich; supervisora de producción de Spy Game de Tony Scott, que estelarizaron Robert Redford y Brad Pitt y en Entrapment de Jon Amiel, que protagonizaron Sean Connery y Catherine Zeta-Jones; y fue la gerente de producción de The Fifth Element de Luc Besson, con Bruce Willis y Gary Oldman. Inició su carrera como productora de efectos visuales en la película de Stephen Frears Mary Reilly.
ZACHARY ROTH (Productor Ejecutivo) trabajó para Happy Madison Productions, así como para Apatow Productions, antes de empezar a colaborar en Roth Films en 2010. Fue el productor asociado en 2012 en la película de Disney Maleficent, y posteriormente fue el productor ejecutivo en las películas Miracles from Heaven y xXx: Return of Xander Cage. En 2019 fue el coproductor de Maleficent: Mistress of Evil. Actualmente es el vicepresidente senior de producción de la compañía Roth/Kirschenbaum Films.
JONATHAN LIEBESMAN (Productor Ejecutivo) se forjó como director al vencer a la feroz competencia que había para dirigir la adaptación de la franquicia Teenage Mutant Ninja Turtles para Paramount y Michael Bay en el 2014. El blockbuster recaudó $500 millones de dólares en taquilla y marcó el relanzamiento de esta serie clásica.
Nacido y criado en Johannesburgo, Sudáfrica, Liebesman estudió cine en la Escuela de Cine y Drama de Sudáfrica y en la Escuela Tisch de las Artes de la Universidad de Nueva York. Su cortometraje de graduación, una adaptación de 8 minutos de duración de Genesis and Catastrophe de Roald Dahl, lo hizo acreedor a un Premio al Mejor Cortometraje Estudiantil en el Festival de Cine de Austin del año 2000 y al Premio al Cineasta Juvenil de Hollywood en el Festival de Cine de Hollywood del año 2000, que finalmente lo llevó a dirigir su primera película cuando tenía 26 años.
El debut de Liebesman en el cine llamó la atención de Michael Bay y su compañía Platinum Dunes, que contrató a Liebesman para dirigir Texas Chainsaw Massacre: The Beginning para New Line en 2006, una precuela de la popular franquicia. Desde entonces lo han buscado los estudios más importantes, que lo reconocen por su talento y por sus películas siempre exitosas en la taquilla.
Liebesman también dirigió el exitoso blockbuster Battle: Los Angeles para Columbia Pictures en 2011 y Wraith of the Titans para Warner Bros en 2012. En 2016 Liebesman fue el productor ejecutivo y el director del piloto de The Chronicles of Shannara para MTV, basada en la popular trilogía de la serie de Terry Brooks.
GUILLERMO NAVARRO, asc (Director de Fotografía) es un cinematografista y director de televisión ganador del Premio de la Academia®. Colabora con frecuencia con el director Guillermo del Toro. Ganó el Premio de la Academia® por su trabajo en Pan’s Labyrinth, y es reconocido sus colaboraciones en Pacific Rim, Twilight, Night at the Museum y en Cocaine Godmother. En la industria de la televisión empezó dirigiendo muchos episodios de la serie Hannibal. Recientemente filmó episodios de Luke Cage, Narcos, The Bridge y Preacher. Navarro fue el productor ejecutivo del programa de National Geographic Hostile Planet, que recientemente fue nominado para un Premio Primetime Emmy en 2019 a la Mejor Serie Documental. Actualmente es el director de fotografía de un proyecto de Graham King aún sin título definido del director Nan Morales, que protagonizará Sandra Bullock.
El diseñador de producción DOMINIC WATKINS (Diseñador de Producción) que nació en Londres y actualmente reside en Los Ángeles, ha diseñado docenas de películas y cientos de comerciales.
Watkins inició su carrera en Nueva York y empezó a trabajar como director de arte en clubes de prestigio de Nueva York tales como Danceteria, Palladium y The Tunnel, entre otros muchos puestos que ocupó. Finalmente se mudó a Los Ángeles y empezó a trabajar en videos musicales y comerciales.
