Reseña de la película “El Hombre Invisible”: Un remake contado desde otro punto de vista

“El Hombre Invisible” es un remake de la clásica historia de terror escrita y dirigida por Leigh Whannell basada en la novela del mismo nombre de H. G. Wells, protagonizada por Elisabeth Moss y Storm Reid, producida por Blumhouse Productions y distribuida por Universal Pictures. A continuación, mis impresiones sin spoilers de esta película.

Debo comenzar diciendo que lo más acertado de esta película es el casting de Elisabeth Moss para interpretar a Cecilia Kass, ya que la actriz posee la veteranía para poder expresar perfectamente el miedo que sentimos al enfrentarnos a lo “invisible”, a aquello desconocido que nos hace daño.

Lo segundo que hace de esta película un remake espectacular, es la decisión de Whannell de haber contado la historia en esta ocasión desde la perspectiva de la víctima y no como en sus anteriores adaptaciones siguiendo la experiencia del hombre que se hace invisible, así como vimos a Kevin Bacon protagonizando “El Hombre sin Sombra” (Hollow Man) en el 2000.

Las escenas de suspenso son intensamente escalofriantes, sumergidas en el background de abuso doméstico físico y controlador de la pareja de Cecila en la película. Adicionalmente, las escenas en las que los actores interactúan con el “hombre invisible” están muy bien logradas.

En conlcusión, este remake sin duda se convertirá en una película de culto por lo genial de la perspectiva de la historia. Quizá pudo haber sido mejor si el hombre invisible, Adrian Griffin, hubiese sido interpresado por Jhonny Deep como se tenía inicialmente planteado hace algunos años, ya que Oliver Jackson-Cohen en mi opinión no logra proyectar ese carácter intimidante que debió tener su personaje en las pocas escenas que aparece en el film. Pero haciendo a un lado ese detalle, nos queda una película de terror y suspenso brutal que amarán todos los fanáticos del género.

Por último, los dejo con información súper interesante acerca de la producción de esta película.

Información de la producción

Aquello que no puedes ver, sí puede lastimarte. La actriz ganadora del Premio Emmy, ELISABETH MOSS (Us, The Handmaid’s Tale de Hulu) protagoniza una aterradora historia moderna de obsesión, inspirada en uno de los monstruos clásicos Universal.

Atrapada en una relación violenta y controladora con un brillante y millonario científico, Cecilia Kass (Moss) huye en la oscuridad de la noche, desaparece y se esconde, socorrida por su hermana Emily (HARRIET DYER en The InBetween, de la NBC), su amigo de la infancia James (ALDIS HODGE, Straight Outta Compton) y su hija adolescente Sydney (STORM REID en Euphoria, de HBO).

Pero cuando el abusivo ex de Cecilia, Adrian (OLIVER JACKSON-COHEN, The Haunting of Hill House de Netflix), se suicida y le deja un generoso porcentaje de su gran fortuna, Cecilia sospecha que su muerte ha sido un engaño. A medida que una serie de misteriosas coincidencias se vuelven letales, amenazando la vida de sus seres queridos, la cordura de Cecilia comienza a desmoronarse mientras trata desesperadamente de demostrar que está siendo perseguida por alguien que nadie puede ver.

JASON BLUM produce El Hombre Invisible para Blumhouse Productions. El Hombre Invisible fue escrita, dirigida y producida por LEIGH WHANNELL, uno de los creadores originales de la franquicia Saw, quién recientemente dirigió Upgrade e Insidious: Chapter 3.

La película también es producida por KYLIE DU FRESNE (Upgrade, The Sapphires) para Goalpost Pictures Australia. Los productores ejecutivos son Whannell, COUPER SAMUELSON (Fantasy Island de Blumhouse), BEATRIZ SEQUEIRA (Us), JEANETTE VOLTURNO (Halloween), ROSEMARY BLIGHT (I Am Woman), BEN GRANT (I Am Woman). El Hombre Invisible es una coproducción de Goalpost Pictures Australia y Blumhouse Productions, en asociación con Nterious Tick Productions, para Universal Pictures.

