TÁR: Palabras del director y notas de la producción

Del guionista, productor y director Todd Field llega TÁR, película protagonizada por Cate Blanchett como Lydia Tár, la precursora directora de una importante orquesta alemana. Conocemos a Tár en la cúspide de su carrera, mientras prepara el lanzamiento de un libro y la muy esperada dirección en vivo de la Quinta Sinfonía de Mahler. A lo largo de las semanas siguientes, su vida comienza a desmoronarse de un modo singularmente moderno. El resultado es un examen mordaz del poder, y de su impacto y durabilidad en la sociedad actual.

Unas palabras del director

“Este guion fue escrito para una artista: Cate Blanchett. Si ella hubiera dicho que no, la película nunca habría visto la luz. Esto no sorprenderá a los cinéfilos, aficionados o no. Después de todo, ella es una maestra suprema. Aun así, mientras hacíamos la película, la habilidad sobrehumana y la verosimilitud de Cate era algo realmente asombroso de contemplar. Ella superó todas las expectativas. El privilegio de colaborar con una artista de este calibre es algo imposible de describir adecuadamente. En todos los sentidos posibles, esta es la película de Cate”.

El podio

TÁR inicia con una entrevista entre Adam Gopnik y Lydia Tár en The New Yorker Festival, donde la profesión de Tár sale a relucir. Tras graduarse como Phi Beta Kappa en Harvard, la polímata estadounidense se licenció en interpretación de piano en el Instituto Curtis antes de obtener su doctorado en Musicología en la Universidad de Viena, especializándose en la música del Valle de Ucayali, en el oriente peruano, donde pasó cinco años en las comunidades Shipibo-Konibo. Como directora de orquesta, ascendió a las filas de las “cinco grandes” orquestas estadounidenses, mientras componía y ganaba los cuatro premios más importantes: el Emmy, el Grammy, el Óscar y el Tony, lo que la sitúa en la lista de los llamados artistas EGOT (ganadores de los cuatro premios antes mencionados).

Con el apoyo del banquero inversionista y director de orquesta aficionado Eliot Kaplan (Mark Strong), Tár fundó la Beca Accordion Foundation, cuyo principio rector es ofrecer oportunidades de emprendimiento e interpretación a jóvenes directoras de orquesta. Tras dirigir como invitada la Orquesta Filarmónica de Berlín, Tár se convirtió en la directora titular de la misma, cargo que ha desempeñado por siete años.

“Llevaba mucho tiempo pensando en un personaje que se comprometió en su infancia a autoeducarse para perseguir un sueño y una vez que lo ha conseguido, el sueño se convierte en una pesadilla”, señala Field. “Aunque alguna vez Tár vivió una vida dedicada al arte, ahora se encuentra dirigiendo una institución que deja al descubierto sus propias debilidades y devociones, convenciendo a los demás de seguir sus reglas solo para violarlas ella misma, con una aparente falta de conciencia en sí misma. Pero, como diría Janet Malcolm, ‘ser consciente de tu falta, no te libera de la responsabilidad’”.

“Al igual que muchas de las personas que tienen posiciones de autoridad, que respiran el aire enrarecido de las orquestas titulares como las de Alemania, Tár es enigmática”, dice Blanchett. “Para mí eso fue un reto a la hora de dar vida al personaje y encontrar los momentos que permitieran al público conectarse con su experiencia —porque ella es una mujer que realmente no se conoce a sí misma”. 

Fuera del podio, la vida de Tár consiste en una relación duradera con la concertino de la Orquesta Sinfónica de Berlín Sharon Goodnow (Nina Hoss); ambas crían a su hija siria adoptiva Petra (Mila Bogojevic), en un moderno hogar berlinés. Tár mantiene una estrecha relación con su mentor y predecesor Andris Davis (Julian Glover), quien la ayuda a desenvolverse en las intrincadas complejidades de su puesto. Y ella misma es mentora de Francesca Lentini (Noémie Merlant), su joven asistente que espera convertirse algún día en la directora de propia orquesta.

“Fue uno de los guiones más sorprendentes e inteligentes que he leído”, expresa Hoss, quien ha actuado en varias películas aclamadas por la crítica del director alemán Christian Petzold. “La tensión se mantiene muy alta hasta el final —te sumerges en este personaje y no hay descanso. También te emociona lo que te provoca la experiencia de la música a nivel emocional y psicológico. Sin hablar del negocio que hay detrás del mundo de la música clásica y la ferocidad que hay en él. El guion de Todd crea un rico entorno dramático —pero al mismo tiempo, la historia es el relato perfecto del mismo”.

Merlant agrega: “TÁR nos presenta un medio que no vemos a menudo —el mundo de la orquesta y su director— pero coloca a una mujer en el papel central y utiliza a otras mujeres para hablar de este mundo y explorar la complejidad de las relaciones entre las personas que viven y trabajan en él. La historia es muy moderna por la forma en que examina las dinámicas de poder y suscita preguntas sobre su complicada naturaleza”.

Mientras la orquesta se prepara para la grabación en vivo de la Sinfonía No. 5 de Mahler para el sello discográfico Deutsche Grammophon —un hito en la carrera de Tár— empiezan a aparecer señales de problemas.

“Con mucha frecuencia, las mujeres directoras de orquesta obtienen piezas de cámara, pero no las grandes —y francamente, eso la agota”, puntualiza Blanchett. “Ella se encuentra tomando decisiones poco acertadas debido al agotamiento que siente ante estos procesos sistémicos. Como mujer, te subes al podio y un cierto porcentaje de tu atención tiene que estimular el hecho político de que estás parada allí, siendo una mujer”.

En la segunda mitad de la película, TÁR se convierte en una historia de dinámicas de poder cambiantes a medida que su orquesta —un organismo democrático en el que los músicos eligen a su director— comienza a verla de forma diferente. “La noción de democracia frente a autocracia está tan viva en la historia de Todd”, explica Blanchett, que culmina en una escena en la que Lydia y su hija juegan a la orquesta con animales de felpa después de que el poder de la directora en el podio se ve amenazado. “No es una democracia”, le dice Tár a la niña, revelando el conflicto en el centro del guion de Field.

Ver también: Reseña de “TÁR”: Una película casi biográfica de un interesante personaje ficticio

Hacer que el ruido tenga sentido

Como muchos, Field conoció la música de concierto a través de Leonard Bernstein. (La formación musical de Field reside en el jazz.) “Cuando ves las conferencias que Bernstein dio en los años 70 en Harvard, él eliminó toda la pretensión y la sustituyó por el amor”, dice Field, “y deja claro que la música clásica es ruido: puedes tocar esta frase y hacerla sonar como un grupo de objetos chocando entre sí, o cambiar el toque y el ataque y hacerla sonar como una obra de Charles Ives —es lo mismo. Esta música debería ser desvirtuada, desmitificada y enseñada en las escuelas públicas. La 5a. Sinfonía de Mahler —la pieza que Lydia va a dirigir —es aquella que realmente lo cambia todo. Si escuchas la música de una película hoy en día, algo que podría no importarle a nadie, estarás escuchando música nacida de esta obra canónica”.

El proceso

TÁR es una película de ensayo, una película de proceso, y Field quería intentar transmitir la mecánica dentro y fuera del escenario de tal evento. “Una preocupación sobre colocar a un personaje en este entorno era que la gente que realmente vive allí pudiera encogerse de hombros y decir que nos habíamos equivocado ––que habíamos presentado una versión de caricatura de la disciplina. Por ello, era esencial que el trabajo de dirección de orquesta tuviera un protagonismo real en la narrativa y que no estuviera allí simplemente como una historia de fondo para otra cosa. La lectura de los libros de John Mauceri sobre dirección de orquesta me señalaron el camino a seguir. Llamé a John, y me encontré bajo el hechizo de un verdadero maestro”.

Mauceri le planteó a Field un curso de estudio, y ambos pasaron muchas horas hablando por teléfono. “John fue increíblemente generoso con su conocimiento y su tiempo. Su entusiasmo, muy parecido al de su mentor Leonard Bernstein, es absolutamente contagioso”.

Durante años, Mauceri dirigió la orquesta del espectáculo “Movie Nights” en el Hollywood Bowl, atrayendo multitudes que agotaron las entradas y que contribuyeron a legitimar la música original de las películas en la mente del público de la música clásica. “John tiene un antecedente inusual para un director de orquesta”, dice Field, “ya que realmente entiende la mecánica de las películas. Así que teníamos a un conocedor, y en la práctica yo podía presentarle las ideas del argumento para comprobar su verosimilitud. El tiempo que pasé con él también me preparó para hacer preguntas difíciles a los profesionales de la música clásica en Alemania, quienes pueden ser notoriamente literales y religiosamente protectores de lo que venden, que por supuesto es la belleza y la respetabilidad”.

“Allí es diferente”

Para crear una sensación de autenticidad, Field entrevistó a una serie de músicos de orquesta alemanes, incluida la primera viola mujer en la historia de la Filarmónica de Múnich. “Ella compartió los desafíos a los que se enfrentó al llegar —cosas que ni en un millón de años sus homólogos masculinos habrían tenido que afrontar. El mundo de la música clásica germano-austríaca sigue muy congelado en el tiempo. No hay más que ver las principales orquestas. Al día de hoy, ninguna de ellas ha designado a una mujer directora de orquesta. Tan solo esto hace que nuestra película sea un cuento de hadas”.

Mahlet y Elgar

“La 5a. Sinfonía de Mahler es un hito, no solo en el canon clásico, sino también en otras formas de música. Es fácil enamorarse del tercer movimiento”, afirma Field. “Durante años estuve obsesionado con los sutiles matices de las distintas grabaciones en función de la orquesta, la sala y el director. Hasta que me di cuenta de que la primera vez que mucha gente escuchó la pieza fue cuando vio la película de Visconti, Muerte en Venecia. Entonces, cuando John me preguntó cuál era mi pieza favorita de música clásica, sin pensarlo dos veces me convertí en un apologeta del Adagietto.  Me llamó la atención, diciéndome: “Nadie que se tome en serio la música clásica se muestra cínico con el Adagietto. Olvida a Visconti. Construye tu película alrededor de la 5ª.”. Y así fue como lo hice. La historia se centraría en una directora, la primera mujer directora de orquesta en la historia de esta orquesta berlinesa, y se enmarcaría en un período de tres semanas en el que ella se prepara para la presentación de un libro en Nueva York, además de una actuación en vivo en Berlín para una grabación en directo del sello discográfico Deutsche Grammophon, de la 5a. Sinfonía de Mahler.

