Reseña de ¡NOP!: Un thriller de terror y ciencia ficción elegante

Lo primero que te preguntarás al conocer el nombre de este thriller de terror será: ¿Por qué se llama “¡NOP!”? Así que básicamente, esa es la pregunta con la que va la mayoría de la audiencia a las salas de cine, creando una pequeña pero enigmática expectativa. Para decirlo en pocas palabras, “¡NOP!” es una película de terror elegante en su trama, originalidad, fotografía y personajes entrañables. Advertencia de spoilers a continuación.

Una historia original y elegante

La simplicidad de la historia de “¡NOP!” hace que pueda parecer como una película más acerca del fenómeno OVNI. Sin embargo, el giro fundamental de la trama transforma por completo la película, pasando a ser más que una historia de un encuentro cercado del tercer tipo, hacía una especie de slasher masivo con un asesino muy particular.

En este caso, nuestro asesino o depredador, es un animal extraterrestre, apodado Jean Jacket, que se asemeja a la imagen que todos identificamos como un platillo volador. A lo largo de la historia de la humanidad, se han reportado avistamientos en diferentes partes del mundo que describen objetos voladores con esta forma. Así que es una presentación bastante orgánica para la audiencia el encontrarse con un platillo volador, pero la sorpresa definitivamente es descubrir que esa “nave” en realidad está viva y está devorando personas y animales en las cercanías del rancho Haywood.

Gordy y Jean Jacket pierden el control

El director Jordan Peele utiliza hábilmente una subtrama dentro de la historia como un paralelismo para explicar el comportamiento violento de Jean Jacket.

La historia del chimpancé Gordy podría parecer completamente fuera de lugar, pero justamente es la que da pie para presentar un banquete a Jean Jacket, luego que el director de la feria creara un show invitando personas a ser testigos de la forma de alimentarse de Jean Jacket, ofreciéndole caballos a la criatura.

Gordy sería la manera de explicarnos cómo un animal que podríamos considerar “domesticado” o entrenado, puede llegar a perder el control y tornarse violento y agresivo en contra de las personas que le rodean. Básicamente, este es el mismo caso de Jean Jacket, un animal que había estado presente, sigiloso y “amigable” en el cielo durante varios meses, pero que un día sencillamente se convirtió en una amenaza súmamente peligrosa.

Adicionalmente, la referencia de Gordy tiene su origen en un sueño del director Peele en el que veía a un chimpancé atacar a unas personas y luego correr hacia él para abrazarlo. Pero también es una referencia a un hecho de la vida real ocurrido en 2009, cuando un chimpancé actor atacó (fuera del set) a Charla Nash, una vieja amiga de la dueña del animal. Nash sobrevivió al ataque, pero quedó desfigurada de una manera similar al personaje de Mary Jo Elliot (Sophia Coto) en “¡NOP!”.

Personajes entrañables

Esta película está repleta de personajes entrañables. Comenzando con los dos protagonistas principales, los hermanos OJ y Emerald Haywood, interpretados carismáticamente por Daniel Kaluuya y Keke Palmer respectivamente. Y continuando con otros personajes de menor relevancia, pero que aderezan estupendamente la trama, como el director de feria Ricky “Jupe” Park interpretado por Steven Yeun a quien reconocerán por su personaje Glenn en la serie de televisión “The Walking Dead”; el vendedor Angel Torres interpretando por Brandon Perea; y el enigmático documentalista de animales salvajes, Antlers Holst interpretado por Michael Wincott.

Todos brillan junto a los protagonistas en sus momentos oportunos. Haciendo posible que el misterio se vaya revelando paulatinamente a lo largo de la historia.

En conclusión, “NOP” no es una película para cualquier amante del género de terror. Tiene que ser también un fanático de la ciencia ficción extraterrestre, para que pueda disfrutar de este thriller de Peele que casi con seguridad pasará a ser una película de culto por lo original de su historia. Por supuesto, muchas personas sencillamente detestarán el hecho que el OVNI fuese un “animal salvaje” que estuviese devorando personas con un camuflaje de nube desde los cielos. Dicho así, pareciera que estuviéramos hablando de una película estilo Sharknado…

Pero nada está más lejos de la realidad de esta cinta, ya que Jean Jacket es un personaje nunca antes visto, por lo que se admite en gran medida una libertad creativa, como por ejemplo su aspecto “evolucionado” o en modo de ataque, que se asemeja mucho al aspecto de los globos aeroestáticos con cortes de paracáidas o parapentes modernos mezclado con una medusa de mar. Pensándolo bien, no sería de extrañarse que un animal que pueda flotar en el aire tuviese un aspecto de este tipo.

Anatomía de Jean Jacket

Incluso algunas personas en internet se han tomado la molestia de analizar cómo podría ser la anatomía del sistema digestivo de Jean Jacket, el resultado se puede apreciar en estas imágenes obtenidas vía la publicación de Trevor Roberts en Reddit.

Por último, pero no menos importante, la revelación de la pregunta original. La película se llama “NOP” como un guiño a la negación nerviosa de OJ ante las situación de vida o muerte mientras de enfrenta al depredador Jean Jacket.

Notas de la producción de “NOP”

El ganador del Óscar, JORDAN PEELE irrumpió y redefinió el horror moderno con las películas ¡Huye! en 2017, y con Nosotros en 2019. Ahora presenta una versión renovada de las películas del verano con la nueva epopeya expansiva de horror titulada ¡Nop!, una oscura pesadilla pop de ciencia ficción extraña, y un complejo thriller social que desentraña las semillas de la violencia, el riesgo y el oportunismo, que son inseparables de la historia romántica del Oeste estadounidense… y del propio mundo del espectáculo.

Esta película reúne a Peele con el actor ganador del Óscar, DANIEL KALUUYA (¡Huye!, Judas and the Black Messiah); y al elenco se unen la actriz KEKE PALMER (Hustlers, Alice) y el actor nominado al Óscar, STEVEN YEUN (Minari, Okja), y juntos interpretan a residentes de un solitario barranco del Sur del estado de California que son testigos de un descubrimiento extraño y escalofriante. 

¡Nop! se sitúa a las afueras de Los Ángeles, en el árido y accidentado Valle de Santa Clarita, en el Sur de California, donde los hermanos OJ Haywood (Daniel Kaluuya) y Emerald Haywood (Keke Palmer) han heredado un rancho de caballos de su padre, Otis Haywood Sr., una leyenda de la industria del entretenimiento, papel que interpreta el actor ganador del Emmy KEITH DAVID (21 Bridges, Crash), que ha dedicado su vida al arte del cuidado y entrenamiento de animales para el cine y la televisión. Es un negocio duro, y a pesar de sus habilidades y el arte de su profesión, OJ y Emerald se enfrentan a desafíos financieros y a la angustia inherente a este oficio en el que los animales son el talento. Junto al rancho Haywood se encuentra Jupiter’s Claim, un parque temático de diversiones y un zoológico de mascotas para toda la familia basado en la historia y la estética de la fiebre del oro de California, cuyo propietario es Ricky “Jupe” Park (Steven Yeun), una ex estrella infantil con una historia trágica de la que ha pasado toda su vida tratando de escapar.

OJ y Emerald empiezan a observar fenómenos inexplicables en su vasto rancho que los lleva a una obsesiva y absurda situación —la trama intenta capturar el misterio con una cámara. Las payasadas durante su búsqueda de documentación, a través de montajes cada vez más elaborados y peligrosos, ponen en riesgo lo único que realmente tienen: el negocio que tanto esfuerzo les costó levantar a su difunto padre, que se parecía a John Henry, y que les ha dejado una silla muy grande para llenar. Las cosas suben de tono cuando los hermanos solicitan la ayuda experta de Angel Torres (papel que interpreta BRANDON PEREA; The OA, American Insurrection), el empleado de la tienda Fry’s Electronics, y del aclamado director de fotografía Antlers Holst (interpretado por MICHAEL WINCOTT; Hitchcock, Westworld), quien está a punto de jubilarse. A medida que sus esfuerzos y su arrogancia cruzan un punto donde ya no hay marcha atrás y que elevan las apuestas a consecuencias aterradoras, nuestros héroes son arrastrados directamente al ojo de una tormenta irreversible. El resultado es un espectáculo de horror expansivo con un núcleo íntimo y emocionalmente complejo.

¡Nop! es escrita, producida y dirigida por JORDAN PEELE y producida por IAN COOPER p.g.a. (Nosotros, Candyman), para la compañía Monkeypaw Productions. Los productores ejecutivos del largometraje son ROBERT GRAF (Bombshell, No Country for Old Men, True Grit) y WIN ROSENFELD (Hunters, BlacKkKlansman).

En la cinta también actúan WRENN SCHMIDT (For All Mankind) y BARBIE FERREIRA (Euphoria); TERRY NOTARY (The Square); DEVON GRAYE (I Don’t Feel at Home in this World Anymore); la actriz ganadora del Daytime Emmy DONNA MILLS (Knots Landing); OSGOOD PERKINS (director de Gretel & Hansel); y EDDIE JEMISON (actor de la franquicia de Ocean’s 11).