A Whannell y el resto de los productores los acompañan detrás de las cámaras un talentoso equipo creativo liderado por el director de fotografía STEFAN DUSCIO (Upgrade, Jungle), el diseñador de producción ALEX HOLMES (The Babadook, The Nightingale), el editor ANDY CANNY (Upgrade, Cut Snake), la diseñadora de vestuario EMILY SERESIN (Top of the Lake, I Am Woman), el supervisor de SFX nominado al Premio de la Academia® DAN OLIVER (Mad Max: Fury Road, Alien: Covenant), el supervisor de VFX JONATHAN DEARING (Upgrade, The Water Diviner) y el compositor musical BENJAMIN WALLFISCH (Blade Runner 2049, Hidden Figures).

La historia de fondo

Los monstruos de Universal

El inicio de una nueva era

El personaje de el Hombre Invisible es parte de la familia de los monstruos de las películas clásicas de Universal Pictures—que incluye figuras legendarias como Drácula, el Hombre Lobo, Frankenstein, la Novia de Frankenstein y el Monstruo de la Laguna Negra. Parte de la razón por la que estos viles personajes se han mantenido vigentes es porque son eternos y representan una amplia gama de temores y ansiedades culturales—el punto de encuentro del descubrimiento científico con el amor y la pérdida son atemporales. Se adaptan a cualquier época en que estemos viviendo.

El Hombre Invisible representa una trayectoria fresca y actual sobre cómo homenajear a estos personajes clásicos. La batuta de esta nueva dirección la llevan los cineastas, que invitan a narradores de historias innovadoras a generar ideas originales y audaces para que estos personajes desarrollen las historias y las expongan.

Esta película es un ejemplo de cómo funcionó ese proceso. El guionista/director Leigh Whannell tuvo una idea emocionante, nueva y aterradora para este personaje, y el estudio estaba encantado de trabajar con él en esta nueva visión. En el futuro, las películas de los monstruos de Universal se basarán en el género de terror, y no tendrán restricciones de presupuesto, clasificación o género. No formarán parte de un universo interconectado y compartido, sino que cada una se mantendrá de manera independiente.

El primer capítulo ha sido gestionado por el productor de blockbusters Jason Blum, de Blumhouse Productions. “Somos los primeros de una nueva generación de películas de los monstruos de Universal,” expresa Blum. “Universal está trabajando en varias cintas, pero la nuestra es la primera. Así que eso es muy angustiante, y al mismo tiempo, muy divertido.”

El productor de todas las películas de la franquicia The Purge de Universal—así como los éxitos de taquilla del estudio como Split, Glass y Get Out—explica que los Monstruos se mantienen cerca de él. “Nuestra empresa ha estado cimentada en este estudio durante mucho tiempo,” dice Blum. “Universal tiene una gran historia dentro del terror a través de las películas de monstruos de los años 30 y 40. Esa tradición se extiende por el estudio. Me reuní con su Presidenta, Donna Langley, y ella quería devolverle esa fuerza que los monstruos solían tener. Puesto que nos hemos equiparado con esa época de Universal ya que hemos producido tanto terror con el estudio, parecía un siguiente paso muy natural.”

“Estas películas de monstruos las siento cercanas y son muy especiales para mí,” continúa Blum. “Por eso quería realizar esta. Nuestro concepto era hacer que las historias fueran relevantes en la actualidad. Y eso es exactamente lo que Leigh ha logrado en El Hombre Invisible.”