“Después de esto, no tuve miedo de las pretensiones antipopulares y me sentí libre para presentar la música que amaba profundamente. Una de esas piezas fue el Concierto para Violonchelo de Elgar. Cuando Elgar escribió el concierto, era inaudito que una orquesta tuviera intérpretes femeninas. Sin embargo, la violonchelista Beatrice Harrison fue la primera en grabarlo frente a la Orquesta Sinfónica de Londres, que entonces era exclusivamente masculina, en el Stage One de EMI (actualmente los estudios Abbey Road) dirigida por el propio Elgar”.

“La pieza estuvo prácticamente olvidada hasta que en 1965, Jacqueline du Pré la grabó con la misma orquesta en el mismo estudio que Harrison, solo que esta vez, Sir John Barbirolli dirigía la orquesta. La pieza se vinculó tan estrechamente con du Pré, que la mantuvo como parte de su repertorio habitual. De hecho, fue lo último que ella grabó antes de morir, cuando volvió a Studio One, solo que esta vez con su esposo, Daniel Barenboim, dirigiendo la orquesta. Es en esta grabación que la violonchelista del guion Olga Metkina le dice a Tár que ella es la primera y gran razón por la que ella se volvió violonchelista”.

La construcción del personaje

“Cate y yo empezamos a trabajar juntos en septiembre de 2020”, relata Field. “Ella hizo otras dos películas mientras se preparaba para hacer TÁR. Trabajaba durante el día y me llamaba por la noche, añadiendo varias horas de trabajo a su día. Aprendió alemán, a tocar el piano —sí, Cate es quien toca el piano, cada una de las notas de las obras— y realizó una impresionante cantidad de investigación. Es una absoluta autodidacta, y consiguió hacer más cosas durante un año —recordemos que mientras eso pasaba hizo otras dos películas —que las que Lydia Tár habría realizado en 25 años. Durante la producción, ella no dormía. Después de un día de rodaje se sentaba en el piano, aprendía alemán, practicaba el acento estadounidense, o tomaba una lección de técnica de la batuta y patrón de ritmo. Pasó su ‘día libre’ en una pista de carreras trazada con las dimensiones exactas de la rotonda de Alexanderplatz para ensayar una escena con Nina Hoss, mientras daba volantazos y frenaba a 100 kilómetros por hora entre ocho autos conducidos por dobles. No había absolutamente nada que pudiéramos pedirle, que ella no pudiera hacer. Ella puso muy alto el estándar para todos y tuvimos que hacer todo lo posible para tratar de seguirle el ritmo”.

Blanchett disfrutó de la carga intelectual del guion de Field, pero conectó con la historia, ante todo, a un nivel instintivo y humano. “Me di cuenta de que había muchas, muchas capas que quitar cuando yo, junto con el público, descubría quién era este fascinante enigma de Lydia Tár. Todd ha creado una criatura absolutamente única”. A Blanchett también le fascinaron las cualidades musicales rítmicas del libreto y el enfoque único de Todd para representar al personaje.

“Yo me centro mucho en el lenguaje y cuando leí el guion, había muchos puntos de referencia con los que simplemente no estaba familiarizada. Sabía que tenía que entenderlos por dentro y por fuera para que el público confiara en que el personaje sabía exactamente de qué estaba hablando en todo momento. Curiosamente, el público no necesita conocer estas referencias en absoluto: solo necesita saber que Lydia es una genio”.

“Me fascinó este retrato de una mujer que se desmorona, pero también respondí al guion a nivel rítmico a través de la música. Para mí, como actriz, la música suele ser la clave para desbloquear un personaje o la atmósfera para encontrar una conexión con la historia. La película de Todd estaba turbocargada de energía en este sentido”.

Para Field y Blanchett, trabajar juntos antes de que iniciara la producción se volvió un ejercicio para generar la atmósfera y para trabajar en la construcción del mundo y el desarrollo del personaje. “Fuimos encontrando cosas juntos y recorrimos el material, llegando más allá de lo que contenía”, explica Blanchett. “Todd es el colaborador más intrépido y abierto con el que alguna vez podrías esperar trabajar. Yo tenía una idea loca y él la tomaba en cuenta; y me enviaba un mensaje de texto a las 2:00 de la mañana que decía: ‘Creo que sé cómo hacer que esto funcione’. Era asombrosamente inventivo. Llevamos a los personajes más allá cuando empezamos a plantearnos grandes preguntas, como: ‘¿Qué ES un proceso?; ¿Hasta qué punto son transaccionales las relaciones en el guion?; ¿Todos los personajes son cómplices para que estas estructuras de poder sigan funcionando?; ¿Es posible sentirse cómodo cuando se intenta llevar a un grupo de personas a un lugar nuevo?; Nos encanta admirar a los grandes, pero ¿nos gusta igualmente verlos caer?’. Estas conversaciones también ayudaron a dar forma a Lydia. Muchos de nuestros grandes relatos se han derrumbado, y me fascinaron esas personas cuyas preocupaciones son grandiosas y exageradas, pero que históricamente no han tenido acceso a tal grandeza. ¿Qué pasa con las grandes personas que quieren llegar a la grandeza del pasado en la minucia del presente?”.

“Cate ingirió el guion, lo memorizó de cabo a rabo y luego profundizó en él”, dice Field. “Ella quería averiguar de dónde procedía todo lo que había en la órbita de Tár, así que cuando empezamos a filmar, sabía lo mismo que yo —de hecho, había ido más allá de lo que yo sabía. Me corregía durante los ensayos y expresaba que se decía MTT, y no Michael Tilson Thomas”.

“Dirigir una orquesta no es tarea fácil, y me quedé boquiabierta del enorme esfuerzo que Cate puso en su interpretación a través de todas las influencias que había llevado al personaje, y cómo se las arregló para crear a alguien completamente nuevo y original que también se sintiera totalmente auténtico y fiel a la vida real”, dice la ahora actriz Sophie Kauer, que en la vida real es una violonchelista que interpreta a la joven violonchelista rusa Olga Metkina.

“Mi punto de partida fue la clase magistral de Ilya Musin y el desgarrador documental sobre Antonia Brico”, explica Blanchett. “Observé a Claudio Abbado, Carlos Kleiber, Emmanuelle Haim y Bernard Haitink para averiguar quién no era Tár, pero también para saber quién aspiraba a ser. La dirección de orquesta es un lenguaje, un acto colosal de comunicación creativa. Es tan plenamente idiosincrásico y personal. El lenguaje gestual fue un gran portal para mí hacia la mentalidad de un maestro de la música, pero también para mostrarme cómo se movía por el mundo”. Blanchett se formó a fondo con la directora de orquesta Natalie Murray Beale, pero se apresura a señalar que “la formación para este papel requirió lecciones de piano, acentos e idiomas. Todas las cosas mecánicas prácticas dentro del conjunto de habilidades de este personaje que sin embargo, no son el personaje. Esta no es una película que se limita a la dirección de orquesta. Eso es algo esencial que hace el personaje, como respirar. El verdadero reto para mí como intérprete fue meterme en la cabeza de alguien ajeno a sí mismo. Ella ha olvidado, se ha alejado del ‘¿Por qué?’ y al tratar de establecer un legado, ha roto la conexión con la música. Tár es alguien con un poderoso crítico interior que inconscientemente se adhiere a la idea de que si eres perfecto, nadie puede hacerte daño. Pero, por supuesto, la perfección es imposible en el arte. El arte está lleno de imperfecciones y zonas grises, y ahí está el problema”.

“Yo entendí, a mi manera, cómo era dirigir una importante institución cultural”, dice Blanchett, quien fue codirectora artística y codirectora general de la Compañía de teatro de Sídney con su esposo, Andrew Upton, durante casi una década. “Tener ese nivel de responsabilidad cultural y física puede ser inmensamente solitario e ingrato a veces, tanto como puede ser el mayor reto de tu carrera. El 70% de nuestro tiempo como artistas lo pasamos dirigiendo la propia organización. El edificio, el cronograma, los patrocinadores, la interfaz con el público y, por supuesto, el manejo de la política de la empresa, los recursos humanos y la financiación gubernamental”. Dicha experiencia ayudó a la actriz ganadora del Premio de la Academia a comprender el funcionamiento interno de un conjunto artístico —y el de un personaje exigente y a menudo volátil que usa ambos sombreros en una orquesta alemana. “La responsabilidad creativa y física recae absolutamente en nosotros, y cuando asumimos el cargo, sacamos el escritorio de nuestra oficina y consultamos a profundidad con nuestro personal sobre las decisiones artísticas. Estoy segura de que al principio, muchos de los que estaban acostumbrados a un enfoque más jerárquico pensaron: ‘No saben lo que hacen’. No estaban acostumbrados a trabajar de forma más democrática. Tradicionalmente, el mundo de la música clásica, como muchas instituciones, no tiene un acuerdo como éste. De Tár, por ejemplo, se espera que ella forje sola su camino. Como directora de orquesta, la música fluye a través de ella, pero no hay referencias de personas en su posición. Los únicos ejemplos han sido los grandes tiranos del canon clásico, como Wilhelm Furtwangler y Herbert von Karajan”.

Las otras intérpretes

El mundo de la música de concierto es históricamente patriarcal. Sin embargo, TÁR pone su mirada en las mujeres de la vida personal y profesional de Lydia incluida su pareja romántica Sharon, quienes comparten la maternidad de su hija adoptada y de la concertino de la orquesta; la obediente asistente de Tár, Francesca, que quiere seguir los pasos de su jefa; y de Olga Metkina, la joven violonchelista rusa cuya juventud y confianza en sí misma alimenta las estancadas energías creativas de Tár y complica su relación con la orquesta y con Sharon.