El equipo artístico de ¡Nop! incluye al director de fotografía nominado al Óscar, HOYTE VAN HOYTEMA asc, fsf, nsc (Dunkirk, Let the Right One In); a la diseñadora de producción RUTH DE JONG (Twin Peaks, Manchester by the Sea); al supervisor de efectos visuales ganador del Óscar, GUILLAUME ROCHERON (1917, Life of Pi); y al editor NICHOLAS MONSOUR (Nosotros, Action Point). El vestuario fue diseñado por ALEX BOVAIRD (The White Lotus, American Honey), la música es de MICHAEL ABELS (Bad Education, Get Out), y el casting lo realizó la ganadora del Emmy CARMEN CUBA, csa (The Power of the Dog, Stranger Things). ¡Nop! será estrenada en los cines a nivel mundial por Universal Pictures.

La historia

Tras el éxito de ¡Huye! y Nosotros, películas que revolucionaron y redefinieron el género de horror de forma singular, Jordan Peele estaba ansioso por expandir su lienzo cinematográfico, aceptar un desafío como ningún otro en su carrera cinematográfica hasta el momento y abordar lo más notable de las películas de género: las películas que se estrenan durante el verano, que son grandes eventos cinematográficos. “¡Nop! tiene un alcance mayor que cualquier historia que haya intentado contar”, puntualiza Jordan Peele. “Y desde una perspectiva cinematográfica, el proceso ha sido una aventura en sí mismo. Todos los departamentos han asumido grandes riesgos y se han comprometido a fondo. Traté de escribir un guion para una película que no sabía cómo llevaría a cabo. Y luego reuní un equipo que me ayudara a lograrlo”.

Cuando comenzó a explorar las opciones, había un subgénero en particular de las películas evento del verano que se sentía especialmente maduro para la reinvención. “Mi  idea era hacer una gran película estadounidense de ovnis —una película de horror sobre platillos voladores”, explica Peele, “yendo mucho más allá, logrando la quintaesencia del género, que es laborioso y difícil de lograr porque tiene un lienzo enorme que debes tener en cuenta— el cielo. Close Encounters of the Third Kind es una gran influencia para mí por su alcance y su visión, pero sobre todo por la capacidad de Steven Spielberg de hacernos sentir que estamos en presencia de algo de otro mundo. Esa experiencia inmersiva era algo que yo también quería lograr desesperadamente. Sin embargo, dentro de ese género, solemos aplicar todas esas maravillosas cualidades a alguna civilización alienígena avanzada. Pero ¿y si la verdad es mucho más simple y oscura de lo que podríamos imaginar?”

Como ocurre en todas las películas de Jordan Peele, lo que sea que pienses que va a ser ¡Nop! cuando vayas a verla al cine, te vas a llevar más de una sorpresa. “La razón por la que somos tan reservados tanto en nuestros tráileres como en nuestro material publicitario es que todos secretamente sabemos que lo más divertido es entrar en algo con poca información”, señala el productor Ian Cooper. “Jordan diseña películas que garantizan la máxima diversión cuando no estás muy seguro de en qué te estás metiendo”. 

Definitivamente nunca volverás a mirar el cielo de la misma manera. “Obviamente, esta es una película de horror, pero tiene un concepto de ciencia ficción”, apunta Cooper. “Para nosotros era realmente importante que hubiera un equilibrio y asegurarnos de que se sintiera más el horror que la ciencia ficción. Al principio, Jordan decía: “Tengo la esperanza de que después de esta película la gente mire las nubes del mismo modo que miraban la superficie del océano en la cinta Tiburón”. Incluso durante la filmación, cuando había nubes reales en el cielo, podías imaginar lo desconcertante que sería tener esa fobia”.

Como en todas las películas de Peele, ¡Nop! se sumerge en temas e ideas más profundos mientras emociona, aterroriza y entretiene. La película es tanto un espectáculo en sí mismo como un examen de cómo el espectáculo da forma a nuestra cultura y a la idea que tenemos de nosotros mismos. Cuando los personajes centrales de la película se encuentran con este fenómeno inexplicable en los cielos alrededor del rancho Haywood, cada uno de ellos, por diferentes razones y de diferentes maneras, se ve atraído por la búsqueda de documentar esta anomalía. “El ADN de la película tiene esta gran pregunta sobre la adicción humana al espectáculo”, explica Peele, “y lo que sucede cuando se involucra el dinero: se produce esta explotación masiva de algo que debería ser puro y natural”.

El título inicial de la película, de hecho, hizo explícito el tema. “Originalmente, el título en el que Jordan estaba pensando era ‘Little Green Men’ (‘Hombrecitos Verdes’), así que incluso desde las primeras conversaciones, había un acoplamiento entre la idea de la búsqueda de la fama y la fortuna, y la búsqueda de documentar la existencia de vida más allá de la Tierra”, comenta Cooper. “El doble sentido de ‘Little Green Men’ era una forma de hablar de los billetes de un dólar estadounidense, así como sobre extraterrestres y lo desconocido”.

¡Nop! es también una exploración y una crítica del cine y de la propia industria cinematográfica. “Me propuse diseñar algo que criticara lo que hacemos y que lo honrara por igual”, observa Peele. La película pone en evidencia la vida de los artistas especializados que trabajan entre bastidores (conocidos como el equipo “below the line” en la jerga de la industria) —los entrenadores de animales, los directores de fotografía, los expertos en tecnología— que crean las imágenes imborrables que vemos en la pantalla, pero a los que nunca vemos. Además, pone de manifiesto la realidad de los actores que han sido desechados, especialmente los niños actores, que son abandonados por la industria una vez que dejan de ser adorables activos taquilleros. “¡Nop! es una película sobre la búsqueda de ser visto y    usando la expresión millennial —‘Pics or it never happened’ (‘Si no hay fotos, esto no sucedió’), dice Cooper. También es un análisis de la crisis existencial de ser una persona below the line en la dicotomía de Hollywood —básicamente ser visible o no serlo— pero a la vez ser parte y cómplice de la creación del espectáculo en la pantalla”.

Esa idea se resume en una famosa serie de 16 fotografías secuenciales que muestran a un jinete negro a caballo. Creada por Eadweard Muybridge en 1887, el circuito de imágenes conocido como Animal Locomotion, Lámina 626, es uno de los primeros ejemplos de cronofotografía, un método antiguo para registrar fotográficamente el paso del tiempo, que sentó las bases de lo que se convertiría en imágenes en movimiento y en los cimientos de toda la industria cinematográfica. Estas fotografías se encuentran en la colección permanente de la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C. El nombre del caballo y el nombre de su propietario están registrados. El nombre del jinete negro, sin embargo, no lo está, y se ha perdido en la historia. “Ian Cooper me dio el libro sobre Eadweard Muybridge”, relata Peele. “Y esa fue realmente la ‘clave’ para descubrir algunos de los comentarios, la exploración de los medios, de Hollywood y de la propia industria del cine —y la explotación que es y siempre ha sido inherente a esta industria”.

El simbolismo de esas imágenes es difícil de olvidar. “Jordan se sintió atraído por la idea de que la estrella de cine original —el actor, el doble de acción y el entrenador de animales— se vuelven uno solo en el jinete de Eadweard Muybridge; un hombre negro desconocido de perfil que cabalga a perpetuidad”, observa Cooper.

En la película, los hermanos OJ y Emerald Haywood son los descendientes y herederos de ese legado tanto a nivel literal como metafórico. “En esencia, esta película trata sobre un hermano y una hermana, y sobre su capacidad para pasar de un lugar en el que no se conectan a un lugar en el que se entienden y reconocen que siempre se han visto”, dice Peele. “La película trata sobre el espectáculo y nuestra adicción al mismo, y el hecho de que nos sentimos atraídos por él. Pero también se trata de nuestra necesidad interior de ser vistos, de ser reconocidos por quienes somos y por lo que somos”.

Y, en las personalidades, OJ y Emerald reflejan la dualidad de la industria, y la que hay dentro del propio Peele. OJ prefiere la paz y la soledad del anonimato y disfruta de su trabajo. Emerald busca llamar la atención y quiere brillar. “En muchos sentidos, OJ y Emerald representan dos lados diferentes de mi personalidad”, reconoce Peele. “Por un lado, me gusta mi privacidad. Como a la mayoría de la gente, la idea de que un montón de gente me esté mirando al mismo tiempo me aterra, y resulta que entré en esta carrera que me pone delante de todo el mundo. Entonces, esta loca yuxtaposición en mi vida es lo que estos personajes tratan de mostrar”. 

También vale la pena señalar que ¡Nop!, por el mero hecho de existir, es una especie de alusión sobre el anonimato de aquel jinete negro de 1887 y la creciente visibilidad de los negros, los indígenas y las personas de color tanto delante como detrás de la cámara. “Esta película no trata de la raza per se, aunque la raza interactúa con esta idea de la especta-cularización y la explotación”, señala Peele. “Pero en sí misma, la película pretende ser una cinta que no se podía haber hecho hace cinco años, en el sentido de que es una pieza de contenido original, protagonizada por personas negras, dirigida por una persona de color, con un gran presupuesto y algunas locuras incluidas. Se supone que esa película no se podría hacer. Así que, en el alma de la película, por el solo hecho de existir, tenemos la obligación de reconocer a toda la gente a la que no se le ha permitido ser reconocida por su trabajo, a aquellos a los que no se le ha dado la oportunidad de triunfar o fracasar. Creo que de eso trata la película”.