Un personaje clásico, una nueva oportunidad

Leigh Whannell redefine el terror

El escritor/director Leigh Whannell ha tenido presente al personaje de “el Hombre Invisible” de H.G. Wells desde que era niño, cuando no asistía a la escuela para quedarse en casa a ver los monstruos de Universal en la televisión. Lo que aprecia del villano es que, a diferencia de muchos otros cuentos icónicos, la historia no se ha vuelto a repetir una y otra vez. “Si haces una película sobre un personaje que es querido a nivel mundial, estás en terrenos peligrosos,” señala Whannell. “Pregúntale a cualquiera que haya hecho una película de Star Wars recientemente, sobre la presión que tienes cuando enfrentas algo tan icónico y venerado. Con El Hombre Invisible me sentí libre. Por supuesto, la gente conoce este personaje, pero sentí que había sido subestimado en comparación con los demás villanos de terror. Fue emocionante pensar en lo que podría hacer con este personaje y hasta dónde podría llevarlo.”

Si bien Whannell comenzó su carrera como guionista del cortometraje Saw de 2003 y de las subsecuentes películas, que eventualmente se convertiría en una franquicia que vale mil millones de dólares, en realidad empezó trabajando como actor, y continúa actuando. Whannell, que coprotagonizó desde The Matrix Reloaded hasta películas de suspenso, incluidas las de la exitosa saga Insidious, siempre ha valorado lo que pide a sus artistas que hagan frente a la cámara… y los límites a los que ellos quieren llegar.

Teniendo en cuenta que ha escrito varias piezas relativas al género, obviamente, el cineasta está sumamente interesado en el mundo del suspenso y el terror. “Soy un gran fanático del terror y he disfrutado formar parte de películas de terror,” comenta Whannell. Aún así, fue después de su último trabajo como director que comenzó a revalorizar su interés en el género. “Después de Upgrade, me dio por las películas de acción,” dice Whannell. “Hay algo acerca de estar en un set de filmación y orquestar una persecución de autos o una escena de pelea que es muy adictivo.” Tan pronto como terminé la película, pensé: ‘¿Cuándo puedo volver a hacer esto?’ En mi cabeza, la próxima película que realizaría, iba a ser una de acción pura.”

La suerte favorece a aquellos que están dispuestos y preparados, y fue justamente en ese momento cuando El Hombre Invisible se presentó en la vida de Whannell. Cuando recibió una llamada para reunirse con el equipo de desarrollo de Blumhouse Productions para discutir proyectos potenciales, no imaginó que fuera una oportunidad para reimaginar una nueva versión de uno de los monstruos de Universal. Esa conversación informal con Blumhouse se convirtió en una de esas oportunidades que te cambian la vida.

Un nuevo punto de vista

Whannell reimagina lo Invisible

Mientras que el personaje original de Wells era un científico que se volvía loco, Whannell estaba más interesado en las razones de la obsesión del villano. El enfoque, se le ocurrió durante su reunión de Blumhouse, debería invertirse. “Fue algo inesperado… que salió de mi cabeza sobre la marcha,” relata. “Me dije: ‘Si estuvieras haciendo una película de el Hombre Invisible, la presentarías desde el punto de vista de su víctima. Por ejemplo, una mujer que se escapa de su pareja abusiva en el medio de la noche y luego descubre que éste se suicidó, pero no lo cree, especialmente cuando comienzan a suceder cosas misteriosas.”

Después de la reunión, la idea inspiradora que Whannell tuvo en ese momento permaneció en su cabeza, y no la soltó. “No podía dejar de imaginar escenas de esa película y pensar en la forma en que la filmaría,” dice Whannell. “Me eligió a mí; yo no la elegí a ella. Eventualmente claudiqué, y expresé: ‘Miren, esta película está ocupando mucho espacio en mi cabeza. Tengo muchos privilegios, y para sacarme todo esto de encima, tengo que hacerla.’” Hace una pausa. “No lo habría hecho a menos que no hubiera habido algo único, con lo que pensaba que podría engancharme.”