En los comerciales, Watkins ha trabajado con varios directores, incluyendo David Fincher, Rupert Sanders, Henry Hobson, Stacy Wall, Tony Scott, Jonathan Glazer y Guy Ritchie en campañas de alto perfil para grandes marcas como Call of Duty, Levi’s, Playstation, Adidas, Facebook y Heineken.
En los videos musicales, Watkins ha colaborado con una variedad de directores como Mark Romanek, Paul Hunter y Gore Verbinski en los videos más grandes e innovadores de su tiempo para artistas como Lenny Kravitz, Michael Jackson, Janet Jackson y David Bowie.
Finalmente, Watkins empezó a trabajar en películas—su primera oportunidad para trabajar en una película de un gran estudio llegó con el director Michael Bay en Bad Boys II. Desde entonces ha colaborado con el director Paul Greengrass en The Bourne Supremacy y en United 93; con el director Nick Cassavetes en Alpha Dog; con el director Rupert Sanders en Snow White and Huntsman; y con el director Cedric Nicolas-Troyan en The Huntsman: Winter’s War. Recientemente Watkins hizo el diseño de producción de The Mummy para el director Alex Kurtzman, y de KATE para el director Nicolas-Troyan, para Netflix.
CRAIG ALPERT, ace (Editor) ha estado en la industria por más de 20 años y ha editado más de 18 películas. Fue nominado para un Premio ACE en 2018 por su trabajo en Deadpool 2.
Antes de colaborar en Deadpool 2, Alpert trabajó con la directora Elizabeth Banks en la exitosa comedia musical Pitch Perfect 2.
Para el director Judd Apatow, Alpert editó Knocked Up, Funny People y fue editor adicional en The 40-Year Old Virgin. Alpert también editó la exitosa cinta de David Gordon Green Pineapple Express, así como The Campaign de Jay Roach.
Entre otros de sus créditos como editor se encuentran su colaboración en la comedia de acción de Tim Story Ride Along, protagonizada por Kevin Hart y Ice Cube; Yes, Man de Peyton Reed, estelarizada por Jim Carrey; Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan de Larry Charles, con Sacha Baron Cohen; y la película de Lonely Island, Popstar.
Alpert empezó a trabajar como asistente de editor en películas tales como Hulk de Ang Lee, The Matrix Reloaded, y en la ganadora del Globo de Oro, del Grammy y del Premio Annie, Toy Story 2.
En 2007 Alpert fue seleccionado por The Hollywood Reporter como uno de los tres editores de cine más destacados por su edición especial de “Crafts, the Next Generation”.
CHRIS LEBENZON (Editor) ha colaborado con el director Tim Burton durante más de 20 años en películas entre las que se encuentran Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children, Dark Shadows, Frankenweenie, Alice in Wonderland, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, Charlie and the Chocolate Factory, Corpse Bride, Big Fish, Planet of the Apes, Sleepy Hollow, Mars Attacks!, Ed Wood, The Nightmare Before Christmas y Batman Returns.
Lebenzon ha hecho equipo muchas veces con el productor ganador de premios Jerry Bruckheimer y fue un colaborador habitual del fallecido director Tony Scott, habiendo trabajado con él en Enemy of the State, Crimson Tide, Days of Thunder, Beverly Hills Cop II, Déjà Vu y Top Gun. Lebenzon también trabajó con Scott en Unstoppable, The Taking of Pelham 123 y Revenge. Colaboró con Michael Bay en Pearl Harbor y Armageddon, ambas cintas producidas por Bruckheimer.
Lebenzon ha sido nominado dos veces al Premio de la Academia® por las películas Crimson Tide y Top Gun (co-editor). Entre otros de sus créditos se encuentran Maleficent, Eragon, XXX, Radio, Con Air, Hudson Hawk, The Last Boy Scout, Midnight Run, Weird Science y Wolfen. Recientemente estuvo trabajando con el director Joseph Kosinski en Top Gun: Maverick.