También es, en un nivel de entretenimiento puro, un viaje muy divertido. “¡Nop! fue escrita en 2020 durante la pandemia”, comenta Peele. “Fue una época de locura. En muchos sentidos, la película es un reflejo de todos los horrores que sucedieron ese año y siguen ocurriendo. En cierto modo, esta película fue mi manera de escaparme del día a día y lo que quiero ofrecer al público es un escape de su cotidianeidad”. En cuanto al título, Peele explica: “¡Nop! significa muchas cosas. Siempre me gusta meterme en la cabeza de mi público. Y creo que hay mucha gente que no quiere ver una película de horror, ni algo tan oscuro o tan jodido. ¡Nop! es una invitación para ellos, para decirles: ‘Oye, te conozco y esta película te dará miedo, pero al menos, te invito a verla. Estoy reconociendo que tienes un lugar en este género’. Y porque, como ya es sabido, los negros siguen reglas bastante simples, hay ciertas cosas que nos harán decir: ‘¡Nop! ¡Ya basta! ¡Fuera! ¡Me voy!’”

Para Peele y Cooper, que han sido amigos desde la adolescencia, la película, a nivel personal, es un homenaje a su juventud. “Cuando teníamos 15 años, Ian y yo solo mirábamos películas”, recuerda Peele. “Mientras nuestros otros amigos y otros adolescentes estaban en la calle haciendo cosas geniales como probar drogas, teniendo sexo o algo más, nosotros estábamos en una habitación tratando de elegir entre Alien y Point Break. Así que es un gran honor poder pasar por todo este proceso con él. Ian un artista tan increíble que yo sabía que tenía las habilidades necesarias para convertirse en el mejor productor de cine. No puedo hacer lo que hago si estuviera solo. Trabajar con Ian es como tener un ejército de un solo hombre que siempre está cuidándome las espaldas”. Cooper agrega: “Hablamos mucho sobre tratar de hacer películas que nos hubieran encantado cuando éramos jóvenes y que hubiéramos querido ver una y otra vez para comprenderlas mejor. Creo que parte de nuestra dedicación a hacer películas tan matizadas y complejas como las que hacemos es un tributo a la noción de la máquina del tiempo de atraer a los soñadores que éramos cuando teníamos 15 años”.

Aquellos soñadores de 15 años ahora están reinventando activamente las películas de género que estudiaron hace tantos años. “Me encanta el género porque hay una expectación”, dice Peele. “Es un conjunto de pautas o reglas sobre cómo cuentas ciertas historias para lograr un determinado efecto emocional. Y como miembros del público, todos hemos categorizado eso; y realmente nos ayuda a saber qué película vamos a ver. Eso nos da la oportunidad de subvertirlo. Justo cuando crees que se supone que debes estar asustado, te encuentras con algo que te hará reír. Cuando esperas algo que va a ser divertido, recibes algo que podría hacerte llorar. A través de ese proceso de tratar de subvertir el género, lo que hemos conseguido son películas que no se pueden categorizar por completo”.

Los personajes

OJ Haywood (Daniel Kaluuya)

El papel de OJ Haywood reúne a Daniel Kaluuya con Jordan Peele por primera vez desde ¡Huye!, en 2017. OJ es el centro moral de la película. La repentina y misteriosa muerte de su famoso padre, Otis Haywood Sr. (Keith David), ha dejado a OJ complicado con la administración del rancho familiar, que entrena caballos para producciones de cine y televisión. Aunque él trabaja en Hollywood, su mundo lo vive mayormente aislado en el rancho Haywood, situado en la comunidad de Agua Dulce, y se siente más cómodo haciendo su trabajo y manteniendo la cabeza baja. Cuando su hermana Emerald (Keke Palmer) regresa al rancho, comienzan a aflorar algunas viejas tensiones y heridas.

“Conocemos a OJ después de que su padre ha fallecido debido a un extraño incidente que es inexplicable”, dice Kaluuya. “Cuando él vuelve a administrar el rancho de caballos, se encuentra en un lugar en el que todo se está desmoronando. Su hermana regresa a su vida y hay fricciones. Él está tratando de averiguar su propósito en la vida, el por qué está aquí, tratando de responder a todas las preguntas extrañas que tiene, y emprende un viaje”. 

Peele escribió el personaje de OJ pensando en Kaluuya. “Tengo que decir que este es mi papel favorito para Daniel Kaluuya, y siempre que puedo trabajar con él me entusiasma porque sé que compartimos un lenguaje emocional muy común”, señala Peele. “En última instancia, somos muy sinceros el uno con el otro, por lo que nuestras conversaciones se sienten como una especie de misiles buscadores de calor”.

Peele pudo escribir un OJ con pocos diálogos, sabiendo que su estrella podía comunicar matices de emoción y significado con una sola mirada. “Aproveché el hecho de que Daniel es inmensamente vigilante”, explica Peele. “OJ es un hombre de pocas palabras, y sé que Daniel es el tipo de actor que no las necesita para comunicarse. Es alguien que, en esos momentos de tranquilidad, atrae aún más al público. Hay momentos de esta película que van al ritmo de OJ y necesito que sean tan fascinantes como los momentos de la película que van al ritmo de Emerald. Daniel es el único actor que podría haber logrado eso. Uno de los ingredientes que lo convierten en el increíble actor que es, es que él es un observador y un buen oyente. Observa todo lo que le rodea y es sensible a ello. Y eso es lo que quiere en un protagonista: alguien con quien el público pueda identificarse porque también está observando”.

Para Kaluuya, el papel fue una oportunidad para profundizar en la vida interior de OJ. “Me encanta lo silencioso que es OJ”, dice Kaluuya. “Me quedo mucho en silencio y a veces dejo de hablar. Así que me encanta la escena en la pantalla de un hombre pensando, ensimismado. Ha sido experiencia actoral diferente porque una mirada puede ser una línea. En algunas escenas, sé que mi pensamiento o mi mirada le van a decir algo al público. Soy el sustituto del público y a veces voy por delante en términos de información. Tengo que ayudarlos a entender. Así que como actor, debes tener muy claro lo que estás pensando”. 

La relación de OJ con su hermana es el centro emocional de la película. “Según Jordan, Emerald tiene la personalidad de su padre”, comenta Kaluuya. “Por eso, ella es la sucesora natural del rancho en términos de su energía y personalidad, pero OJ es el que se quedó allí. Hay políticas familiares, pero también hay un amor innato entre ellos, que es lo más emocionante de esta película: mostrar a un hermano y una hermana siendo amigos y siendo reales”. 

Los hermanos atraviesan un período de inestabilidad y conmoción en sus vidas. “En cierta manera, ambos parecen haber perdido el timón”, dice Ian Cooper. “OJ está perdido en el dogma del entrenamiento de su padre, sin ninguna oportunidad de libre pensamiento. Su principal objetivo es perpetuar el negocio que ha heredado de su padre para llegar a fin de mes. Y Emerald, cuya mirada es diferente, está en un estado constante de intentar reinventarse, de intentar ser vista, tratando de crecer más allá de la rigidez y el aislamiento de su crianza”.

Interpretando el papel de OJ, Kaluuya pasó mucho tiempo con caballos y montando a caballo, y la experiencia le pareció enriquecedora y conmovedora. “Me encantaba la relación de OJ con los caballos”, puntualiza Kaluuya. “En realidad yo no sabía montar a caballo y tenía menos de un mes para aprender. Pero sabía lo que buscaba porque, para mí, la clave de OJ es su conexión con los caballos. Son realmente sus amigos. Así que supe que tenía que entender la vida de los animales a otro nivel y observar cómo se ve a sí mismo a través de sus amigos. Siento que se aflige con los caballos; ahí hay una comunicación. Es cierto que los caballos tienen espíritu; tienen personalidades. Suena extraño, pero creo que OJ está conectado a la Tierra”. 

Desde que Kaluuya y Peele trabajaron juntos por primera vez hace cinco años, sus vidas han cambiado radicalmente. Para empezar, ambos ganaron un Premio de la Academia y sus carreras se han disparado. El actor comenta cómo ha evolucionado su director. “Jordan ha crecido mucho como cineasta”, señala Kaluuya. “¡Huye! fue una carrera corta, pero ¡Nop! es más grande en escala y en alcance. Ahora simplemente es un estilo diferente de hacer cine. Se adentra en los personajes y en los momentos con montajes increíbles que se graban en tu mente. Tiene un ritmo y una cadencia diferentes”.  

Pero aquello que los unió hace años permanece intacto. “Lo que me encanta de las películas de Jordan es que son difíciles de describir”, observa Kaluuya. “Hay que experimentarlas. Siempre hay una premisa eterna real y luego una verdad real en el medio de ella”. El guion de ¡Nop! era misterioso y diferente a todo lo que Kaluuya había leído, pero sabía que podía confiar en el hombre que lo había escrito. “Siempre confío cuando no conozco algo”, dice Kaluuya. “Pero solo puedo confiar cuando sé que al director le apasiona, que lo entiende, que lo siente. Y eso siempre ocurre con Jordan”.  