El cineasta dejó volar su imaginación mientras desarrollaba la narrativa de uno de los monstruos clásicos de Universal. “Sabía a lo que me enfrentaba,” indica Whannell. “La parte difícil fue construir una historia completamente nueva en torno al personaje y descubrir desde qué punto de vista se contaría esta historia. Cualquier investigación se convertiría rápidamente en una sesión donde me sentaría con un block de notas y un bolígrafo, tratando de inventar nuevas ideas. Fue una oportunidad emocionante, porque sentía que era un personaje que no había sido asesinado a muerte—pocas personas pueden ponerle las manos encima.”

Mientras creaba una historia de obsesión aterradora y moderna, imaginó la historia desde la perspectiva de Cecilia Kass, una arquitecta inteligente y competente  en San Francisco que ha sido encarcelada por Adrian Griffin, su novio violento, abusivo y poderoso. Cuando escapa del brillante inventor y pionero de la óptica, se esconde con la ayuda de sus amigos y familiares. Pero después de que su ex se suicida, Cecilia comienza a sospechar que en realidad no está muerto, sino que se ha vuelto invisible… usando su innovador invento para torturarla. El problema es que su teoría suena loca y paranoica, y se encuentra cuestionando su propia cordura, al mismo tiempo que trata de protegerse a sí misma y a las personas que ama.

“No preparé 10 versiones diferentes de esta historia,” dice Whannell. “Más bien parecía haberse formado en términos del viaje de una víctima siendo acosada por el Hombre Invisible, que me enseñó a no sentir la necesidad de pasar semanas dándole vueltas, buscando algo mejor. Cuando vuelvo al guión y lo miro en retrospectiva, puedo apreciar muchos de estos temas de mujeres víctimas, a las que nadie les cree—alguien tratando de demostrar que algo terrible le está sucediendo, pero que no puede convencer a nadie de ello. Pero ni siquiera lo esclarecí demasiado porque para mí, una de las partes divertidas de la realización de películas, es ver a otras personas interpretándolas.”

Créanle a la mujer

Una historia de nuestro tiempo

En este viaje, a Whannell lo acompañan dos de sus socios frecuentes: los productores Jason Blum, el fundador y director de Blumhouse Productions, y Kylie du Fresne, de la productora australiana Goalpost Pictures. El equipo de Du Fresne y Blumhouse ya había trabajado con Whannell en Upgrade—y Blumhouse y Whannell lo hicieron en la serie de películas de Insidious, y esta experiencia dejó a ambos con ganas de probar cuáles podrían ser los próximos pasos de esta multitalentosa relación.

Du Fresne, que ha producido televisión y cine en Australia durante más de 25 años, se sintió atraída por el tratamiento que Whannell brindó a la narrativa de la heroína. “Leigh tiene la intuición para escribir sobre mujeres fuertes de manera increíble,” dice du Fresne. “Lo hizo en la franquicia Insidious; tiene muy claro cómo describir a estas fuertes protagonistas femeninas, por lo que ciertamente no me sorprendió que la propuesta para El Hombre Invisible surgiera desde la perspectiva de una mujer. Cuando hablamos de la creación de El Hombre Invisible, la gente asume automáticamente que el personaje principal es el protagonista, y es la estrella—aunque en realidad lo sean Cecilia y Elisabeth Moss. Eso forma parte de su emocionante y original visión. Ha cambiado el enfoque y la perspectiva de este personaje hacia una mujer fuerte… y la ha creado maravillosamente.”

La productora sintió que este tratamiento presentó una historia oportuna que podría expresar lo que estaba sucediendo en términos de violencia doméstica, así como de cómo las mujeres son percibidas en los medios de comunicación. “Sentí que Cecilia está experimentando y viviendo mucho en la era moderna, incluido lo que está sucediendo en términos de los derechos de las mujeres,” dice du Fresne. “Leigh desglosa estos argumentos, los inserta en la película, y los enhebra temáticamente de manera sutil. Él está hablando sobre las mujeres que han sido obligadas a sufrir—controladas por un hombre por cierto tiempo—mujeres que sienten que están perdiendo el control de la realidad, y cómo la sociedad las juzga con frases como ‘estás siendo una histérica’ y eso ‘está todo en tu cabeza.’ Eso no es verdad. Estamos viviendo esas historias hoy en día, y esta película lo pone en evidencia de una manera que no he visto mucho en el cine.”