JENNY BEAVAN (Diseñadora de Vestuario) se ha hecho de una reputación por su trabajo detallado e históricamente preciso que le ha valido una serie de nominaciones al Óscar®, muchos de ellos por sus habituales colaboraciones en los dramas de época de Merchant Ivory. Llevando a cabo esa función, Beavan ha tenido un papel tan importante como el de los actores, dada la tarea de crear estilos para los personajes que fueran atractivos para la vista, así como apropiados y evocadores. Su trabajo ha sido diez veces nominado para el Premio de la Academia®, y ha recibido dicho galardón por A Room With A View (1985) y por Mad Max: Fury Road (2015).
Después de realizar un impactante trabajo de diseño para el teatro y la ópera, con créditos que incluyen Carmen con Placido Domingo en 1073, Beavan hizo su debut creando el vestuario de Peggy Ashcroft para una película de televisión de Merchant en 1979 titulada The Hullabaloo Over Georgie and Bonnie’s Pictures y de ahí pasó a la pantalla grande como asistente de vestuario de Judy Moorcroft en The Europeans. En 1984 Beavan inició una sociedad con el diseñador de vestuario James Bright, una alianza que los llevaría a recibir seis nominaciones al Óscar® incluyendo uno por su debut en el drama de Merchant Ivory sobre el sufragista Henry James: The Bostonians. Dos años más tarde, los diseñadores ganarían un Premio de la Academia® por su colaboración en otra cinta de Merchant Ivory basada en la obra literaria de E.M. Forster, A Room With a View. Aquí, Beavan aportó a la producción del set de Florencia, vestuario victoriano genuino, más restrictivo para representar la tensión del personaje de Charlotte Bartlett (Maggie Smith) y una silueta más suelta para el espíritu libre de George Emerson (Julian Sands).
En 1987 el equipo de producción de Merchant Ivory (que incluía a Beavan y a Bright) volvieron a las obras de Forster, y esta vez abordaron la historia de amor homosexual que supuestamente representa una historia semi-biográfica en la novela Maurice. Aquí el vestuario tenía que dejar en evidencia las marcadas diferencias de clase entre el primer amor de Maurice, el político de clase alta Clive (Hugh Grant), y el hombre que le brindó felicidad, el guardabosques Scudder (Rupert Graves). El siguiente año Beavan y Bright estuvieron a cargo del vestuario de Maurice, protagonizada por James Wilby en A Summer Story de Piers Haggard, siendo ese el primer trabajo que realizaban con un equipo diferente al de Merchant y Ivory. Ese mismo año Beavan y Bright trabajaron en la gran aventura situada en la India The Deceivers, dirigida por Nicholas Meyer y producida por Ismail Merchant. Beavan y Bright prepararon un vestuario auténtico para el espadachín Bob Rafelson Bob Rafelson en Mountains of the Moon en 1990, y al año siguiente continuaron trabajando en películas de aventura como diseñadores de vestuario, esta vez para White Fang. Beavan volvió a trabajar por su cuenta de nuevo en 1991, y la profunda investigación que hizo para Impromptu llevó a esa película a un nivel superior. El uso que hizo Beavan de las telas y patrones reales del siglo XIX, el desarrollo de un guardarropa masculino apropiado para el original novelista George Sand (Judy Davis) y su perfecta recreación del vestuario de Chopin, debido al descubrimiento que realizó de anotaciones auténticas de su sastre, contribuyeron para que la producción fuera históricamente sólida.
Dada su experiencia en los dramas históricos apacibles e impulsados por los personajes que forjaron su reputación, en 1992 llegó con el caprichoso y evocador drama victoriano de Syd Macartney, The Bridge. Ese mismo año volvió a hacer equipo con Bright y Merchant Ivory en el aclamado drama a nivel internacional previo a la Primera Guerra Mundial, Howards End. En 1993 diseñó el vestuario de los anglófilos adolescentes de la Alemania nazi en conjuntos apropiadamente desaliñados para Swing Kids, antes de volver a trabajar con Bright y Merchant Ivory, donde creó junto con la diseñadora de producción Luciana Arrighi un vestuario sofocante que coexiste al lado de la libertad que ofrecen los tranquilos paisajes de la campiña en The Remains of the Day. Posteriormente diseño el vestuario para la versión de 1994 de Caroline Thompson de Black Beauty, una historia favorita de los niños. En 1995 volvió a trabajar con Bright, diseñando el vestuario para Jefferson in Paris de Merchant Ivory, que relata la historia del conocido patriota estadounidense, el romance del presidente con la esclava Sally Hemmings, y el tiempo que pasó en el extranjero en una Francia que luchaba por conseguir la libertad. Su vestuario representaba las diferencias culturales entre los estadounidenses de la era colonial y los franceses más decadentes.