“Esta historia tiene un matrimonio en el centro”, señala Field. “Vale la pena saber que desde que Herbert Von Karajan fue expulsado de la Filarmónica de Berlín, ya no quedan directores principales con nombramiento vitalicio en Alemania. Todas las orquestas alemanas son democráticas, lo que significa que los músicos votan al director principal, y esa ‘invitación’ puede ser revocada en cualquier momento. El concertino puede ser la mano invisible para el espectador, pero para la orquesta, el concertino tiene el verdadero poder. Por ello, la relación entre Tár y Sharon es complicada. Y fue controvertida cuando ellas la divulgaron públicamente por primera vez”.

Al igual que muchos, Field conocía el trabajo de Nina Hoss en las películas en las que ella colaboró con Christian Petzold, y por su actuación como violinista profesional que sufre trastorno por estrés postraumático en la película The Audition, dirigida por Ina Weisse.

“Desde mi primera conversación con Nina, me quedó claro por qué Petzold escribe muchas de sus películas para ella. Apuntó a una escena de la película y me dijo: ‘Creo que podrías hacer esto de manera diferente. Creo que lo importante en esta relación, no es quién lleva los pantalones. Se trata de la complicidad’. Esa conversación aportó al guion aspectos importantes que, de otro modo, probablemente se habrían perdido”.

En su preparación para interpretar al personaje, Hoss estudió los trabajos de Elgar y Mahler con su profesora de violín, Marie Kogge, discutiendo con ella sobre el significado que estas piezas podrían haber tenido para Sharon, y qué clase de poder maneja como concertino en la orquesta. “Su poder es diferente del de Lydia, porque tienes que probarte a ti misma todos los días como primer violín, porque todos en la orquesta quieren ocupar tu silla —nunca estás segura”, explica Hoss. “Sharon mantiene todo unido en la orquesta, ayuda a encontrar el tono en el sentido práctico y a traducir lo que Tár quiere sacar del grupo, y cuán transaccional es su relación con Tár dentro y fuera de la orquesta”.

Hoss agrega: “A mis ojos, Sharon nunca fue inocente —al igual que Tár, también tiene motivos ulteriores. Quiere que Tár sea la gran estrella para que puedan mantener su estatus de pareja poderosa y pasa por alto el comportamiento de su pareja, permaneciendo en silencio. Esta historia gira en torno al poder, al precio a pagar y a la forma en que ambas parten pagan y depositan ese costo. Y siempre hay dos partes cuando se trata del poder. Todas las relaciones tienen esta tensión, este ir y venir. Las relaciones tienen reglas. Y ambas partes son cómplices en la creación y el incumplimiento de esas reglas”.

Igualmente compleja es la dinámica entre Tár y su asistente, Francesca Lentini. “Me gusta mucho la película Portrait of a Lady on Fire de Céline Sciamma”, anota Field. “Esa fue la primera cinta que vi de Sciamma, y luego vi Bande de filles y Ma vie de Courgette, pero de manera más importante, por lo menos para esta película, por el talento tan especial que es Noémie Merlant”.

Francesca es un personaje en transición. A diferencia de Tár, Francesca proviene de una familia burguesa culta. Estudió en el Conservatorio de París, recibió un título de maestría en artes en Yale, y después ganó una beca en la Accordion Foundation, donde conoció a Tár. Su relación fue íntima por momentos, y ahora es puramente transaccional. Hace unos años, Tár invitó a Francesca para que fuera su asistente en Berlín. Para ambas era evidente que esto era un trampolín para finalmente convertirse en la asistente de dirección de orquesta. Francesca está al tanto de las maquinaciones y movimientos de su jefa. Por ello, tiene motivos para no confiar en ella y está construyendo silenciosamente un plan de contingencia.

Merlant añade: “A diferencia de otros personajes, nunca vemos a Francesca interpretar música en la película. Su habilidad reside en su oído. Ella es una oyente, una observadora. Por ello, mi reto era representar su amor por la música y su deseo de dirigir una orquesta a través de su lenguaje corporal y su mirada. Ella admira a Tár y quiere aprender de ella pero, al mismo tiempo, le tiene miedo”.

La joven chelista rusa Olga Metkina es una lente diferente a través de la cual se puede ver la dinámica de poder en la orquesta. Este personaje tiene una absoluta confianza en su habilidad e identidad y no necesita nada, y por ello llena un vacío de Tár, un espacio vacío donde la furia del arte queda oculta para ella por la energía que gasta en dirigir una importante institución cultural. En Olga, Tár se ve a sí misma en su juventud, y por ello, Tár comete un error político, uno de tantos, que acabará contribuyendo a su perdición.

“La directora de casting Avy Kaufman y yo sabíamos que encontrar a la artista que interpretara a Olga Metkina sería el mayor desafío del proceso de casting —el rol requería a una joven chelista rusa que pudiera actuar”, relata Field. “Lo ideal era encontrar a alguien que fuera una mezcla entre Lotte Lenya y Jacqueline du Pré. En teoría parecía ser una tarea razonable, y Avy amplió su red lo más lejos posible, pero el criterio para el país de origen de Olga era demasiado específico, así que tuvimos que abrirlo a todas las nacionalidades”.

Una avalancha de grabaciones caseras llegaron a la oficina de casting. La asistente de Kaufman, Brigitte Whitmire, se encargó de ver a cientos de jóvenes músicos que hacían la audición en grabaciones con un acento ruso entrecortado. Ninguna era la adecuada. “Sabíamos que íbamos a tener que abrirlo a actrices que supieran tocar un poco el violonchelo, o al menos sostener un arco correctamente; y aunque fue emocionante ver la profundidad de los jóvenes talentos, la maestría musical no era lo suficientemente buena”, señala Field. “Sin importar que se nos acabara el tiempo, ninguno de nosotros quería doblar, falsificar o doblar el cuerpo de una actriz para que pareciera una violonchelista de talla mundial. Era importante que todos los que se suponía que tocaban música en la película, realmente tocaran la música en la película”.

Finalmente, en la última semana del casting, llegó una grabación de una violonchelista de 19 años con el pelo rubio largo hasta la rodilla y vestida de forma un tanto recatada. Ella provenía de una familia de clase media que vive en las afueras de Londres. Resumiendo, Field dice que “Sophie no tenía nada que ver con su personaje, pero cuando empezó a actuar… ahí estaba Olga. Cuando le pregunté dónde había aprendido a hablar con acento ruso, me contestó que ‘en YouTube’. Y había algo más: sabía tocar el violonchelo. De verdad sabía tocarlo. Sophie era una chelista extraordinaria. No sabíamos nada de ella porque era la única chelista que no tenía presencia en redes sociales. Cuando le preguntamos al respecto, nos dijo que era parte de un plan. No quería que la gente la escuchara hasta que no estuviera ‘lista’. Esa fue una presentación perfecta de Sophie y era congruente con mi experiencia con ella como actriz e intérprete de música a lo largo de la producción, y hasta bien entrada la posproducción. Sophie Kauer es algo más”.

Kauer empezó a tocar el violonchelo desde que tenía ocho años. “Me ofrecieron el violín pero lo rechacé porque tienes que pararte para tocarlo”, anota Kauer. “Elegí el violonchelo porque quería estar sentada”.  Empezó a dominar el instrumento a los catorce años y recibió una beca para estudiar en una academia de música en Suiza con otros jóvenes músicos de toda Europa. “En ese momento supe qué quería hacer el resto de mi vida. Tienes que hacer muchos sacrificios para esta clase de vida. Mientras todos están de fiesta, tú estas en casa practicando la música de Elgar”.

Field le mandó el libreto a Kauer, quien respondió de inmediato. “Estaba tan emocionada de que alguien quisiera explorar el mundo de la música clásica de esa manera y abordar tantos problemas que son relevantes hoy en día”, observa Kauer. “El guion de Todd era hermoso —incluso las escenas que finalmente no salen en la pantalla, como aquella donde la orquesta se está poniendo de acuerdo para tocar la música de Elgar y él describe los arcos levantados en señal de aceptación como ‘un bosque que se vuelve más denso, hasta que está completamente maduro’”.

Con el apoyo de las profesoras de acentos Helen Simmons e Inna Resner, Kauer perfeccionó su acento ruso. “Ellas me ayudaron a introducirme en el entorno de la actuación y me presionaron para que intentara nuevas cosas mientras yo llevaba a Olga a la vida”, relata. “Mi trabajo con ellas me ayudó a desarrollar al personaje. Como el acento era musical, mi oído rápidamente se acostumbró a él”.

Para tener un mayor entendimiento de la actuación, Kauer nuevamente se apoyó en YouTube, donde miró un video didáctico de Michael Caine. Puesto que nunca había actuado, Kauer pidió quedarse en el set durante toda la producción cuando ella no estaba filmando sus escenas, donde constantemente observaba a Nina Hoss y a Cate Blanchett ejercer su oficio. “Siempre estuve en el set tratando de aprender de las mejores”, dice Kauer. “Cuando tienes a estas dos grandes actrices al lado —¿por qué no aprovecharlo?”.

Kauer nunca había sido solista en una orquesta profesional. “El papel era doblemente aterrador —la mayoría de las jóvenes de 19 años no han tenido mucha experiencia con una orquesta, así que llegar al set y tocar el violonchelo para después ser grabada en una película representaba una gran presión para mí”, afirma Kauer. “No importaba que estuviera tocando el chelo e interpretando a otra persona —no es como yo tocaría normalmente. Todd tenía ideas muy específicas acerca de cómo quería que las cosas se expresaran musicalmente y Cate estaba dirigiendo, así que también tenía que adaptarme a ella y a tocar con los maravillosos músicos de la Filarmónica de Dresde que son músicos de clase mundial que, a diferencia de mí, tenían años de experiencia tocando juntos como una orquesta”.

Mark Strong interpreta a Eliot Kaplan, uno de los banqueros inversionistas más poderosos cuya verdadera pasión es la música clásica. Kaplan, un director de orquesta amateur, ha labrado su camino hacia el podio a través de sus conexiones y específicamente a través de su vínculo comercial con Lydia Tár. La suya también es una relación transaccional. Diez años atrás, su Fundación Kaplan financió un proyecto muy querido para Tár: la Accordion Foundation, un instituto cuyo principio rector es ofrecer oportunidades de interpretación a jóvenes directoras de orquesta. “Mark es uno de mis actores favoritos”, expresa Field. “Lo conocía principalmente por su participación en el teatro. Su interpretación de Eddie Carbone en la producción de Ivo van Hove de la obra de Arthur Miller A View From The Bridge, es una de las más grandes interpretaciones teatrales que yo haya visto”.