La productora cree que Whannell pudo reflejar el viaje de Cecilia tan poderosamente en la película, debido al respeto que el director se gana de parte de su elenco y equipo de producción. Con sede en Sídney, Australia, la producción permitió a Whannell, nativo de Australia (Melbourne), trabajar con muchos de sus compatriotas y miembros de su equipo de colaboradores. “La perdurabilidad de las relaciones creativas de Leigh son importantes para él, y eso aporta mucho a lo que termina poniendo en la pantalla,” relata du Fresne. “Por él, la gente hace un esfuerzo para llegar más allá. Él es una historia de éxito de Melbourne, que lanzó la increíble franquicia de Saw,con James Wan. Entonces, cuando regresa para realizar sus películas, la gente quiere ofrecerle todo; están orgullosos de lo que ha logrado. Tiene una gran visión cinematográfica muy singular de las historias que cuenta. Es emocionante verlo darse cuenta de eso.”

Blum también quedó impresionado con las ideas innovadoras de Whannell sobre cómo aterrorizar al público. “Leigh es solo uno de los mejores generadores de miedo,” dice Blum. “Hay muchas maneras de crear miedos en nuestro mundo, pero una de las cosas que le entusiasmaban cuando abordaba El Hombre Invisible eran todas las posibilidades de diferentes tipos de sustos que podrías encontrar—y el uso del espacio negativo. “La película juega intencionalmente con temas recurrentes clásicos de películas de terror,” dice la estrella Elisabeth Moss. “Cuando el gabinete de medicamentos se abre y se cierra, se espera que alguien vuelva a ese lugar,” señala Moss. “Lo mismo sucede cuando se abre la puerta del refrigerador. Construir el suspenso fue muy divertido para nosotros. Cosas así, además de encender una luz en una habitación oscura y revelar eso, esa silueta en una esquina, que en realidad es un perchero.”

Los personajes

Cecilia Kass

Elisabeth Moss

Cecilia es una mujer inteligente y fuerte, pero ha sido traumatizada hasta que se vuelve irreconocible. Su relación ha afectado su visión de sí misma y su mundo. Está ansiosa, paranoica y temerosa. Debido a esto, cuando sospecha que Adrian la está acosando, su familia y amigos dudan de su interpretación de los acontecimientos. Ella tiene una estrecha relación con su hermana Emily, su mejor amigo James y su hija Sydney. Aún así, mientras Cecilia parece fragmentarse, los lazos de esas relaciones se ponen a prueba. Lo que no sabemos es si su convicción de que Adrian todavía está vivo es real… o simplemente está en su imaginación.

Leigh Whannell creó a Cecilia como una heroína fuerte, talentosa y capaz. “Quería que Cecilia fuera alguien con toda su vida por delante, que de repente se ve interrumpida por una relación tóxica,” explica Whannell. “Al involucrarse con la persona equivocada, su vida se ha puesto en pausa. Cecilia se encuentra en esta situación controladora, en la que fue sofocada como ser humano, y no pudo hacer nada. Ella fue reprimida por su compañero. Quería que encontrara su fuerza mientras estaba escondida.”

Para Whannell era importante crear un personaje principal que se desenredara por completo. “Me gusta el viejo dicho de que, cuando escribes una película, ‘Tu protagonista siempre tiene que estar evolucionando, para motivarla a resolver temas cada vez más complicados’”, dice Whannell. “Cuanta mayor adversidad enfrenta tu personaje estelar, mayor es el conflicto. Quería que las probabilidades y las fuerzas que se acumulaban contra Cecilia fueran insuperables, hasta el punto en que la audiencia pensara: ‘¿Cómo va a salir de esto?’”