Emerald Haywood (Keke Palmer)

Aspirante a actriz, cantante y doble de acción, Emerald Haywood, interpretada por Keke Palmer, parece, al principio, ser lo opuesto a su hermano OJ en aspectos fundamentales. Encantadora y extrovertida, busca la atención para compensar su deteriorada crianza, y no soporta la soledad y el silencio. Preferiría estar desarraigada, viviendo en un sofá o durmiendo en las ruidosas calles de Hollywood, antes que regresar al restringido aislamiento de su hogar familiar. Un momento decisivo de su infancia marcó para siempre su relación con OJ y su padre. Tiene un estrecho vínculo con OJ, a pesar de que evita cumplir su papel en el negocio familiar.

“Emerald Haywood realmente no está haciendo gran cosa, pero sabe salirse con la suya”, dice Palmer. “Tiene carisma y sabe conectar con la gente, pero no tiene mucha disciplina ni una idea clara de hacia dónde se dirige. Está en esa fase de encrucijada por la que muchos de nosotros hemos pasado donde odiamos volver a casa, porque nos recuerda quienes éramos; y eso no es lo que somos ahora y no sabemos si nos sentimos bien con ello. Pero al mismo tiempo, el hogar es donde está tu corazón y tienes que experimentar el mundo de algunas de las malas maneras para realmente llegar a apreciarlo”. 

Jordan Peele trabajó por primera vez con Palmer hace una década y sabía que sería perfecta para el papel. “Keke siempre ha sido Emerald para mí”, dice Peele. “Trabajé con ella hace diez años en la serie Key & Peele. Hizo un pequeño papel como invitada, interpretando a la iracunda traductora de Malia Obama. Creo que Keke tiene esa cualidad que tiene el brillo, y yo quería que Emerald tuviera esa cualidad, esa chispa. Hay algo en la energía de Emerald que es contagioso y sientes que hay un destino en juego, como si fuera a conseguir las estrellas que busca. Con muchos de mis personajes, soy conocido por escribir para los actores. Y luego, cuando me reúno con ellos y hablamos, encuentro formas de llevar a los personajes a nuevos lugares. Y como colaborador, no podría pedir a nadie mejor que Keke”.

Emerald también representa algunos de los temas centrales de la película, ya que vive la mayor parte de su vida públicamente en las redes sociales. “La obsesión de Emerald con las redes sociales y por ser una influencer es una gran parte de lo que estamos hablando en la película, en términos de siempre perseguir algo que está fuera de ti o buscar algo que te valide”, explica Palmer. “Emerald se siente tan atraída por eso, ya sea porque creció en California, o en la industria del cine, o porque solo quiere ser vista y nunca se ha sentido así. Creo que todos pueden identificarse con Emerald porque muchos de nosotros, queramos admitirlo o no, tenemos el deseo de ser vistos”. 

 Su relación con su hermano esconde una herida más profunda para Emerald, y él es, indudablemente, la relación más cercana en su vida. “La relación de Emerald con OJ es muy pura y honesta”, comenta Palmer. “Es lo que considerarías como un bromance, donde hay muchas cosas que no se dicen. Hay muchas cosas que solo se sienten pero no se escuchan, por lo que es posible que no puedas saber lo unidos que están hasta que la cosas se compliquen”. 

Cuando la cosa se pone fea –y difícil– Emerald demuestra ser una fuerza que hay que tener en cuenta. “Emerald es el tipo de personaje que generalmente solo pueden interpretar los hombres”, dice Palmer. “Ella es genial y temeraria. No se toma a sí misma demasiado en serio, pero al mismo tiempo tiene algunas ventajas. Ella es realmente genial”. 

 Para Palmer, la experiencia de hacer ¡Nop! y trabajar con Peele le inspiró a reflexionar sobre el estado de nuestra cultura y de nosotros mismos. “Para mí, la película trata de perseguir algo que está fuera de ti y hacerlo hasta tal punto que no te das cuenta, hasta que es demasiado tarde, qué era aquello que tú ya tenías”, dice Palmer. “Ya sea involucrándote en lo que dicen en las noticias o volviéndote loco en tu carrera, como creo que todos lo hacemos. Somos casi como polillas, siempre yendo hacia la luz. Sabemos que en realidad no necesitamos ir hacia la luz, pero de alguna manera hemos perdido el autocontrol para resistirnos a ella. Se trata de decir no a esas cosas superficiales que realmente no nos sirven. Nos estamos perdiendo sin siquiera darnos cuenta cuando, en realidad, el amor, la validación y la seguridad que buscamos, siempre estuvo ahí. Siempre estuvo dentro de ti, y generalmente en casa, con tu familia”. 

Ricky “Jupe” Park (Steven Yeun)

Ricky “Jupe” Park, papel que interpreta el actor nominado al Óscar, Steven Yeun, es una ex estrella infantil explotada y luego descartada por Hollywood, quien, en su edad adulta, ha tratado de monetizar su explotación creando el parque temático de la fiebre del oro de California “Jupiter’s Claim”, llamado así por un famoso personaje que interpretó en una exitosa película. “Jupe Park fue parte de una gran película llamada Kid Sheriff”, anota Yeun. “Él no era el protagonista, pero ese papel lo volvió una estrella. Y luego le dieron un papel en una comedia de televisión en los años 90, durante la cual un día durante el programa, fue sujeto de un suceso verdaderamente horrible e infame. Después de eso, su carrera nunca fue la misma. Nunca pudo volver a transmitir la energía en el trabajo que tenía en el pasado. Y ahora lo vemos hecho un adulto, habiendo estado encerrado en la mentalidad de esa época, y no sé si él es completamente conciente de ello”.

En múltiples niveles, Jupe representa el lado más oscuro de la industria del entretenimiento. “La fama —especialmente para los chicos jóvenes cuando aún no se han formado— puede ser una identidad que mantienen para sí mismos”, comenta Yeun. “El peligro es que se conviertan en una especie de amalgama de las proyecciones de los demás. Entonces, en el caso de Jupe, tal vez solo esté intentando apaciguar esas proyecciones y encajar en el molde en el que lo han colocado. En cierto modo, la forma en que se mantiene cautivo por esa mirada, por ese espectáculo en el que se ha convertido, es casi un consuelo para él —una prisión cómoda que puede entender”. 

Jupe no solo está preso de su pasado, sino de una fantasía que domina tanto su realidad como su identidad. “Como actor infantil, Jupe fue realmente traicionado por la industria y, sin embargo, todos estos años después, sigue deseando estar en ella”, dice Jordan Peele. “Todavía no ha despertado de ese sueño. El verdadero daño que genera esta industria por ser visto es que, pase lo que pase, te enseñan que se supone que debes quererla, y que tu valor está ligado a cómo te ven, a cómo te interpretan, y al éxito que tengas en esta industria. Incluso después de que te lo quitan, no significa necesariamente que hayas dejado esa adicción. Jupe siempre será un adicto al espectáculo”.

Casado y con tres hijos preparados para el mundo del espectáculo, Jupe se entera del misterioso fenómeno en el rancho Haywood y percibe una oportunidad de oro. “Para Jupe, este fenómeno inexplicable en el rancho es como un pase de salida”, dice Yeun. “Es un boleto de vuelta a donde él cree que quiere estar. Cree que lo liberará de las ataduras de las expectativas de los demás, pero no puede escapar de sí mismo y de su propia prisión. Este fenómeno puede ser su despertar, pero también su destrucción”.  

Jupiter’s Claim es también uno de los escenarios más espectaculares de la película y ahora es una atracción permanente en el mundialmente famoso recorrido por Universal Studios Hollywood. Yeun recuerda vívidamente la primera vez que lo vio durante el rodaje. “Cuando entré por primera vez en el set de Jupiter’s Claim, recuerdo haber sentido algo como, ‘Oh, esta es la pesadilla de Jupe. Este es su sueño febril. Esta es su prisión que él no sabe que ha construido’”, señala Yeun. “Jupiter’s Claim parece algo nacido de un empresario, pero cuando te fijas en los detalles, lo aterrador es que Jupe está realmente atrapado en una realidad que le fue impuesta”.  

Dentro de la historia de Jupe está la de una tragedia en el set del programa de televisión Gordy’s Home, que acabó tanto con el programa como con la carrera de Jupe.

A lo largo de ¡Nop!, los personajes se revelan unos a otros, a nosotros, al público, y a menudo a sí mismos de maneras inesperadas. “Esa sensación de vivir una vida que ha sido construida por las expectativas o proyecciones de otras personas sobre quién eres, es algo por lo que ahora todos estamos pasando como parte de la cultura”, dice Yeun. “Todos estamos en el Internet y en las redes sociales, y muchos de nosotros estamos creando personajes públicos que dan forma a cómo nos ven los demás y cómo nos vemos a nosotros mismos, y nos estamos dando cuenta de lo que eso nos hace”.  