Strong dice que le entusiasmaba interpretar este papel porque “me dio la oportunidad de representar un estilo y un personaje muy alejados de mi persona, y eso es algo que siempre estoy buscando hacer”.

Julian Glover interpreta a Andris Davis, el predecesor de Tár en la Orquesta Sinfónica de Berlín. Él es alguien con quien ella conversa de manera regular, siendo él una de las pocas personas en el mundo que puede entenderla. Para Tár, esto es tanto una bendición como una maldición. Ella adora a ese hombre, pero también es consciente de que no quiere encontrarse en su situación en el tercer acto de su vida. “Julian es alguien cuyo trabajo habla por sí mismo”, afirma Blanchett, “Es el actor perfecto y está absolutamente preparado para encontrar la esencia de un personaje. Cuando filmamos las escenas juntos, Julian acababa de cumplir 86 años, sabía sus líneas de memoria y trajo consigo un conocimiento muy rico del oficio que era vital para este personaje”.

“Me sentí inmediatamente atraído hacia el proyecto cuando supe que Todd iba a ser el director; maravillado de que estaría trabajando junto a la brillante Cate; y luego asombrado cuando leí ese guion extraordinario, maravilloso, original y MUSICAL”, relata Glover. “Aceptar un papel en un proyecto de tal envergadura era algo obvio, y la vida lo demostró”.

Allan Corduner, un pilar de los escenarios de teatro británico y de Broadway, es un experimentado actor de cine conocido por muchas de sus brillantes actuaciones, como la interpretación de Sir Arthur Sullivan en Topsy-Turvy, película dirigida por Mike Leigh donde actuó al lado de Jim Broadbent, quien interpretó a W.S. Gilbert; también interpretó a Sebastian Brix, el asistente de director de orquesta de la Sinfónica de Berlín. Sebastian llegó a Berlín en 1990 con Andris Davis y, como Eliot Kaplan le dice a Tár, fue una decisión que ella “heredó”. Field y Corduner se conocieron hace más de treinta años, cuando ambos trabajaban juntos como actores. “Allan es un estupendo actor”, dice Field. “Y un gran ser humano. Sabía exactamente quién era Sebastian y lo interpretó como si fuera un personaje de la corte en un drama isabelino. Fue maravilloso volver a colaborar con él después de tantos años”.

“Trabajar en TÁR verdaderamente fue uno de los grandes placeres y privilegios que he tenido durante mi larga carrera”, expresa Corduner. “Conozco a Todd Field desde hace muchos años y siempre admiré su talento, humildad y rigor profesional. Él ama y respeta a los actores y ensaya con ellos en un ambiente tranquilo antes de filmar —algo que es muy raro hoy en día. Te sientes completamente apoyado”.

Entre bastidores

Artistas de todo el mundo ayudaron a llevar a la vida el mundo visual y sonoro de TÁR a través del diseño de producción, la fotografía, el diseño de vestuario, la edición y la música original en locaciones de Berlín, la ciudad de Nueva York y el sudeste asiático. Los escenarios interiores incluyeron salas de concierto, hoteles, restaurantes, la casa de la infancia de Tár, su viejo departamento en Berlín y la casa brutalista que ahora comparte con su compañera y su hija. Field y su equipo sembraron un mundo específico para este personaje; un mundo de refinamiento y exclusividad que, a lo largo de la película, se cierne sobre Tár mientras ella lucha por sobrevivir en este mundo meticulosamente ordenado.

Mucho antes de iniciar la preproducción, Field se reunió con el diseñador de producción Marco Bittner Rosser. “Marco asumió sin miedo muchos desafíos de diseño. El primero, encontrar una orquesta alemana con una sala de conciertos estilo viñedo que permitiera a un equipo de rodaje no solo invadirla, sino adueñarse de ella y de todos los que estuvieran dentro del lugar de forma significativa. Marco y nuestro coproductor Sebastian Fahr-Brix se hicieron cargo de esta tarea, y lograron convencer a la Filarmónica de Dresde de que al menos considerara la posibilidad. Fue una negociación larga, y reconozco que un poco desesperada. Pero sin Marco, Sebastian y Uwe Schott, de X-Filme, esto nunca habría ocurrido”.

La sala de conciertos de Dresde apenas llevaba 18 meses en funcionamiento cuando nosotros llegamos. Al igual que todas las salas de concierto de estilo viñedo, la de Dresde era obra del creador de este diseño, el arquitecto Hans Scharoun. Solo nos permitieron el acceso a la sala de conciertos. Todas las áreas entre bastidores y las oficinas de la orquesta estaban prohibidas. Por ello, Marco diseñó las oficinas de entre bastidores, los pasillos, los espacios públicos, etc., con el espíritu y la estética de Scharoun. La capacidad de Marco como diseñador es impresionante, así como sus habilidades logísticas. Al igual que nuestras otras áreas creativas clave, dirigió tres equipos diferentes en tres países”.

Para una producción que requería tal destreza, Field contrató al director de fotografía Florian Hoffmeister para la iluminación de la película. “Había visto el trabajo de Florian en la serie producida por Ridley Scott de la novela de Dan Simmons The Terror, dirigida por Edward Berger. La calidad de la iluminación de Florian en ese proyecto, especialmente de las caras, fue impresionante. Para TÁR tuvimos mucha iluminación, lentes y pruebas de cámara. Hicimos esto de forma intermitente durante dos meses. Buscábamos algo neutral y no demasiado bonito. Al final nos asociamos con Arriflex, que construyó lentes a la medida para nosotros y un sistema de emulsión de impresión personalizado que ahora integran en todas sus cámaras. Florian sabía que tendríamos desafíos y limitaciones específicamente en la sala de conciertos, e hizo hasta lo imposible para asegurarse de que nunca nos faltara nada, y de que Cate recibiera todo el apoyo posible”.

La diseñadora de vestuario nominada al Premio de la Academia Bina Daigeler (All About My Mother, Volver) se unió a la producción en una etapa temprana para ayudar a que Blanchett encontrara a Lydia Tár. “La relación con quien diseña el vestuario y realiza el proceso de pruebas y ajustes del mismo tiene una enorme importancia, y es donde puedes observar lo que el público va a ver en términos del personaje y de la forma en la que se mueve por el mundo”.

Daigeler también ayudo a coordinar el vestuario y la utilería para el rodaje en la ciudad de Nueva York, tres meses antes de que iniciara la fotografía principal. “Además de su gran habilidad para el diseño de vestuario, Bina es una genia en lo referente a locaciones, sets, y hablando con total franqueza, con la gente”, anota Field. “Tiene un don particular para generar una atmósfera que hace que la gente deje su zona de confort y vaya más allá. Todos los departamentos se vieron beneficiados con su talento y sus generosos consejos”.

Field ya conocía a la editora Monika Willi de un proyecto cinematográfico anterior, en el que finalmente él no continuó trabajando. Famosa por sus colaboraciones con Barbara Albert, Michael Haneke y Ulrich Seidl, la reputación exigente de Willi es bien conocida en el mundo del cine europeo.

“Cuando empezamos a editar TÁR, en Londres había empezado otro confinamiento, así que nos vimos obligados a instalarnos en un convento del siglo XV en las afueras de Edimburgo”, relata Field. “Monika es extremadamente disciplinada y posee un sentido del rigor poco común, que es precisamente lo que requería esta película. Allí no había mucho más que hacer que editar y pasear por los senderos y los setos, así que durante siete días a la semana eso fue precisamente lo que hicimos. Estábamos lejos de nuestras familias, y si bien fue algo desafiante, hizo que aflorara un sentido de compromiso hacia el material que no habría sido posible conseguirlo de haber estado trabajando en Londres. Mona hizo enormes sacrificios personales al estar lejos de su familia durante seis meses, hasta el final de la posproducción. Realmente tuve la suerte de contar con la colaboración de una artista tan dedicada y talentosa para esta película”.

Creadores de música

A la compositora ganadora del Premio de la Academia Hildur Guðnadóttir (Joker) le encargaron la desafiante tarea de componer la música original de una película que no solo trata de la música y la creación de la misma, sino que presenta interpretaciones en vivo de varias obras clásicas. El planteamiento de Guðnadóttir al componer la música original de TÁR fue que ésta no sobresaliera. “Esta es una película sobre gente que hace música y para Hildur era importante que no pusiéramos, como se dice, un sombrero encima de otro sombrero”, comenta Field. “Su enfoque para componer la música original de nuestra película fue explorar su interés por la frecuencia, el ruido y no quedarse atrapada señalando algún aspecto en la película. Su trabajo es sutil y discreto por una buena razón”.

Guðnadóttir dice que trabajar en el proyecto fue un proceso de colaboración emocionante desde el principio. “Todd está muy abierto a recibir ideas de sus colaboradores, así que nuestras conversaciones fueron realmente encantadoras”, comenta. “Mientras él estaba haciendo la búsqueda de locaciones, nosotros nos reuníamos para repasar el guion, las locaciones, el proceso de la composición de la música, lo que imaginábamos que ella estaba escribiendo, cuáles serán sus influencias, su ritmo, etc. Yo escribí la pieza que toca el cuarteto inicial tomando como base esas conversaciones antes de que empezaran a filmar la película”.

En total, la producción requirió cuatro bandas de música en pantalla, en cuatro países diferentes. En primer lugar, la Orquesta Sinfónica de Berlín de Tár. “Había una regla en cuanto a los músicos”, señala Field, “y era que nunca debían sentirse como una banda contratada para tocar, o como extras. Tuvimos dos días de sesiones de casting con la orquesta para ver si podíamos elegir entre ellos a quienes interpretaran los papeles de Gosia y Knut. Esperábamos que cinco o diez músicos estuvieran interesados. Vimos a 40, y la mayoría eran buenos. Dorothea Plans Casal (GOSIA) y Fabian Dirr (KNUT) fueron sobresalientes”.