Cuando Whannell terminó el guión, sabía que necesitaba una actriz extraordinaria para interpretar a Cecilia. “Cuando tienes un personaje cayendo de un acantilado, se vuelve un área peligrosa en la actuación,” expresa Whannell. “Es fácil sobreactuar o ser demasiado histriónico. Necesitaba a alguien que pudiera interpretar a una persona que se volvía loca… pero de una manera sólida.”

Encontró a su heroína en Elisabeth Moss, la actriz dos veces ganadora del Premio Globo de Oro, quien aportó una autenticidad impresionante a su trabajo en Mad Men y, por supuesto, su actual interpretación del papel de Offred en The Handmaid’s Tale. “Ella es el principal foco de atención de ese programa y tiene que hacerte creer en un contexto elevado, en una realidad alternativa,” dice Whannell. “Si no crees en ese personaje principal, todo el espectáculo se desmorona. Sabía que ella podría interpretar este deterioro, y brindarle integridad. Lizzie es el perro guardián de la veracidad. Si alguna vez consideraba que una escena no era totalmente real o sentía que era un poco falsa, se mostraba reticente. Eso nos volvió un buen equipo.”

Juntos, Moss y Whannell se unieron en una visión de la película y su papel. “Lizzie me empujaría a seguir examinando el diálogo y el guión,” comenta Whannell. “Y yo la empujaría a que fuera más física. Estaba haciendo muchas cosas que eran sumamente miserables.” Eso incluía disparar en la mitad del invierno, a las 3:00 am, junto a máquinas de lluvia que inundaban todo a su alrededor. Moss estaba empapada, mientras que todos los demás usábamos gruesas chaquetas debajo de las carpas. “Ambos nos presionábamos,” indica Whannell. “Creamos una colaboración auténtica. Cuando gritas acción, Lizzie está allí al 100 por ciento.”

Moss cree que este ha sido el papel más desafiante de su carrera. “Me tomó 10 minutos entender el concepto de Leigh y lo moderna y relevante que podría ser esta película,” expresa Moss. “Me encanta cómo presentó la idea de El Hombre Invisible. Es uno de esos guiones que cuando lo lees, piensas: ‘Ojalá yo hubiera pensado en eso…’ Es una gran metáfora, absolutamente relevante para nuestro tiempo… así como para el lugar que actualmente ocupo, como una mujer que forma parte de esta sociedad.”

Asimismo, Moss suele estar sola en la pantalla durante escenas enteras, jugando contra alguien que no puede ver. “Hubo una sección completa de la película donde no había nadie,” dice Moss. “Me volteaba hacia Leigh y le decía: ‘¿Dónde crees que está?’ Si mi personaje sabía o no dónde estaba el Hombre Invisible, cambiaría dependiendo de cada escena. A veces, no tenía idea de que Adrian estaba allí; en ciertos momentos sentiría una presencia, escucharía un ruido o algo parecido, y entonces me daría vuelta.

“Llega un punto en el que Cecilia está convencida de que Adrian siempre está en la habitación,” continúa Moss. “Es como si hubiera desarrollado un sexto sentido de dónde estaba… pero allí nunca había nada. Lo inventaríamos y diríamos que él estaba en ese rincón, o saliendo de esa habitación. He estado haciendo esto durante 30 años, y nunca me había encontrado en esta posición, donde eso fuera posible. Aún así, la idea de ver algo que nadie más puede ver, es mi pan de cada día. Es lo que hago todos los días para vivir.”