Antlers Holst (Michael Wincott)

Antlers Holst es un solitario y venerado director de fotografía a punto de jubilarse que se ve atraído por el mundo de OJ y Emerald cuando ellos se ponen en contacto con él y le piden que filme un misterioso fenómeno en su rancho, un fenómeno que parece, de hecho, no poder ser filmado. Interpretado por Michael Wincott, Holst es imperturbable, está harto y es un poco cascarrabias, pero es incapaz de resistirse a la solicitud. Atraído por el reto, él es adicto al espectáculo y ha pasado su carrera siendo cómplice de la explotación inherente a la industria cinematográfica.

“Como nuestro director de fotografía experto que trata de capturar esta loca situación, Holst aporta un metaelemento a la película —porque es una película sobre cómo hacer películas”, dice Jordan Peele. “Holst es, a todos los efectos, el mago de esta historia. Tiene la llave para hacer posible toda la misión. Creo que mucha gente probablemente establecerá la conexión correcta entre su personaje y el actor Robert Shaw en la película Tiburón”.

Holst, dice Wincott, “es una figura enigmática. Es el Ahab de Jordania, que busca obsesivamente una respuesta a su fragilidad y la de los demás. No es solo la toma perfecta lo que lo consume”.

Durante su preparación, Wincott pasó tiempo con Hoyte van Hoytema, el director de fotografía de ¡Nop!, para aprender las habilidades de este arte. “Jordan hizo que Michael me siguiera para que aprendiera sobre las cámaras”, comenta Hoytema. “Le enseñamos cómo operarlas, cómo ver la luz y todo lo relacionado con la tecnología. Se mostró muy interesado y comprometido. Fue agradable conversar un poco con Michael y Jordan, porque los directores de fotografía siempre son retratados de una manera muy caricaturesca: son los bichos raros a los que les encanta saber y compartir todo sobre el equipo con el que trabajan. Entonces, elegir el equipo con el que trabajaría Holst se volvió muy importante y fuimos meticulosos con sus cámaras, con cómo deberían ser y cómo deberían funcionar. De igual manera, empezamos a reconstruir algunas cámaras para él. Rediseñamos la cámara Mark II, la mismísima cámara IMAX que subió al espacio. Construimos una manivela para ella con la ayuda de Panavision, así como la Reflex 2C, que es una cámara clásica de 35 milímetros. Él estaba totalmente equipado y era incluso más nerd que la mayoría de los directores de fotografía que conozco en la vida real. Y como pueden ver, estoy usando una bufanda. Forma parte de mi kit cotidiano. Y cuando vean película, verán que Holst también lleva una bufanda, y en realidad, la que está usando es una de mis favoritas. La autenticidad es muy importante”.

Wincott saboreó cada momento mientras daba forma a su papel. “Aproveché el tiempo memorable que pasé con el maravilloso Hoyte Van Hoytema”, dice Wincott. “La bufanda negra de seda y casimir que Holst usa en la película fue su regalo, y lo considero mi talismán. Es un artista amable y extraordinario, entregado a su trabajo; un hombre encantador y un mentor”.

Trabajar con Peele fue igualmente inspirador. “Jordan hacía que cada día fuera una alegría”, puntualiza Wincott. “Me molestaba tener tiempo libre. Él es extraordinariamente brillante y generoso; un alma hermosa, dedicada a lo extraordinario. Su asombro infantil al hacer películas; su constante descubrimiento y curiosidad; su perspicacia y su rebosante humor. El esplendoroso reparto; su devoto Ian Cooper; el ejemplar equipo de producción. Su singular don. Es lo que Scorsese caracterizaría como ‘un contrabandista’: un director que puede trabajar dentro del sistema a la vez que preserva y expresa su voz subversiva. Ostensiblemente, esta es una historia de otro mundo pero, transversalmente, en manos de Jordan, se aborda algo más complejo y preocupantemente humano”.

Angel Torres (Brandon Perea)

Angel Torres es un aprehensivo empleado de la tienda Fry’s Electronics que ayuda a OJ y Emerald a instalar equipos de vigilancia en su rancho y se ve envuelto en su búsqueda para documentar el inexplicable fenómeno que han encontrado. Debajo de su pelo rubio decolorado pospunk y su malestar por el almacenamiento de la cajas, se encuentra un joven desconsolado que todavía tiene esperanzas y se convertirá en un aliado poco probable, pero extremadamente valioso para OJ y Emerald.

“Angel es nuestro experto en tecnología, y una especie de personaje de alivio cómico”, dice Jordan Peele. “Necesitaba un personaje que llegara y trajera consigo algo de la tradición alienígena, y Angel es un fan acérrimo de la serie Ancient Aliens”. También suele ser el que señala lo disparatada que es toda la situación. “Angel es una especie de personaje avatar del público porque a menudo dice o pregunta cosas que el público puede estarse preguntando o pensando, muy parecido al personaje de Rod en ¡Huye!”, dice Ian Cooper. “Pero también se ve envuelto por voluntad propia en esta misión descabellada. Cada uno de estos personajes tiene un trauma, algo que los impulsa hacia esta misión loca y peligrosa. Y creo que Angel está en una crisis de angustia y quiere probarse a sí mismo ante el mundo. Es un empleado de Fry’s Electronics que probablemente siente que puede hacer mucho más, y quiere conseguirlo”.

Brandon Perea no era exactamente como Peele se imaginaba que sería el papel cuando escribió el guion, pero el joven actor claramente causó una buena impresión. Después de la audición para el papel, Peele lo llamó por Zoom. Al principio de la conversación, Perea suponía que Peele lo llamaba para rechazarlo amablemente. “Jordan me dijo: ‘Has aportado algo tan diferente que tenía que conocerte, porque eres muy distinto de lo que escribí en el guion. Si te pusiera en esta película, tendría que reescribir toda mi película’”, relata Perea. “Y yo respondí: ‘Sí, eso parece difícil. Supongo que probablemente no va a suceder’. Y él me dijo: ‘Así que eso es lo que voy a hacer —voy a reescribir mi película. ¡El papel es tuyo!’. Yo me puse a llorar”.   

 Perea estaba fascinado por Angel, sus intereses y motivaciones. “Angel dice ser el más inteligente del lugar y se molesta si la gente no está a su nivel de inteligencia”, comenta Perea. “Se siente absolutamente incomprendido y va por la vida sintiendo que todos los demás son tontos —especialmente cuando trata con los clientes de Fry’s. Les hace preguntas como: ‘¿Sí sabe cómo funciona un celular?’ Está buscando algo para cumplir su destino, porque no sabe cuál es. Esta oportunidad con OJ y Emerald, para él es algo así como: ‘Es mi momento. Descubrimos esta cosa; necesito ser parte de esa historia’. Él abandonó la universidad y esta es su oportunidad de decirles a todos: ‘Te lo dije’. Lo puedo ver luchando por llegar a ese momento de ‘te lo dije’”. 

Al igual que Emerald, Angel es un tipo que vive permanentemente enchufado y que se siente mucho más cómodo con el caos que con la soledad. “Angel es esa clase de gato nocturno que no puede dormir y siempre tiene que haber ruido o estar pasando algo”, dice Perea. “Siento que este tipo estará jugando un videojuego mientras Ancient Aliens se transmite en el fondo, y también escucha un pódcast. Necesita seguir alimentándose y aprendiendo, y precisa que la gente siga hablando para mantener su mente ocupada, porque si está sentado en silencio, se volverá loco”. 

 En una suerte de casualidad, interpretar a un empleado de la famosa cadena de tiendas Fry’s Electronics, que cerró sus puertas en 2021, también le trajo buenos recuerdos al actor. “Recuerdo que cuando leí el guion y vi que Angel trabajaba en Fry’s Electronics me estremecí, porque mis hermanos y yo solíamos ir a Fry’s en Chicago cuando éramos niños”, señala Perea. “Para mí fue un momento de vuelta al pasado”.   

El fenómeno inexplicable

Hay algo en el cielo que está secuestrando a personas y animales, pero qué es exactamente es un misterio tanto para los personajes como para el público, hasta los momentos finales de la película. En la película, OJ Haywood llama Jean Jacket (Chaqueta de jean o de mezclilla) a este fenómeno. “Eso es Jordan Peele en su expresión más pura”, dice Ian Cooper. “Nombrar a la entidad Jean Jacket me puso la piel de gallina porque me pareció una alteración de la cultura pop. Además, es obvio que hay una evocación de una chaqueta de tela de jean o mezclilla, que es esencialmente un cascarón vacío. Así que creo que hay algo pop y jodido en nombrar a esta entidad alienígena Jean Jacket”.