“Podría haber sido incómodo para ellos ganar estos papeles entre los demás intérpretes. Pero los músicos, al igual que los actores, están acostumbrados a hacer audiciones y los músicos de este nivel se enfrentan de forma saludable al rechazo. Con ese espíritu se ofrecieron para trabajar de otras maneras en la película hasta que la terminamos. Esto implicó manejar desde Dresde hasta Berlín para caminar por un pasillo, servir un vaso de agua o ser visto en el fondo de una sala de ensayos. El compromiso de estos intérpretes creó una atmósfera tanto para el elenco como para el equipo de producción, que permitió una significativa colaboración interdisciplinaria en la que tuvimos la oportunidad de aprender unos de otros”.

El concertino de la Orquesta Filarmónica de Dresde, Wolfgang Hentrich, se involucró con la producción y se puso a disposición de Nina Hoss, asesorándola en el trabajo de concertino y actuando también como su compañero de escritorio durante el rodaje. Se entregó por completo a los cineastas. “Tuvimos mucha suerte de colaborar con un artista como Wolfgang”, dice Hoss. “Su posición dentro de la orquesta no es para los pusilánimes. Por razones prácticas y políticas, no es raro que alguien con su trabajo sea distante e impenetrable. Sin embargo, Wolfgang es un verdadero entusiasta y le encanta enseñar. Entre otras cosas, él es el director de la principal orquesta juvenil de Alemania —una sustituta de la Orquesta Juvenil de Moscú de Olga— y él se mostró disponible para hacer lo que fuera necesario en nuestra producción”.

“Nunca olvidaré el momento cuando Cate empezó a dirigir la orquesta y yo tocaba el violín al lado de Wolfgang, y de repente, formábamos parte del cuerpo de una orquesta —es un momento muy poderoso cuando no eres una profesional de la música”, relata Hoss. “Los músicos de la Filarmónica de Dresde sabían muy bien lo que hacían y cuán hermoso es crear música noche tras noche en el escenario. Es posible que en cierto punto olvides el poder de la música porque tienes otras cosas que hacer como llevar a los niños a la escuela, pero ninguno de los que estábamos actuando en TÁR olvidó jamás la belleza de lo que se siente ser parte de esta profesión, aunque sea de manera temporal”.

Otras colaboraciones

Se ha hablado mucho del trabajo de etnomusicología de Lydia Tár en la Amazonia Oriental en la comunidad Shipibo-Konibo, en las orillas del río Ucayali. Los cineastas querían tener una colaboración significativa con su cultura chamánica y sus artistas. La primera música que se escucha en la película es un icaro interpretado por la chamana Elisa Vargas Fernández. El diseñador de sonido de TÁR mandó a su sobrino, Zackiel Lewis-Griffiths (graduado de la Escuela de Estudios africanos y orientales de la Universidad de Londres, y un etnomusicólogo en ciernes) al Ucayali para grabar a Mama Elisa cantando un icaro original que ella ofreció a la película.

Los cineastas también contrataron al fotógrafo de la comunidad Shipibo-Konibo David Diaz Gonzales para que fotografiara un ritual de la familia Gonzales, que posteriormente incluiría a Tár.

Haciendo otra música

Además de las obras clásicas interpretadas en la pantalla y la música original de Hildur Guðnadóttir, hay dos grabaciones estándar de jazz que Field puso específicamente en el guion. “Las personas que hacen música a menudo escuchan activamente otros géneros en casa para darse un respiro del trabajo”.

La primera, titulada Lil’ Darlin’, era una pieza que Field tocaba con su banda en la universidad. La composición y los arreglos de la grabación final estuvieron a cargo de Neal Hefti, para la Count Basie Orchestra. Esta pieza se escucha en el set durante la primera escena entre Tár y Sharon, cuando el corazón de esta última late a toda velocidad y Tár usa el sonido como una forma de retroalimentación biológica para reducir la velocidad “a 60 pulsaciones por minuto”.

La segunda, Here’s That Rainy Day, de Jimmy Van Heusen y letra de Johnny Burke, la escuchamos en la segunda escena en casa donde están Sharon y Tár. La grabación de la pieza que quería Field estaba en el álbum titulado 21 Trombones featuring Urbie Green, y es una leyenda para los trombonistas. Desafortunadamente, los derechos de sincronización eran confidenciales. “Esto fue desquiciante en dos frentes: primero porque este es un álbum muy importante que debería estar disponible para el público; y segundo, por una razón más egoísta, yo realmente sabía que esa era la mejor pista para esta escena”, dice Field. “Se grabó en Nueva York en 1967 con los mejores trombonistas del siglo XX y no es algo que ninguna persona en su sano juicio, y menos un trombonista, sugeriría que se pueda replicar”.

Lucy Bright, la supervisora musical de TÁR, encontró a esos “locos” que ya lo habían intentado: un grupo holandés conocido como The New Trombone Collective. Bright, Field y Monika Willi se subieron a un avión con destino a Holanda para grabarlos como los 20 trombones que acompañan al solista. “Pero el solista tendría que tocar como Urbie Green”, explica Field, “y eso es como pedirle a alguien que actúe como Brando, sin importar su nivel de actuación, cuando solo hay un Brando”.

Field llamó a un antiguo compañero de su banda, Ben Wolfe, quien por cuatro años estuvo de gira con Harry Connick Jr. y Wynton Marsalis para ver si le podía dar algunas ideas. “Ben me dijo que el intérprete que yo buscaba era mi antiguo maestro Jeff Uusitillo y yo sabía que él tenía razón, pero no había hablado con Jeff en cuarenta años. Lo llamé, pero él había dejado de tocar el trombón durante la pandemia para dedicarse a la pintura abstracta. Jeff me dijo que la persona que yo quería estaba en Canadá: el gran Al Kay”.

Kay estuvo feliz de hacerlo. Bright le envió las pistas desde Holanda. Kay tocó el solo exactamente como lo haría Green, “¡y en una sola toma!”, sonríe Field. “Reto a cualquiera, incluso a mí, a que escuche la diferencia entre la grabación de 1967 y la que grabamos la semana pasada”.

Álbum conceptual

En julio de 2022, Blanchett, Guðnadóttir, Kauer y Field trabajaron durante dos fines de semana en Abbey Road Studios grabando la música para un álbum conceptual que nació de las conversaciones entre Guðnadóttir, Natalie Hayden y Mike Knobloch en Universal music, y el equipo creativo del sello discográfico Deutsche Grammophon.

Tiene un doble concepto, y el primero va unido a un objetivo de Lydia Tár. Un vistazo al arte de la portada de este LP bastará para entender que sí, que en algún universo paralelo, Lydia Tár pudo finalmente convencer a la gente del sello discográfico DG para que creara un vinilo completo adornado con su imagen imitada de Claudio Abbado.

La segunda parte del concepto es que los temas, al igual que la película, pretenden invitar al oyente a experimentar el desorden involucrado en el proceso de creación de la música. En este caso se incluye tres bandas diferentes y a sus directores: Blanchett (como Lydia Tár) en el ensayo de la 5a. Sinfonía de Mahler, dirigiendo la Filarmónica de Dresde; Guðnadóttir dando instrucciones a Robert Ames, quien dirige la Orquesta Contemporánea de Londres; y finalmente, Natalie Murray Beale dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Londres. Como nadie había producido nunca un álbum como éste, tendría que ser audaz y contener muchas “primicias”, dice Guðnadóttir.

Una de esas primicias es Sophie Kauer haciendo su debut profesional, interpretando el Concierto para chelo de Elgar acompañada por la Orquesta Sinfónica de Londres. La primera vez que se grabó este concierto lo interpretó Beatrice Harrison para la (entonces completamente masculina) Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por el propio Elgar. El personaje de Kauer en la película, Olga Metkina, se inspiró en la grabación seminal que Jacqueline du Pré hizo de esta pieza. “Para Sophie esto fue un sueño hecho realidad”, señala Blanchett. “Ella estaba grabando en el mismo estudio y con la misma orquesta que du Pré en 1965”.

El disco comienza con Hildur Guðnadóttir cantando el tema de la composición que Lydia Tár compone en la película, y termina con Elisa Vargas Fernández cantando un icaro que pretende ser una grabación de campo realizada en el Amazonas por Tár en 1990.

Field relata que “aunque estuve presente en estas grabaciones, escucharlas ahora me parece algo de otro mundo. Como dicen, no puedes repetir la misma experiencia dos veces. Es emocionante poder asomarse por la cortina y observar la energía y la fuerza creativa que producen estos artistas cuando están en su proceso. Es algo raro, y sí, es una ‘primicia’, y estoy muy contento de que este LP exista en el mundo paralelo de nuestra película, pero aún más en el mundo en general. Fue un reencuentro feliz después de no vernos durante seis meses. La película estaba terminada, y todos pudieron  disfrutar de hacer algo de ruido”.

Acerca de los realizadores

TODD FIELD (productor/escritor/director)

Todd Field hizo su debut cinematográfico en el Festival de cine de Sundance con IN THE BEDROOM, cinta aclamada internacionalmente por la crítica y designada como la mejor película del año por The New York Times, The Wall Street Journal, New York Magazine, The New Yorker, y la Asociación de críticos de cine de Los Ángeles. Recibió cinco nominaciones al Premio de la Academia incluyendo la categoría de mejor película. La premier de la siguiente película de Field, LITTLE CHILDREN, se llevó a cabo en la edición 44 del Festival de cine de Nueva York y recibió tres nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo uno que compartió con Tom Perrotta en la categoría de mejor guion adaptado. La cinta también fue nominada a tres Globos de Oro, incluyendo la categoría de mejor película, y fue nominada a dos premios SAG y al premio WGA al mejor guion adaptado. Su cortometraje NONNIE & ALEX se presentó en el Festival de cine de Sundance donde recibió un Premio del jurado especial. Otro de sus cortometrajes, WHEN I WAS A BOY, también se presentó en ese festival y fue seleccionado para ser exhibido en el Ciclo de películas de nuevos directores/nuevas películas de la Sociedad cinematográfica del Lincoln Center en el Museo de Arte Moderno. Como actor, Field ha aparecido en películas tales como RUBY IN PARADISE de Victor Nunez; y en EYES WIDE SHUT, de Stanley Kubrick.