Rodar El Hombre Invisible permitió a Moss reflexionar sobre las relaciones que pueden ser abusivas o tóxicas. “Para Leigh y para mí era importante que dejáramos espacio para una relación que no solo fuera físicamente abusiva, sino que también fuera emocional y psicológicamente abusiva,” dice Moss. “Ese tipo de relaciones puede ser igual de perjudicial. Espero que esta película ofrezca un poco de voz y fuerza a las personas que han pasado por eso. Como mujeres, sentimos que hay una sensación de empoderamiento, que somos esta generación que habla, pero creo que a veces todavía juzgamos a los demás por permanecer en relaciones en las que no deberían estar.”

Moss concluye: “Creo que es importante ofrecer un espacio para que las mujeres sean débiles. Puedes ser fuerte y estar asustada al mismo tiempo; y puedes ser fuerte y débil al mismo tiempo. Ser feminista, y aún así no poder expresarte. Eso es importante recordarlo, así como tener la oportunidad de poder verlo.”

Adrian Griffin

Oliver Jackson-Cohen

Un científico sumamente rico y brillante, el CEO de Cobalt, Adrian Griffin, es tan guapo y encantador, como violentamente abusivo. Está obsesionado con Cecilia y con controlarla… y no se detendrá ante nada para recuperarla.

Al principio, él solo controlaba el tiempo de Cecilia… y con quién habló, y cuándo salió de la casa. Hasta ahí, fue todo lo que dijo; y en ese entonces, era todo lo que ella pensaba. Y si no le gustaba lo que él suponía que ella estaba pensando, impondría un castigo.

Adrian ha tenido mucho éxito y ha sido reconocido por eso, en lo que respecta a su comportamiento. “En el mundo moderno, obtienes mucho crédito por estos logros,” señala Whannell, “y nadie te llama para saber cómo llegaste allí.” Lo que quería aprovechar de él, es el narcisismo y la sociopatía que conducen al éxito. Que Cecilia lo dejara lo tiene destruido… que alguien lo desafiara de esa manera. Él tiene esta fuerte necesidad patológica de controlarla, y eso es definitivamente aquello que lo está motivando.”

Oliver Jackson-Cohen dice que hubo varios días en que el equipo clave se sentó en la sala de ensayo para procesar la dinámica de la relación. “Solo estábamos Lizzie, Leigh y yo,” comenta Jackson-Cohen. “Queríamos mostrar el ciclo por el que pasan estas relaciones—cómo las personas terminan en ellas, a pesar de que saben que tienen que evitarlas. Se trata del tipo de atracción que generan estas personas—específicamente lo que hace Adrian para detener a Cecilia y llevarla de regreso a donde la necesita. Adrian está obteniendo exactamente lo que quiere: ver a Cecilia sufrir y verla caer en la locura.”

Emily Kass

Harriet Dyer

Emily es la hermana menor de Cecilia. Es leal y amorosa, y quiere ayudar a su mejor amiga. Pero hay tensión en su relación, y Cecilia pone a prueba la paciencia de Emily. Existe la sensación de que Cecilia ha recibido más atención que Emily a lo largo de los años, y debido a eso, hay un dejo de resentimiento en su relación.

Mientras vemos a la Cecilia después de abandonar Adrian, la que tiene un plan y no necesita que Emily la controle por un tiempo, Emily se preocupa de que su hermana—cuya cordura parece estar desvaneciéndose conforme pasan los minutos—se esté aproximando al extremo profundo y necesite medicación. Cecilia compara a su hermana con una policía, que vaya que necesita cuando está pasándola mal… pero a quien teme cuando se siente mejor.

La relación de Emily y Cecilia, pase lo que pase, es de esas que cuando tu hermana dice que te necesita, apareces. “Lo haces con pleno compromiso,” expresa Harriet Dyer. “Independientemente de cualquier discusión o tensiones del pasado, Emily aparece y es la caballera en el caballo blanco de Cecilia. Más allá de eso, tienen que trabajar juntas en lo relativo a si Emily cree o no por lo que está pasando Cecilia. Ella también tiene que ser paciente con la falta de comunicación de Cecilia. Al final, Emily demuestra ser el mejor recurso para Cecilia en términos de alguien en quién puede confiar y con quién puede contar.”