Ese mismo año, Beavan diseñó el vestuario de la película de Ang Lee Sense and Sensibility, creando algunas de las piezas más memorables e históricamente precisas para una familia menos favorecida que generalmente son representadas en estas cintas, y su trabajo la hizo acreedora a otra nominación al Premio de la Academia®. Colaboró con el director Franco Zeffirelli en la película Charlotte Bronte’s Jane Eyre (1996), donde diseñó un vestuario adecuado, austero y simple, que combina bien con la atmósfera gris y sombría de la película. Su trabajo en el set de la película situada en 1970 de Philip Saville Metroland (1997; estrenó en cines en los Estados Unidos en 1999) fue una referencia perfecta y poco glamorosa, lo que demuestra que su habilidad abarca el realismo a menudo poco atractivo, así como vestimenta romántica de época. Ever After en 1998 fue un proyecto particularmente desafiante para Beavan, que tuvo que crear muchos y diferentes conjuntos suntuosos y detallados para los personajes principales interpretados por Drew Barrymore, Anjelica Huston y Dougray Scott. Sus trajes de la era Renacentista fueron inspirados por pintores, entre los que se encuentra el siempre presente da Vinci y su trabajo fue un aspecto instrumental en la película, mostrando tanto el realismo de la época como la magia de los cuentos de hadas. Ese mismo año volvió a trabajar con Zeffirelli en Tea With Mussolini, donde creó el vestuario para el elenco de la película situada en la década de 1930, estelarizada por Maggie Smith, Joan Plowright, Lily Tomlin y Cher. Las creaciones de moda de Beavan ayudaron a amplificar y distinguir la variedad de personalidades y el estatus social en este grupo de mujeres. La siempre apropiada Smith estaba vestida con ropa adecuadamente almidonada, mientras que el personaje sexualmente ambiguo de Tomlin lucía estilos menos exigentes adaptados al hombre; y la heredera estadounidense Cher, era la imagen perfecta de una nueva riqueza provocativa.
En 1999 Beavan vuelve a trabajar con el director Andy Tennant en un proyecto de proporciones épicas, como diseñadora del vestuario de Anna and the King. Trabajó muy de cerca con el diseñador de producción Arrighi y creó un guardarropa para el elenco de la película situada en Tailandia, que extraía las ricas raíces textiles de la nación y usaba telas tradicionales compradas en la ciudad tailandesa de Chaing Mai, aunque la filmación tuvo lugar en Malasia. La gran escala de la producción le ofreció a la diseñadora la tarea de vestir no solo a Jodie Foster de Anna con vestidos prácticos sin adornos y al Rey de Chow Yun Fat con un atuendo real elaborado, sino que era responsable de vestir a miles de extras. El resultado fue una producción visualmente destacada que le valió a Beavan su séptima nominación al Oscar®.