ALEXANDRA MILCHAN (productora)

Los créditos de Alexandra Milchan incluyen la serie limitada de Apple TV+ “Black Bird”, protagonizada por Taron Egerton; “The Terror: Infamy” y “The Terror”, de AMC; THE WOLF OF WALL STREET; INTRUSION: THE 24^TH; STREET KINGS; y MIRRORS. Sus próximos créditos incluye THE KILLER, la película de Netflix dirigida por David Fincher y protagonizada por Michael Fassbender; y la serie de  Apple TV+ “The Crowded Room” que estelarizan Tom Holland, Amanda Seyfried y Emmy Rossum. Recientemente fue la productora ejecutiva de la serie documental de Starz titulada “Seduced: Inside the NXIVM Cult”, que fue su primera serie de no ficción en la historia.

 SCOTT LAMBERT (productor)

Scott Lambert, junto con Alexandra Milchan, es socio de Emjag Productions. Hace poco estrenaron su nueva serie de Apple TV+ titulada “Black Bird”, protagonizada por Taron Egerton y cuyo productor es Dennis Lehane. Próximamente Lambert va a producir la tercera temporada de la serie de AMC “The Terror”. Entre otras de sus producciones se encuentra MARY, que protagonizó Gary Oldman; y THE SILENCE, estelarizada por Stanley Tucci. Antes de colaborar en Emjag, Scott formó parte de la compañía Film 360, el brazo de producción de Management 360; fue Presidente del área de negocios y Vicepresidente ejecutivo en Relativity Media; y Vicepresidente ejecutivo de la Agencia William Morris, donde representó a talento del cine y la televisión, además de ser el jefe de la división cine y participar en el financiamiento de más de cincuenta películas.

FLORIAN HOFFMEISTER (director de fotografía)

Florian Hoffmeister, BSC es un cineasta alemán. Recientemente, Hoffmeister rodó cuatro episodios de la serie de Apple TV+ “Pachinko”; colaboró en la película ANTLERS del director Scott Cooper; y en OFFICIAL SECRETS, el thriller político de Gavin Hood protagonizado por Keira Knightley, Ralph Fiennes y Matt Smith.

En el cine es más conocido por sus colaboraciones con Terene Davies, con quién filmó THE DEEP BLUE SEA y A QUIET PASSION. Otras de sus películas incluye IN SECRET de Charlie Stratton, con Elizabeth Olsen; así como MORTEDECAI, de David Koepp. Entre sus créditos en televisión se encuentran “House of Saddam”; “Great Expectations”, de Brian Kirk; y “The Terror”. Por su trabajo en “Great Expectations” ganó premios, incluyendo un Primetime Emmy a la mejor fotografía, un Premio BAFTA TV a la mejor fotografía e iluminación, y un Premio ASC a la mejor cinematografía, erigiéndose como el primer director de fotografía en ganar un premio Emmy, un BAFTA y un ASC por el mismo programa.

HILDUR GUÐNADÓTTIR (compositora)

Hildur Guðnadóttir es una artista islandesa que ha sido galardonada con el Premio de la Academia, el Globo de Oro, el Emmy, dos premios Grammy y el BAFTA. Su trabajo en el cine y la televisión incluye SICARIO: DAY OF THE SOLDADO; MARY MAGDALENE; y la aclamada serie de HBO “Chernobyl”, por la que ganó un premio Primetime Emmy, así como un Grammy. Guðnadóttir recibió una variedad de reconocimientos por su trabajo en JOKER, película dirigida por Todd Phillips y protagonizada por Joaquin Phoenix, incluyendo un Premio de la Academia, un Globo de Oro, un BAFTA y un Grammy. Adicionalmente, su trabajo incluye la composición de la música original para películas tales como TOM OF FINLAND, JOURNEY’S END y 20 episodios de la serie islandesa de televisión “Trapped”, que se exhibe en Amazon Prime. Junto con Sam Slater compuso la música para el videjouego “Battlefield 2042”, que forma parte de la sumamente exitosa franquicia de Battlefield, de Electronic Arts, y juntos ganaron un premio de la Sociedad de autores y compositores.

Guðnadóttir empezó a tocar el violonchelo desde que era niña. Estudió en la Academia de música de Reikiavik y continuó sus estudios musicales, de composición y nuevos medios en la Academia islandesa de las artes en la Universität der Künste de Berlín. Ha estrenado cuatro álbumes como solista que han recibido aclamación de la crítica: “Mount A” (2006); “Without Sinking” (2009); “Leyfðu Ljósinu” (2012); y “Saman” (2014). Sus discos han sido nominados en varias ocasiones para los Premios Icelandic Music. Todos sus álbumes los ha grabado bajo el sello discográfico Touch.

Ha compuesto música para teatro, danza y películas. La Orquesta Filarmónica islandesa, el Icelandic National Theatre, el Tate Modern, The British Film Institute, La Real Ópera sueca en Estocolmo y el Gothenburg National Theatre son algunas de las instituciones que le han solicitado trabajos por comisión. Actualmente se encuentra curando una exposición para la inauguración del nuevo Academy Museum en Los Ángeles programada para el 28 de septiembre. Guðnadóttir se ha presentado en vivo y ha grabado música con Skúli Sverrisson, Jóhann Jóhannsson, múm, Sunn O))), Pan Sonic, Hauschka, Wildbirds & Peacedrums, Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, The Knife, Fever Ray y Throbbing Gristle, entre otros artistas. Guðnadóttir vive en Berlín, Alemania.

BINA DAIGELER (diseñadora de vestuario)

Daigeler fue la diseñadora de vestuario de MULAN, la película de Disney dirigida por Niki Caro, con quien ya había colaborado en la cinta THE ZOOKEEPER’S WIFE. Otros de sus créditos recientes incluye DUMPLIN, de Anne Fletcher, protagonizada por Jennifer Aniston; el drama de secuestro de José Padilha titulado 7 DAYS IN ENTEBBE, que estelarizó Rosamund Pike; SUBMERGENCE, del director Wim Wenders, con Alicia Vikander; y SNOWDEN, dirigida por Oliver Stone, que protagonizó Joseph Gordon-Levitt.

Daigeler también trabajó en exitosas series de televisión tales como los aclamados programas de “Narcos” y “El Tiempo Entre Costuras” de Netflix, y más recientemente en la serie “Mrs. America”, creada por Dahvi Waller para FX, que estelarizan Cate Blanchett y Elizabeth Banks. Ya había colaborado con Cate Blanchett en MANIFESTO, dirigida por el artista alemán de videos Julian Rosenfeldt y que tuvo un gran éxito en el mundo del arte, además de premiar a Daigeler con el Premio del cine alemán al mejor diseño de vestuario.

Daigeler consiguió su primer trabajo como diseñadora de vestuario en España en la película de Juanma Bajo Ulloa titulada AIRBAG, un éxito de taquilla que la llevó a trabajar con el director de cine Pedro Almodóvar en las cintas ALL ABOUT MY MOTHER y VOLVER. Por estos dos largometrajes –junto a su diseño del vestuario para UNCONSCIOUS de Joaquin Oristrell, y para PRINCESAS de Fernando Leon De Aranoa, Daigeler recibió cuatro nominaciones al Goya en la categoría de mejor diseño de vestuario.

MONIKA WILLI (editora)

Monika Willi nació en 1968 en Innsbruck, Austria. Es una editora de cine austríaca conocida por sus muchos años de colaboración con los directores Michael Haneke (The Piano Teacher, Time of the Wolf, Funny Games U.S., The White Ribbon, Amour, Happy End);Ulrich Seidl (Rimini, Sparta); Barbara Albert (Northern Skirts, Free Radicals, The Dead and the Living); y Michael Glawogger (Workingman’s Death, Contact High, Whores’ Glory, Untitled), entre otros. 

Ha recibido numerosos premios y nominaciones por su trabajo (premios de cine austríaco, el premio a la mejor artista, Film+) y es miembro de la Academia de ciencias y artes cinematográficas.

MARCO BITTNER ROSSER (diseñador de producción)

Marco Bittner Rosser es un destacado diseñador de producción y un arquitecto titulado. Estudió Arquitectura en la Universidad técnica de Darmstadt, en la Universidad de East London y se graduó de arquitecto en la University of Art (UDK) de Berlín.

En el diseño cinematográfico fusionó su pasión por el cine, la arquitectura y el diseño. En 1999 trabajó en su primera película internacional en el ‘Studio Babelsberg’ de Berlín: ENEMY AT THE GATES, dirigida por Jean- Jaque Annaud, donde trabajó como diseñador de escenarios. Continuó con su carrera trabajando como director de arte, supervisor de director de arte y diseñador de producción en producciones internacionales con directores tales como Quentin Tarantino (INGLOURIOUS BASTERDS); las hermanas Wachowski (V FOR VENDETTA, SPEEDRACER); Guillermo del Toro (HELLBOY); Jim Jarmusch (ONLY LOVERS LEFT ALIVE); y Steven Spielberg (BRIDGE OF SPIES).

Acerca del elenco

CATE BLANCHETT (Lydia Tár)

Cate Blanchett es una actriz, productora, directora artística, humanitaria y una dedicada miembro de la comunidad de las artes aclamada a nivel internacional.

En esta ocasión, Blanchett interpreta el papel estelar y es la productora ejecutiva de “TÁR”, la muy esperada película del director Todd Field, que es la primera cinta del escritor, director y productor después de más de quince años y que fue muy bien recibida en el Festival de cine de Telluride y en el Festival internacional de cine de Venecia, donde Blanchett fue galardonada con la Coppa Volpi a la mejor actriz por segunda vez, desde I’m Not There.

Este otoño, Blanchett aparecerá en la última película de Guillermo Del Toro: “PINOCCHIO”, y en la exitosa serie del falso documental titulada “Documentary Now!”. En Australia va a iniciar su participación en la producción de la cinta de Warwick Thornton “The New Boy”, que protagoniza y produce a través de la compañía de producción Dirty Films. Recientemente concluyó la producción de “Disclaimer”, dirigida por Alfonso Cuarón, en la que actúa y es productora ejecutiva. En 2021, Blanchett apareció en la exitosa cinta de Adam McKay Don’t Look Up, así como en Nightmare Alley, de Guillermo Del Toro.