  • En la película, Jean Jacket era el nombre de uno de los caballos del rancho Haywood que le prometieron a Emerald cuando era niña. OJ elige el nombre de Jean Jacket en honor a ello.
  • Jean Jacket se esconde en las nubes, y eso requería que las nubes se mantuvieran exactamente en la misma formación durante tres días seguidos de rodaje o más, algo que obviamente es imposible. Por lo tanto, el equipo de efectos visuales tuvo que crear un sistema de paisaje de nubes usando la tecnología CG (generación de imágenes por computadora) para dirigir artísticamente la composición, la formación y la velocidad de las nubes. El equipo de efectos pasó nueve meses implementando este sistema.
  • Debido en parte a que el equipo de efectos visuales tuvo que crear tantas tomas específicas del cielo y las nubes, la película tiene alrededor de 700 tomas de efectos visuales. Sólo hay unas cuantas tomas con nubes reales en toda la película.
  • Jean Jacket tiene un solo agujero en la parte inferior, que siempre está abierto: un gran agujero de unos 75 metros de ancho. El ojo de Jean Jacket es un cuadrado verde situado en lo profundo de su caparazón. Si lo miras demasiado, te conviertes en su víctima.
  • Para que los movimientos de Jean Jacket tuvieran alguna base en el mundo natural, los productores consultaron a JOHN DABIRI, un profesor de ingeniería de CalTech que estudia sistemas biológicos como las medusas y las aves y trata de aplicarlos para crear nuevas tecnologías. Hablaron de la propulsión iónica y de la biología animal submarina para ayudar a imaginar el movimiento de Jean Jacket.
  • Una vez que Peele le explicó a Dabiri cómo imaginaba que se movería y comportaría la entidad, Dabiri le explicó la biología de las medusas, que poseen una combinación similar de eficiencia, apetito voraz, sigilo y ser muy livianas.
  • Otra inspiración para la apariencia y el movimiento de Jean Jacket fue el hiperminimalismo del anime japonés, Evangelion, que tiene un “estilo de diseño biomecánico”.
  • Además de las referencias orgánicas, como las criaturas marinas y las aves, el equipo de efectos visuales especiales estudió la papiroflexia para inspirar el desdoblamiento de cómo Jean Jacket se despliega y revela su interior.
  • Fueron necesarios 18 meses de perfeccionamiento constante para diseñar el aspecto de Jean Jacket.

Las locaciones y el diseño de producción

Jupiter’s Claim

La diseñadora de producción de la película, Ruth De Jong, ya había trabajado con Peele en la cinta Nosotros. Cuando ella y Peele empezaron a darle vueltas a la idea del pueblo del Oeste para ¡Nop!, sabían que había que construirlo desde cero. “No tenemos muchas escenas allí, pero son muy importantes y fundamentales, y creo que construir todo el pueblo y el estadio y conectarlo con el rancho se convirtió en un requisito en la filosofía de cómo queríamos rodar y mostrar estos lugares”, dice De Jong. “Empecé a empaparme de los viejos pueblos del Oeste y estudié aquellos que están a lo largo de California, Montana, Nevada y Arizona. Empecé a ver muchas películas del Oeste, como Heaven’s Gate y Once Upon a Time in the West, observando los sets y los pueblos, pero me di cuenta de que no queríamos algo tradicional. Queríamos los huesos de un pueblo del Oeste tradicional, pero realmente queríamos convertirlo en nuestro propio parque contemporáneo, y por ende, puedes ver la vitalidad del mismo. Es un pueblo del Oeste algo satírico. Es muy colorido. Lo construimos en una escala de tres cuartos de su tamaño real, por eso todas las puertas parecen un poco chicas, pero en realidad es para niños. Es un parque temático realmente épico que queríamos que fuera práctico, extenso y conectado. Quiero que el mundo diga: ‘¿cómo es que todavía no hemos ido a Jupiter’s Claim?’”

Dentro de Jupiter’s Claim hay un estadio parecido al estilo Sea World en forma de herradura. “Nos gustaba la idea de que tuviera un ambiente y música de feria de pueblo con madera y tierra, y que al igual que en la película Field of Dreams, tuvieras que atravesar los campos de maíz para encontrarte con este lugar”, dice De Jong.  

Para Peele, era fundamental que este set fuera perfecto. “Jupiter’s Claim es uno de los elementos que distingue a esta de otras películas de horror”, dice Peele. “Existe este nivel de intriga misteriosa en esta especie de sátira del sueño americano. Jupe’s Claim es una especie de exploración del capitalismo. La moneda que usan se llaman Jupe Jangle y con $40, adultos y niños pueden comprar una olla. Los niños pueden ir a buscar oro en el apacible riachuelo que está allí. Cambian el oro por Jupe Jangle, y pueden comprar algunas cosas. Si consigues más Jupe Jangle, tendrás un mejor sombrero. El pueblo entero es una alegoría del capitalismo”.

  • Todas la construcciones de Jupiter’s Claim tienen interiores funcionales. El pueblo del Oeste tiene la oficina del alguacil, un zoológico de mascotas, un tren de vapor, una estación de lavado de oro, una tienda de caramelos, una tienda central, una taberna, una oficina de correos, una barbería, un despacho de valuación donde los niños pueden llevar su oro, un herrero, una empresa de cueros, una estación de bomberos, una caballeriza, una iglesia, un cementerio y un estadio con forma de herradura con capacidad para 938 personas.
  • La locomotora a escala 1:4 de Jupiter’s Claim es una auténtica máquina de vapor construida por el ingeniero maquinista de trenes de utilería MIKE MASSEY y su padre, junto con sus vagones y vías, a lo largo de varios años. No fue construida pensando en la película ¡Nop!.
  • La construcción de Jupiter’s Claim y su estadio de principio a fin llevó aproximadamente 14 semanas.
  • Antes de que comenzara la producción, los cineastas hicieron un escaneo completo de todo el valle utilizando drones con sensores LiDAR para crear un mapa detallado de todas las colinas y puntos de referencia.

La casa del rancho Haywood

De Jong sabía que la casa de OJ y Emerald tenía que ser una antigua granja de principios de siglo. “Jugamos con la idea de que fuera una casa de campo, pero una casa de un piso quedaría muy baja, incluso por debajo del granero”, afirma De Jong. “Siempre me ha encantado el pintor Edward Hopper, y sus casas son tan simples. Hay algo en su forma y en las sombras que proyectan, que a pesar de que la mayoría de ellas están en la costa Este, empecé a inclinarme por una especie de casa de estilo Hopper. No fue construida para ser una aterradora casa embrujada —y no lo es— pero, en mi opinión, tan solo su altura le brinda un carácter icónico. Mi objetivo al diseñarla y crearla con el decorador GENE SERDENA (Her, The Fighter) y el equipo de producción fue construirla de tal manera que se creyera y comprendiera por completo por qué y cómo vive allí esta familia; la historia de la casa; y las vidas que hubo allí antes que ellos”.  

El propio terreno añadió otra dimensión al terror de la película. “Nuestro director de locaciones, JUSTIN DUNCAN, encontró esta propiedad que realmente nos venía muy bien por varias razones”, explica Ian Cooper. “En primer lugar, está rodeada de laderas y montañas, por lo que genera el efecto de sentir que estás en un estadio gigantesco, cuando en realidad estás en la planicie del valle. Cuando te paras ahí sientes esa extraña sensación de vulnerabilidad. No solo no hay una salida visualmente perceptible, sino que te sientes como si estuvieras en el fondo de un tazón, y nuestra entidad, Jean Jacket, tiene un sinfín de lugares donde esconderse”.

A la atmósfera de la película se suma el viento constante que recorre el terreno. Peele trabajó en estrecha colaboración con el diseñador de sonido JOHNNIE BURN (The Killing of a Sacred Deer, Under the Skin) para perfeccionarlo. “Sabía que esta película tenía que ser tan sonora como visual”, dice Peele. “Johnnie ve el sonido desde un punto de vista abstracto. Cuando empezamos a hablar, me dijo: ‘Tengo una biblioteca de sonidos de viento’. El viento es un personaje central en la película, sobre todo en el aspecto acústico, y esencialmente él sabe cómo manejarlo”.

  •  La casa Haywood se construyó en el rancho Firestone, en Agua Dulce California, un sitio que en su día fue propiedad de William Mulholland, el famoso ingeniero civil responsable de la irrigación de Los Ángeles a principios del siglo XX. En lugar de utilizar la imponente mansión blanca de estilo español de Mulholland de la propiedad, Peele y los productores optaron por construir una casa desde cero más cerca de los graneros y establos.
  • La construcción de toda la casa Haywood de dos pisos tomó alrededor de 10 semanas.

Fry’s Electronics

  • Originalmente, los productores de la película querían filmar en el interior de la tienda Fry’s Electronics de Woodland Hills, que estaba tematizada de Alicia en el País de las Maravillas. Pero Fry’s cerró sus puertas en la primavera de 2021 y esa tienda ya había sido desmantelada. En su lugar, los cineastas eligieron la sucursal de Fry’s de Burbank, que tenía una temática de película de ciencia ficción tipo B de los años cincuenta.
  • “Jordan había incluido a Fry’s en el guion, la cadena de tiendas de electrónica por excelencia del sur de California”, dice De Jong. “Exploramos algunas tiendas y creo que ninguno de nosotros se había dado cuenta de que el negocio no iba bien hasta que, en noviembre, leo en mi teléfono: ‘Fry’s ha cerrado sus puertas permanentemente’”. La reacción instintiva de Jordan fue dar un giro y crear una tienda de electrónica genérica, pero eso no me terminaba de gustar, y creo que a Ian Cooper y a Jordan les pasaba lo mismo. Revisamos juntos el tema y dijimos: “¿Por qué no podemos filmar en Fry’s? Entonces llegamos a la tienda de Burbank, que llevaba cerrada algunas semanas, y la conversación fue así: ‘Hola, Ruthie. Hola, Jordan. ¿Puedes volver a montar esta tienda?’ Yo contesté: ‘Sí’. El propietario, Randy Fry, su esposa Vikki Loveikis y su hijo estaban encantados y me apoyaron mucho. Estamos encantados de honrar el legado de esa tienda épica, y creo que Randy estaba muy contento de volver a dar vida a la fama de Fry’s. Es muy agradable capturar esa nostalgia y la especificidad de ese negocio familiar ya era algo especial y ahora se ha quedado para siempre, porque está en la pantalla”.