El trabajo de Beavan en Gosford Park en 2001 la hizo acreedora a su octava nominación al Premio de la Academia®. En la brillante mirada de Robert Altman a la estricta estructura social de la sociedad británica en vísperas del colapso de la estructura de clase, Gosford Park contó con toda la notable atención al detalle por la que el director es conocido, especialmente representado en el vestuario. Beavan no solo ayudó a la producción al representar tanto el aspecto del entorno de 1932 como la división entre las clases con una precisión minuciosa, sino que su trabajo ayudó a Altman a lograr un modo de narración en varias capas, donde los detalles en sus diseños ofrecían pistas contextuales sutiles, pero cruciales. Ese mismo año recibió reconocimiento por el diseño del vestuario de la obra de teatro de Noel Coward que estelarizaron Lindsay Duncan y Alan Rickman titulada Private Lives, una producción que se presentó en Broadway en 2002. Beavan continuó trabajando tanto en el teatro como en el cine, incluyendo Alexander (2004) de Oliver Stone, el misterio de crimen situado en los años cuarenta The Black Dahlia (2006), Amazing Grace (2006) de Michael Apted, Defiance (2008) de Edward Zwick, la exitosa película de acción Sherlock Holmes (2009), el drama histórico The King’s Speech (2010) y Mad Max: Fury Road (2015) de George Miller, película por la que ganó su segundo Óscar®.
Durante más de 30 años, el cuatro veces nominado al Óscar® DANNY ELFMAN (Música), se ha erigido como uno de los compositores cinematográficos más versátiles y exitosos de la industria. Ha colaborado con directores de la talla de Tim Burton, Gus Van Sant, Sam Raimi, Peter Jackson, Ang Lee, Rob Minkoff, Guillermo del Toro, Brian De Palma, James Ponsoldt y David O’ Russell. Su primera banda sonora la compuso para Pee-wee’s Big Adventure de Tim Burton y a partir de entonces ha musicalizado más de 100 películas, entre las que se encuentran Milk (nominado al Oscar®), Good Will Hunting (nominado al Oscar®), Big Fish (nominado al Oscar®), Men in Black (nominado al Oscar®), Edward Scissorhands, Batman, To Die For, The Nightmare Before Christmas, Alice in Wonderland, Silver Linings Playbook, American Hustle, Avengers: Age of Ultron, Spiderman, A Simple Plan, Midnight Run, Sommersby, Dolores Claiborne y los documentales de Errol Morris The Unknown Known y Standard Operating Procedure. Otros trabajos de Elfman incluyen el blockbuster de Warner Bros. Justice League, Don’t Worry He Won’t Get Far On Foot de Gus Van Sant, The Grinch para Universal, el remake de acción en vivo de Tim Burton Dumbo de Disney, y la última entrega de Men In Black: International de Sony Pictures, que estelarizaron Chris Hemsworth y Tessa Thompson.
Nacido en Los Ángeles, Elfman creció amando la música. Viajó por el mundo cuando era joven, absorbiendo su diversidad musical. Colaboró en la fundación de la banda Oingo Boingo, y llamó la atención de un joven Tim Burton, que le pidió que compusiera la banda sonora para la película Pee-wee’s Big Adventure. 34 años después, los dos han forjado una de las colaboraciones compositor-director más fructíferas en la historia del cine. Además de trabajar para el cine, Elfman escribió los temas musicales icónicos para las series de televisión The Simpsons y Desperate Housewives.
Elfman ha expandido su escritura para componer obras de conciertos para orquesta que incluyen: Serenada Schizophrana, una sinfonía que le fue encargada por la Orquesta American Composer que se estrenó en el Carnegie Hall en 2005; Rabbit and Rogue, para el American Ballet Theatre coreografiado por Twyla Tharp, interpretado en The Metropolitan Opera house en 2008; e Iris para Cirque du Soleil, espectáculo dirigido por el coreógrafo francés Philippe Decouflé. En 2011, el concierto para orquesta en vivo Danny Elfman’s Music from the Films of Tim Burton se estrenó en el Royal Albert Hall, y desde entonces ha estado de gira por todo el mundo, además de ganar dos premios Emmy.
En 2017 Elfman estrenó su primer concierto para violín en Praga, que fue interpretado por la Orquesta Nacional Checa. Ese año, su primer Cuarteto para Piano, que solicitado por el cuarteto de piano de la Filarmónica de Berlín, estrenó en otoño pasado con la Filarmónica de Berlín. “Necesito lanzarme hacia otros espacios con nuevos desafíos tanto, como y siempre que pueda. Me han dicho que tengo un estilo reconocible, pero mi mayor placer es cuando puedo sorprender al público con mi música”.