Blanchett también es la cofundadora y directora de la compañía productora de cine y televisión Dirty Films junto con sus socios Andrew Upton y Coco Francini. Recientemente, Dirty Films produjo la muy aclamada serie Mrs. America para FX y Hulu, así como la serie limitada de Netflix “Stateless”, que recibió un número récord de 18 nominaciones a los premios de la Academia australiana de las artes de cine y televisión (AACTA por sus siglas en inglés), y ganó13 de ellos. Esta compañía fue la productora ejecutiva de Apples, de Christos Nikou, denominada como una de las mejores películas internacionales del año por el National Board of Review en 2020. Entre otros de sus créditos se encuentran Truth, Carol, Little Fish, The Turning, y su pódcast de alto alcance titulado “The Climate of Change”. Sus próximos proyectos en el cine incluye Fingernails, con el director Christos Nikou; Queen Bitch and the High Horse, con los directores Bert y Bertie; The Champions, con el director Ben Stiller; y la aclamada película de Lucia Berlin, A Manual for Cleaning Women. Dirty Films tiene un acuerdo de primera instancia con FX Productions para proyectos de televisión, y con New Republic Pictures para películas para cine.

En 2015 tuvo el papel principal en Carol, película que además produjo con Dirty Films y fue dirigida por Todd Haynes. Su actuación recibió nominaciones al Óscar, al BAFTA, al Globo de Oro, al Independent Spirit y al SAG. Ese mismo año interpretó el papel de Mary Mapes en Truth, al lado de Robert Redford. Blanchett ha ganado el Premio de la Academia a la mejor actriz por su interpretación de Jasmine en Blue Jasmine, y el de mejor actriz de reparto por su interpretación de Katharine Hepburn en la película de Martin Scorsese, The Aviator. En 2008 fue nominada a dos Premios de la Academia; uno a la mejor actriz por su actuación en Elizabeth: The Golden Age, y otro a la mejor actriz de reparto por I’m Not There. Es la quinta actriz en la historia de la Academia en ser nominada en ambas categorías el mismo año. También recibió dos nominaciones a los premios SAG y BAFTA por dichos papeles, y ganó el Globo de Oro, el Independent Spirit y varios premios de grupos de críticos.

Los créditos de Blanchett en el cine incluyen (sin ningún orden en particular): Babel, dirigida por Alejandro González Iñárritu; The Life Aquatic with Steve Zissou, de Wes Anderson; The Gift, del director Sam Raimi; Coffee and Cigarettes, de Jim Jarmusch; Bandits, de Barry Levinson; The Man Who Cried, de la directora Sally Potter; The Curious Case of Benjamin Button, de David Fincher; The Talented Mr. Ripley, dirigida por Anthony Minghella; Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, de Steven Spielberg; The Good German, de Steven Soderbergh;la trilogía de The Lord of the Rings y The Hobbit: The Battle of the Five Armies, con el director Peter Jackson; Charlotte Gray, y Oscar and Lucinda, de Gillian Armstrong; Robin Hood, dirigida por Ridley Scott, así como Thor: Ragnarok (2017), del director Taika Waititi.

Ha colaborado con Julian Rosefeldt en sus películas y sus instalaciones de arte visual, en Manifesto y en Euphoria; con Marco Brambilla en The Four Temperaments; en un videoretrato de sí misma con David Rosetzky; y en la exposición arquitectónica de Nathan Coley en el Centro australiano de Arte Contemporáneo.

Entre el 2008 y el 2013, Blanchett fue, junto con Andrew Upton, la codirectora artística y codirectora general de la Compañía de teatro de Sídney, creando entre 19 y 20 espectáculos por año que tuvieron extensas giras tanto a nivel nacional como internacional. Sus producciones más notables incluyen A Streetcar Named Desire, de Tennessee Williams, dirigida porLiv Ullman; Uncle Vanya, de Anton Chekhov, dirigida por Tamas Ascher; Tot Mom, de Steven Soderbergh; las muy aclamadas producciones de Benedict Andrew de War of the Roses, The Maids, Gross Und Klein, y la adaptación seminal de The Secret River que realizó Neil Armfield, que desde entonces ha inspirado la serie de televisión de ABC que comparte el título; The Present, de Andrew Upton, dirigida por John Crowley, y  por la cual Blanchett fue nominada a un premio Tony. Dentro de la compañía, Blanchett dirigió las producciones de Blackbird, de David Harrower; y The Year of Magical Thinking, de Joan Didion. Recientemente, Blanchett apareció en el escenario en la controvertida adaptación de la producción de Martin Crimp en el National Theatre de When We Have Sufficiently Tortured Each Other, dirigida por Katie Mitchell.

En 2010, Blanchett y Upton fueron galardonados con el Globo Verde por su contribución a la Compañía de teatro de Sídney, que se ha convertido en una de las organizaciones de arte más ecológicas. Blanchett es embajadora mundial de la buena voluntad del ACNUR, el Alto Comisionado de la ONU para los refugiados, y es miembro vitalicia de la Fundación australiana para la conservación; es una fuerte defensora del Actors Benevolent Fund, de la Fundación SAG-AFTRA, del Australian Wildlife Conservancy, es embajadora de la AFI y patrocinadora del Festival de cine de Sídney y de la Fundación NIDA.

Blanchett ganó una beca del BFI London Film Festival y fue galardonada con el premio Women in Film Crystal + Lucy por ampliar los roles de las mujeres en el cine; el premio Crystal en el Foro económico mundial de Davos en 2018 por su trabajo con ACNUR; y ganó el premio Stanley Kubrick de 2018 a la excelencia en el cine. Recibió la Medalla del centenario del servicio a la sociedad australiana a través de la actuación, y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

En 2018, Blanchett fue la presidenta del jurado de la edición número 71 del Festival internacional de cine de Cannes, y en 2020 presidió el jurado de la edición 77 del Festival internacional de cine de Venecia.

Blanchett se graduó en el Instituto nacional de artes dramáticas (NIDA, por sus siglas en inglés).  Tiene doctorados honoris causa de la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y de la Universidad Macquarie. En reconocimiento a su continua defensa de las artes y su apoyo a causas humanitarias y medioambientales, Blanchett ha sido galardonada con el título de Compañera de la Orden de Australia en la División General; también recibió el título de Caballero de la orden de las artes y las letras del Ministerio de Cultura francés. Vive en el Reino Unido con su marido Andrew Upton, sus cuatro hijos, tres perros, doce gallinas y dos cerdos.

NOÉMIE MERLANT (Francesca Lentini)

Noémie Merlant rápidamente se ha convertido en una de las actrices más aclamada de su tiempo a nivel internacional. Es conocida por su interpretación de un rol vanguardista en la película de 2019 PORTRAIT OF A LADY ON FIRE, dirigida por Celine Sciamma, por la que ganó el premio Lumières a la mejor actriz y fue nominada al premio César en esa misma categoría, junto a su coestrella Adèle Haenel. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes de 2019, ganando la Palma Queer y el premio al mejor guion en dicho festival. También fue nominada a los premios Independent Spirit, al Critics’ Choice Awards y fue seleccionada por el National Board of Review como una de las cinco mejores películas en lengua extranjera de 2019.

Merlant inició su carrera como modelo profesional antes de estudiar en la escuela de actuación Cours Florent en París. Su primera oportunidad llegó en 2016 con la película HEAVEN WILL WAIT, por la que fue nominada al premio César en la categoría de actriz más prometedora. En 2020 actuó en JUMBO, la cinta de Zoé Wittock cuya premier tuvo lugar en el Festival de cine de Sundance –una película acerca de una mujer que se enamora de una atracción en un parque de diversiones. Recientemente participó en 13th DISTRICT de Jacques Audiard, una historia de amor juvenil a su manera entre jóvenes adultos en el mundo moderno de las citas, que se encuentra disponible en plataformas de streaming. Forma parte del elenco de LES INNOCENTS, dirigida por Louis Garrel, que se presentó en el Festival de cine de Cannes de 2022. Merlant también actúa junto a Kit Herrington en BABY RUBY, cuya premier tuvo lugar este año en el Festival internacional de cine de Toronto y que pronto estrenará en los cines. BABY RUBY relata la historia de Jo (Merlant), una exitosa empresaria francesa de estilo de vida que está felizmente embarazada, pero poco después de que Jo da a luz a la bebé Ruby, empieza a sentir que las cosas no van bien. Mientras Jo lucha por protegerse a sí misma y a su bebé, se ve inmersa en un sueño febril en el que todo el mundo es una amenaza y nada es lo que parece.

Merlant ha dirigido dos cortometrajes: JE SUIS UNE BICHE, en 2017; y SHAKIRA, en 2019.

NINA HOSS (Sharon Goodnow)

Nina es una de las actrices alemanas más respetadas en la actualidad. Ha recibido 23 nominaciones a lo largo de su carrera y ha ganado muchos premios durante estos años. Es miembro de la junta directiva de la Academia de cine europeo y ha formado parte de varios jurados, incluyendo el del Festival de cine de Venecia y el Festival de cine de Locarno. Nina es mejor conocida por sus papeles en las películas alemanas aclamadas por la crítica PHOENIX, A MOST WANTED MAN, y BARBARA; esta última ganó el Oso de Oro en el Festival de cine de Berlín de 2012. En 2019, Nina ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de cine de San Sebastián por su actuación en THE AUDIENCE. Ese mismo año también actuó en el drama de Katrin Gebbe, PELICAN BLOOD, cuya premier se llevó a cabo en el Festival de cine de Toronto de 2019. Ganó el premio a la mejor actriz de la Asociación de críticos de cine de Toronto en 2016 por su interpretación de Nelly en la película PHOENIX, dirigida por Christian Petzold.

Nina interpretó a Lisa en LITTLE SISTER, la película seleccionada para representar a Suiza en la presentación oficial al Premio de la Academia en 2022 y por cuya actuación recibió críticas favorables.  Hizo su debut en inglés en 2017, cuando interpretó a Astrid la serie de Showtime, HOMELAND.