El set de televisión de la comedia Gordy’s Home

  • En el set de la comedia Gordy’s Home, el sofá, las sillas y las mesas auxiliares se hicieron un 30 por ciento más grandes para enfatizar la sensación de pequeñez que percibe el personaje principal del programa.
  • “El set de Gordy es brillante y alegre, afín a la comedia familiar de los años noventa ambientada en Cabo Cañaveral, Florida”, comenta De Jong. “Y es allí donde pasa algo terrible. Es devastador, algo así como, ¿qué pasaría si esto sucediera en el programa Full House? Es maravillosamente kitsch, y ese es el hermoso telón de fondo en el que Jordan crea toda esta oscuridad”.

Copperpots Cove

  • Los fans de Jordan Peele pueden notar que la cadena de restaurantes ficticia, que vimos por  primera vez en la película Nosotros, reaparece en ¡Nop!. “Trato de hacer todas mis películas en el mismo universo —este universo: la realidad”, observa Peele. “Creo que hay ciertas formas en las que el mundo del cine se desvía de nuestra realidad, como la cadena de restaurantes Copperpots Cove que en realidad no existe, pero está en la película Nosotros, y también en ¡Nop!. Entonces, las personas podrían asociarlo y preguntarse si ¡Nop! y Nosotros existen en el mismo universo. Me encanta dejar que la gente haga esas especulaciones”.
  • Copperpots Cove se convirtió en el vehículo para que Peele e Ian Cooper construyeran el “sandwich de pescado perfecto”. Peele escribió a mano todo el menú del restaurante y luego reclutó al chef de uno de sus restaurantes de mariscos favoritos —Holbox, cerca de la USC— para que creara el sandwich. Después trabajó con De Jong y el jefe de utilería MICHAEL GLYNN (Masters of Sex, Superstore) para crear el empaque.
  • El logotipo de Copperpots Cove — un loro guiñando un ojo— y la identidad fueron diseñados por el artista gráfico JOEL WALDREP y moldeados por DAVID FRENCH.

Los sky dancers (tubos inflables)

Una de las imágenes visuales más llamativas de la película presenta sky dancers (tubos inflables) de colores brillantes que se sacuden en el árido valle a lo largo de varios kilómetros. “Los sky dancers son un sistema de detección para nuestra entidad, Jean Jacket”, dice Jordan Peele. “También son señuelos y formas de confundirlo. Estéticamente hablando, representan otro tema de la película en lo relativo a la explotación de lo bello y lo natural. Y la huella humana en este, nuestro entorno. De muchas maneras, también vienen a representar las almas perdidas de los explotados”.

  • Para las escenas en el rancho se usaron por lo menos 70 sky dancers.
  • El gaffer ADAM CHAMBERS (Tenet, Ad Astra) y el productor de la consola de iluminación NOAH SHAIN (Tenet) se encargaron de programar todos los sky dancers. Chambers usó una red inalámbrica para que los cineastas pudieran controlar cuáles estarían “arriba” mientras que otros estarían “abajo”. El intenso calor y las molestas ardillas que roían los cables presentaron desafíos.
  • La diseñadora de producción Ruth De Jong afirma: “Hay un tema subyacente que estamos abordando —representado por la paleta de colores, que básicamente es como una colorida bolsa de caramelos Skittles— donde los sky dancers son una representación del consumismo masivo”.

EL VESTUARIO

  • La diseñadora de vestuario Alex Bovaird imaginó la película como un caleidoscopio en el que cada segmento tenía un aspecto muy distinto, por lo que creó un mundo distinto y colorido para cada parte de la película. 
  • Debido al calor y el polvo extremos que había en el set, la mayoría de los actores necesitaron varios conjuntos de prendas de ropa iguales de cada uno de sus personajes. Por ejemplo, Daniel Kaluuya tenía 10 pares de los mismos jeans azules para su interpretación de OJ.
  • OJ viste casi exclusivamente prendas de producciones de cine y televisión en las que ha trabajado antes.
  • Emerald colecciona objetos prestados de otras personas y eso se ve reflejado en su vestuario.  
  • Alex Bovaird diseñó un estilo de ropa Vagabond Americana para la película American Honey, que también se refleja en el aspecto Flậneur Queer de Emerald.
  • El diseño de vestuario de los personajes yuxtapone la artificialidad pop con el paisaje natural de la película.

La fotografía

Para la fotografía de ¡Nop!, los cineastas contrataron al director de fotografía nominado al Premio de la Academia® Hoyte van Hoytema, cuyo trabajo incluye las películas Dunkirk y Tenet, del director Christopher Nolan. Uno de los principales retos a los que se enfrentaron van Hoytema y su equipo fue el rodaje de las secuencias nocturnas. “Teníamos varias escenas en el valle por la noche, y el valle era muy grande”, señala van Hoytema. “Estaba rodeado por un anillo de montañas y, en definitiva, nos encontrábamos ante un entorno que no podíamos iluminar. Desde el punto de vista de la historia, era muy importante que sintiéramos el alcance y la magnitud de ese lugar, por lo que queríamos crear noches que se sintieran extensas, épicas y grandiosas, y que nos dieran la posibilidad de hurgar en la noche. Sin embargo, al mismo tiempo, de ninguna manera queríamos que esas noches parecieran falsas. Este es un problema clásico que enfrenta un director de fotografía que filma en la naturaleza porque no hay nada alrededor excepto la luna, y las cámaras no son lo suficientemente poderosas para exponer esa luz tan específica. Entonces comenzamos a pensar en day-for-night (también conocida como Noche americana), que es una tecnología que se ha usado desde siempre en Hollywood para solucionar estos temas. Básicamente, sitúas a tus actores en una dirección muy específica hacia el sol, de preferencia a contraluz, y luego oscureces la imagen o usas un filtro de color azul y pretendes que el sol es la luna, creando la ilusión de que es de noche. Pero cuando empezamos a estudiar esas opciones, ninguno de nosotros estábamos del todo satisfechos con el resultado. Entonces empezamos a buscar alternativas y terminamos construyendo un aparejo para day-for-night, por así llamarlo, que es una combinación de una variedad de cámaras, donde todas están perfectamente alineadas, sin ningún tipo de paralaje. Y al juntar todas las imágenes de esta variedad de cámaras, que es una Alexa 65 con un chip habilitado para infrarrojos y con la ayuda de un software, pudimos crear imágenes que se parecían mucho a cómo sentimos la noche. Después de eso, Guillaume Rocheron, nuestro supervisor de efectos visuales, llevó esas imágenes un poco más allá. Creo que tienen un aspecto fantástico —esas increíbles tomas nocturnas de gran magnitud que no había visto antes, a no ser que se hicieran solamente con CGI. Pero el CGI nunca se verá tan cercano o tan táctil como estas imágenes”.

Jordan Peele atribuye a van Hoytema el crédito de haberlo ayudado a hacer realidad una visión que ni siquiera estaba seguro de poder crear. “Me propuse escribir un guion que no me importaba si era posible realizar”, afirma Peele. “Era una especie de sueño de la envergadura de King Kong o El Mago de Oz. Miras esas películas que no deberían haber sido posibles de realizar, pero que se lograron gracias al ingenio técnico, la persistencia y la colaboración. Y Hoyte nunca vio ninguna de las limitaciones que cualquier otro director de fotografía habría visto. Lo que hizo en ¡Nop! es historia del cine”.