Actualmente participa en la serie limitada de Netflix Alemania y BRON Studios titulada “Defeated” junto a Taylor Kitsch, Michael C. Hall y Logan Marshall-Green, que dirigieron Måns Mårlind y Bjorn Stein. Próximamente Nina interpretará a Alena Kovac, la Presidenta de la República Checa, en la tercera temporada de “Jack Ryan” para PTV/ Amazon, que estrenará en diciembre de 2022.

SOPHIE KAUER (Olga Metkina)

Sophie Kauer es una violonchelista y actriz británico-alemana. Actualmente se encuentra estudiando interpretación de violonchelo clásico en la Academia noruega de música en Oslo con el reconocido chelista a nivel mundial, Torleif Thedeén. Empezó a tomar clases de violonchelo cuando tenía 8 años, y apenas 18 meses después, fue aceptada en el departamento juvenil de la Real academia de música de Londres, donde estudió 7 años y recibió una beca de estudios. Entre los 13 y los 18 también tomó clases privadas con la distinguida profesora de violonchelo Melissa Phelps. Sophie ha tenido éxito en varias competencias en el Reino Unido, ganando la competencia ‘Search for a Cello Soloist’ y todos los premios que se le presentaron en la Junior Royal Academy of Music hasta que cumplió 16 años. Hizo su debut como solista con orquesta a los 13 años y ha interpretado los conciertos para violonchelo de Dvorak, Elgar y Haydn, además de interpretar recitales como solista desde que tenía 11 años. Sophie ganó el Premio Hattori Foundation Junior y se ganó una beca del International Academy of Music en Liechtenstein. Ha tenido la fortuna de tomar clases con importantes músicos tales como Andreas Brantelid, Vilde Frang, Johannes Goritizki, Henning Kraggerud, Kian Soltani, Troels Svane y Raphael Wallfisch. Sophie toca un violonchelo moderno diseñado por Ragnar Hayn en 2020.

Recientemente grabó la música de la película con la Orquesta Filarmónica de Londres, dirigida por  Natalie Murray Beale, para un álbum que será estrenado por el sello discográfico Deutsche Grammophon.

JULIAN GLOVER (Andris Davis)

Julian cuenta con un extraordinario legado cinematográfico que incluye su interpretación del General imperial Maximilian Veers en THE EMPIRE STRIKES BACK; del despiadado villano griego Aristotle Kristasos en la película de James Bond FOR YOUR EYES ONLY; y del falso nazi estadounidense Walter Donovan en INDIANA JONES AND THE LAST CRUSADE.

Tuvo un papel regular en las temporadas 1 a la 6 de “Game of Thrones” y prestó su voz a una araña gigante en la película HARRY POTTER AND THE CHAMBER OF SECRETS. Recientemente se presentó en el West End en la obra de teatro THE NIGHT OF THE IGUANA.

ALLAN CORDUNER (Sebastian Brix)

Los créditos de Corduner en teatro incluyen “My Fair Lady” (Lincoln Centre, Nueva York); “Murder on The Orient Express” (McCarter, Princeton); “Showboat” (The Sheffield Crucible); “Taken At Midnight” (Chichester y Theatre Royal Haymarket); “Passion” (Donmar Warehouse); “Hello Dolly!” (Regent’s Park); “A View from the Bridge” (Duke of York’s); “The Birthday Party” (Princeton); “Two Thousand Years” (National Theatre); “Comedians” (Acorn Theater); “Fucking Games, Three Birds Alighting on a Field, Icecream and No End of Blame” (Royal Court); “Serious Money” (Royal Court, West End de Londres y Broadway); “Titanic” (Broadway); “Rosmersholm” (Young Vic); “The Boys Next Door” (Hampstead & Comedy Theatre); “Arsenic and Old Lace, Insignificance” (Chichester); “Marya” (Old Vic); “A Midsummer Night’s Dream”; “Play It Again Sam”; “Once a Catholic”; “The Amazons”; y “The Entertainer”.

En televisión, actuó en “Ridley Road”; “FBI”; “The Blacklist”; “Fearless”; “Homeland”; “Call the Midwife”; “Utopia”; “Da Vinci’s Demons”; “Spies of Warsaw”; “Dancing on the Edge”; “Midsomer Murders”; “Zen”; “Lennon Naked”; “Schama’s Power of Art”; “Heartbeat”; “Friends and Crocodiles”; “Daniel Deronda”; “Foyle’s War”; “The Way We Live Now”; “Fat Friends”; “Drop The Dead Donkey”; “Mad About You”; “Nostromo”; “Inspector Morse”; “Mandela”; y “Freud”.

Su participación en películas incluye ABYZOU; OPERATION FINALE; DISOBEDIENCE; FLORENCE FOSTER JENKINS; WOMAN IN GOLD; DEFIANCE; FRED CLAUS; THE WHITE COUNTESS; THE MERCHANT OF VENICE; VERA DRAKE; DE-LOVELY; FOOD OF LOVE; MOONLIGHT MILE; THE GREY ZONE; JOE GOULD’S SECRET; TOPSY-TURVY; THE IMPOSTORS; HEART OF DARKNESS; EDWARD II; TALK RADIO; SHADOWMAKERS; y YENTL.

MARK STRONG (Eliot Kaplan)

A Mark Strong, uno de los actores más fascinantes y carismáticos de la actualidad, lo veremos actuar en las próximas producciones de las películas SQUADRON 42, NOCEBO y MURDER MYSTERY 2, para Netflix. Recientemente lo vimos en la pantalla grande en la multipremiada película de Sam Mendes titulada 1917, y en CRUELLA, de Disney; y en la televisión, en “Temple for Sky”, una serie que también produce.

Los cinéfilos lo han visto actuar en destacadas colaboraciones a lo largo de los años con directores como  Guy Ritchie, en SHERLOCK HOLMES, ROCKNROLLA, y REVOLVER; Ridley Scott, en ROBIN HOOD y BODY OF LIES, por la que recibió una nominación al premio del Círculo de críticos de cine de Londres; y Matthew Vaughn, en KINGSMAN: THE SECRET SERVICE, KINGSMAN: THE GOLDEN CIRCLE, KICK-ASS, y en STARDUST.

 Las actuaciones de Strong incluyen las películas SHAZAM!, de DC; STOCKHOLM, dirigida por Robert Burdreau; 6 DAYS, de Toa Fraser; APPROACHING THE UNKNOWN, del director Mark Elijah Rosenberg; JADOTVILLE, de Richie Smyth; MISS SLOANE, de John Madden, con Jessica Chastain; THE IMITATION GAME, dirigida por Mortem Tyldum; ANNA, de Jorge Dorado; CLOSER TO THE MOON, de Nae Caranfil; WELCOME TO THE PUNCH, de Eran Creevy; BLOOD, del director Nick Murphy; BLACK GOLD, dirigida por Jean-Jacques Annaud; JOHN CARTER, de Andrew Stanton; TINKER TAILOR SOLDIER SPY, dirigida por Tomas Alfredson y que coestelarizó con Gary Oldman y Colin Firth; THE WAY BACK, de Peter Weir, junto a Jim Sturgess; THE GUARD, del director John Michael McDonagh, estelarizada por Brendan Gleeson y Don Cheadle; GREEN LANTERN, de Martin Campbell, donde actuó al lado Ryan Reynolds; THE YOUNG VICTORIA, dirigida por Jean-Marc Vallée, junto a Emily Blunt; ENDGAME, de Pete Travis; GOOD, de Vicente Amorim, junto a Viggo Mortensen; SUNSHINE, del director Danny Boyle; SYRIANA, de Stephen Gaghan, junto a George Clooney; OLIVER TWIST, de Roman Polanski; TRISTAN + ISOLDE, de Kevin Reynolds; IT’S ALL ABOUT LOVE, del director Thomas Vinterberg; HOTEL, de Mike Figgis; FEVER PITCH, de David Evans; SUNSHINE (1999), dirigida por István Szabó; y también para Focus Features, MISS PETTIGREW LIVES FOR A DAY, del director Bharat Nalluri, y THE EAGLE, dirigida por Kevin Macdonald.

Por su actuación en THE LONG FIRM recibió una nominación al BAFTA y además ganó el premio del Sindicato de la prensa audiovisual al mejor actor. Otros de sus créditos en telefilmes y miniseries incluyen “Temple”; “Deep State”; “Nosferatu”; “Our Friends in the North”, dirigida por Simon Cellan Jones y Stuart Urban; “Low Winter Sun”, de Adrian Shergold (que ganó el premio BAFTA [escocés] al mejor drama y recientemente recreó ese mismo papel en Estados Unidos); “Births, Marriages and Deaths”; “The Jury” y “Henry VIII”, de Pete Travis; TRUST, de David Drury; EMMA, dirigida por Diarmuid Lawrence, al lado de Kate Beckinsale; “The Buddha of Suburbia”, de Roger Michell; el episodio titulado “Screenplay” de la serie “Not Even God Is Wise Enough”, dirigido por Danny Boyle; y actuó junto a Helen Mirren para los directores David Drury y Tom Hooper en “Prime Suspect 3” y “Prime Suspect 6”, respectivamente.

Strong también ha actuado en la radio y en los escenarios de teatro, y recientemente se presentó en “The Red Barn” en el National Theatre; y en la obra aclamada por la crítica “A View from the Bridge”, en el Young Vic, que también se presentó en el West End y en Broadway. Por su actuación en “A View from the Bridge” ganó el premio Olivier y el del Círculo de críticos, ambos en la categoría de mejor actor. Fue nominado al Olivier por su actuación en la puesta en escena de Sam Mendes en el Donmar Warehouse de “Twelfth Night” (en la que actuó con el repertorio de “Uncle Vanya”). El público del Reino Unido lo ha visto actuar con la Compañía de teatro Royal Shakespeare en la puesta en escena de Danny Boyle de “Hess is Dead”, entre otras producciones; con el National Theatre, en cuatro producciones para Richard Eyre; en “Death of a Salesman”, de David Thacker, y en “Closer”, de and Patrick Marber, entre otras obras; y en el Royal Court, en la producción de Lindsay Posner de “The Treatment”; en la de Hettie MacDonald de “Thickness of Skin”; y en “Speed-the- Plow”, la producción de Peter Gill en el New Ambassadors.

Strong estudió inglés y teatro en la Universidad de Londres, y posteriormente actuación en la Bristol Old Vic Theatre School.