  • Antes de que el director de fotografía Hoyte van Hoytema se uniera a la producción, los cineastas esperaban utilizar cámaras digitales. Una vez que se incorporó, se tomó la decisión de filmar en 65 mm de gran formato y en IMAX.
  • Alrededor del 40 % de la película se filmó con cámaras IMAX y casi el 100 % de ella está filmada con película de gran formato de 65 milímetros y 5-perf, con excepción de las secuencias de la comedia de televisión de 1997, que se filmaron con película de 35 mm, como se habría utilizado en la época, y la cámara de mano de 35 mm que Holst usa en la escena de la abducción. Las imágenes de seguridad que aparecen en los monitores se filmaron con cámaras digitales Black Magic.
  • Durante la realización de ¡Nop! se utilizaron cuatro cámaras IMAX. Dos de ellas son MSM estándar, que son cámaras de trabajo que pueden hacer 36 cuadros por segundo, y dos de ellas son Mark IV, que pueden hacer 48 cuadros por segundo.
  • La producción utilizó la misma cámara IMAX con la que fue filmada la película Everest.
  • SCOTT SMITH, el técnico especialista de IMAX que se ocupa de todas las cámaras, adaptó una manivela en una de las cámaras IMAX Mark II para que pudiera cumplir un elemento importante en el guion en la película —una cámara que no requería electricidad. La cámara IMAX con manivela podía filmar unos 3 o 4 cuadros por segundo.
  • La cámara IMAX a la que se le adaptó una manivela fue una de las cámaras IMAX que filmaron el espacio exterior a bordo del transbordador espacial.
  • “Cuando estás filmando en IMAX, ya sabes que estás haciendo algo especial a nivel cinematográfico”, indica Peele. “No hay nada como ir a una sala de cine IMAX y mirar algo que fue filmado para IMAX, ver todo el cuidado que se puso en ello y la inmersión total que propicia. Es decir que estando ahí, la imagen es tan abrumadora que realmente reemplaza tu propia visión. No parece como si estuvieras ante esta pantalla grande; se siente como si estuvieras dentro de ella. Y eso era fundamental en esta película: quería inmersión, ese asombro, miedo y sorpresa que todos tenemos de cuando éramos niños”.

Campaña de impacto social de Monkeypaw

Y la pasantía Below The Line de Universal

Monkeypaw Productions, la compañía productora fundada por Jordan Peele, ahora lanza una campaña de alto impacto social para cada uno de sus proyectos de cine y televisión. “Empezamos a hacerlo con Candyman y nos estamos asegurando de que cada producción de Monkeypaw tenga una campaña de impacto social que sea intrínseca a la película o al programa de televisión en cuestión”, afirma Ian Cooper, el productor de ¡Nop!. “En este caso hemos trabajado con mi colega KEISHA SENTER, vicepresidenta de cultura e impacto de Monkeypaw, para destacar los tres pilares que exigen una mayor exploración y un mayor análisis después de vivir la película. Uno de ellos, a propósito del jinete de Eadweard Muybridge y los papeles que juegan Emerald y OJ en Hollywood, es sacar a la luz a los  artistas y artesanos below the line (detrás de cámara) que hacen la película, pero que no son nombres conocidos. El segundo son los elementos olvidados de cómo Hollywood se entrelaza con la representación y la excavación de personas que han sido olvidadas o cuyos nombres no son conocidos. El tercer pilar es mirar hacia el futuro y asegurarnos de estar empoderando a los jóvenes y mostrar el hecho de que formar parte de la industria puede abarcar muchos roles diferentes e igualmente importantes. Queremos educar a los jóvenes para que sepan que no es necesario aspirar a estar delante de la cámara o a operarla, sino que hay una multitud de funciones increíbles que se pueden explorar en la realización de películas”.

Keisha Senter agrega: “Para poder mostrar a los jóvenes la variedad de roles que hay en Hollywood, nos complace anunciar que trabajaremos en conjunto con nuestros socios, Universal Studios, para invitar e incluir a los estudiantes de instituciones de enseñanza superior y universidades históricamente creadas para atender a la comunidad negra, que serán invitados a la premier de ¡Nop! que se llevará a cabo en Los Ángeles”.

Paralelamente a la campaña de impacto social de Monkeypaw, el departamento de desarrollo e inclusión del talento global (GTDI por sus siglas en inglés) de Universal lanzó su pasantía below the line, dirigida a personas que buscan hacer su carrera detrás de la cámara, como parte del compromiso general de NBCUniversal para aumentar la diversidad, la equidad y la inclusión en todas las áreas de la producción.

Este programa de prácticas, que se puso en marcha con gran éxito en la película ¡Nop!, fue la primera de una serie de estrategias below the line que se están poniendo en marcha para brindar experiencia y tutoría en el set al talento subrepresentado. Ante la creciente demanda de talento artesanal que experimenta toda la industria, esta innovadora iniciativa se ha establecido desde entonces en más de una docena de proyectos de cine y televisión de NBCUniversal para cultivar la próxima generación de diseñadores de vestuario, maestros de utilería, operadores de cámara, técnicos y una miríada de otras funciones cruciales para cualquier equipo de producción.

En colaboración con la Coalición contra la reincidencia (ARC por sus siglas en inglés), con la organización Hollywood Cinema Production Resources (Hollywood CPR), y varios miembros locales del sindicato IATSE, el primer ciclo de la pasantía dio la bienvenida a seis aprendices al set de ¡Nop!, que se filmó en locaciones del Sur de California el pasado año. Los aprendices eran cinco estudiantes del programa Hollywood CPR que fueron seleccionados para que obtuvieran las horas requeridas para cumplir con ese requisito para su graduación y un miembro de la coalición ARC, que se unió para ganar experiencia y exposición en el área de efectos visuales.

Los pasantes fueron asignados a un departamento específico en función de su área de estudio o interés. El proceso de selección incluyó entrevistas con ejecutivos de producción, las partes interesadas correspondientes y el jefe de sus respectivos departamentos. En cada pasantía, todos los becarios recibirán una remuneración por su trabajo y la duración variará en función de cada producción. 

“En conformidad con nuestros esfuerzos por ofrecer más vías de acceso a la industria, no podríamos estar más entusiasmados por ofrecer esta pasantía a una nueva generación de talentos below the line”, dijo la presidenta de Universal Filmed Entertainment Group (UFEG por sus siglas en inglés), Donna Langley. “Perfeccionar tu oficio en el set de una película de Jordan Peele es una oportunidad que ninguno de los participantes dio por sentado. Estamos sumamente agradecidos con Jordan y todo el equipo de Monkeypaw, quienes comparten nuestra pasión y nuestro compromiso de invertir en la diversidad y el desarrollo profesional temprano”.

Monkeypaw se enorgullece de inaugurar la iniciativa. “En la esencia de Monkeypaw siempre ha estado presente la búsqueda de destacar las voces subrepresentadas y hemos tenido el honor de ayudar a compartir esas historias con el público. Tuvimos el privilegio de promover nuestra misión, siendo la primera producción en asociarse con la iniciativa de la Pasantía Below-the-Line de California”, dijo Win Rosenfeld, presidente de Monkeypaw. “Es crucial, no solo para el crecimiento de Monkeypaw, sino también para el crecimiento de la industria cinematográfica, que todos los productores se comprometan colectivamente con iniciativas que brinden conciencia y ofrezcan oportunidades a las comunidades desatendidas para ayudar a que sus carreras florezcan”.

Al ingresar, los becarios empezaron a recibir apoyo y orientación para participar en las reuniones de producción, conocer a los integrantes de cada departamento y en las capacitaciones correspondientes sobre salud y seguridad. A todos los alumnos se les asignó también un compañero del departamento de desarrollo e inclusión del talento global y de recursos humanos para garantizar que la experiencia fuera lo más gratificante posible.

La diversidad, la equidad y la inclusión son desde hace tiempo señas de identidad de UFEG. En 2017, bajo la dirección de Langley, el estudio puso en marcha su propio departamento de desarrollo e inclusión del talento global (GTDI) –convirtiéndose en el primer gran estudio de cine en establecer un departamento que reporta directamente a la presidenta del estudio, y el único que aborda estos asuntos con un equipo que profundiza tanto en los contenidos como en la cultura laboral. “A medida que nuestro estado trabaja para ampliar las oportunidades profesionales para más californianos en la industria del cine y la televisión, la pasantía below the line de California es una iniciativa de apertura para incrementar la diversidad en el equipo de producción below the line”, declaró el gobernador del estado, Gavin Newsom. “Las prácticas son una herramienta importante para ampliar el acceso y promover una fuerza laboral más inclusiva, dando apoyo al compromiso de California de una reactivación igualitaria”.

Recientemente, el gobernador Newsom firmó una ley que amplía el exitoso programa estatal de crédito fiscal para el cine y la televisión, que incluye incentivos para cumplir con los objetivos de diversidad para los trabajadores al frente y detrás de cámara. El Programa de crédito fiscal para el cine y la televisión 3.0 también incluye un programa piloto de capacitación, que ofrece capacitación en habilidades técnicas a personas de comunidades desatendidas.

Creado en 2017 por la presidenta de Universal Filmed Entertainment, Donna Langley, el GTDI se convirtió en el primer departamento de diversidad, equidad e inclusión (DEI) de un estudio cinematográfico. Este grupo, dirigido por la empresa, crea programas, iniciativas y estrategias que garantizan que la DEI esté a la vanguardia de la cultura de trabajo y la creación de contenidos de Universal Pictures, Focus Features y DreamWorks Animation, tanto delante como detrás de la cámara. Usando como base el compromiso integral de DEI de NBCUniversal, GTDI crea acceso a la industria e identifica oportunidades en la producción de películas para talentos subrepresentados mientras se asocia con sus contrapartes de televisión y streaming que impactan tanto en el cine como en la televisión. Desde su lanzamiento, GTDI ha acumulado un impresionante e inclusivo grupo de talentos a través de sus programas de escritura de contenidos animados y de acción en vivo; de iniciativas de dirección y composición; y de pasantías below the line. El 70 % de este talento ha conseguido créditos de producción en el contenido generado por NBCUniversal.