Cecilia ha estado en situaciones muy peligrosas con Adrian durante mucho tiempo, pero cuando Emily está en peligro por la relación de Cecilia con Adrian, todas las cartas están sobre de la mesa. “Cuando Adrian comienza a perseguir a las personas que ama Cecilia, específicamente a su hermana, ya ha llegado demasiado lejos,” dice Moss. “Ahí es cuando Cecilia tiene que defenderse, decide que tiene que detenerlo… sin importar las consecuencias.”

James Lanier

Aldis Hodge

Amigo de la infancia de Cecilia y Emily, James es un oficial de policía de San Francisco que está criando solo a Sydney, su hija adolescente. Acepta que Cecilia se quede con ellos después de que huye de Adrian. Pero como Cecilia parece estar perdiendo el control de la realidad, James se verá obligado a elegir entre ayudar a su amiga, y asegurarse de que su hija se mantenga a salvo. Según James, en una conversación íntima que tuvo con Cecilia, le dijo, “Adrian te perseguirá si lo dejas. No lo permitas.”

Mientras creaba el personaje de James Lanier, Whannell quería que fuera más que un confidente. “Quería un contrapunto en esta película,” relata Whannell. “Cecilia está atravesando estos horribles sucesos y siente que se está volviendo loca. Necesitaba un sustituto de la audiencia… alguien que viera la película desde la perspectiva de la normalidad.”

Desde el principio, Whannell tenía claro que quería que Aldis Hodge interpretara a James. “Aldis fue el actor que siempre tuvo en mente para este papel,” señala du Fresne. “James es genial para Cecilia mientras ella está girando fuera de control y pensando que su realidad va en picada. Él es este barco flotando estable en la noche. Eso es lo que Aldis aporta a ese papel. Es la fuerte resonancia emocional para ella. Él también tiene una ligereza de tacto y puede, con una sola línea, liberar la tensión.”

Cuando Hodge leyó el guión, lo que le sorprendió de la historia fue su ritmo rápido y la agilidad empática para sus personajes. “No sabía cómo la iban a rodar,” relata Hodge, “pero con la profundidad del peligro que estaba allí, me encantó que Leigh no tuviera miedo de ahondar en la violencia.” No es desde un punto de vista agresivo, sino desde un punto de vista necesario y estratégico. Eso explica el peligro en que se encuentra Cecilia.”

Para Cecilia, James y Sydney representan seguridad y protección. “La casa de James y Sydney es un espacio seguro para mi personaje,” dice Moss. “Es un lugar donde ella puede recuperarse de esta relación abusiva. Desafortunadamente, termina convirtiéndose en una pesadilla en sí mismo.”

Tom Griffin

Michael Dorman

El personaje de Tom Griffin, interpretado por Michael Dorman, es el hermano abogado de Adrian, quien le informa a Cecilia que Adrian se suicidó y le dejó una gran parte de su fortuna, bajo ciertas condiciones. En la superficie, él es el hermano “bueno” que conoce a Adrian con claridad, pero sus lealtades no son necesariamente abiertas. En cierto momento, Tom le informa a Cecilia que el genio de Adrian estaba entrando en la cabeza de las personas y torturándolas desde adentro. Tom le dice: “No lo dejes ganar volviéndolo a la vida.”

Para interpretar a Tom, Dorman exploró la historia de Tom y Adrian como hermanos. “Adrian era el titiritero y Tom era su títere,” dice Dorman. “Es como cuando los niños pequeños molestan a los insectos o los animales. Tom era eso para Adrian; él solo lo aterrorizó. Ahora que son adultos, están repitiendo exactamente lo mismo.”

El diseño de producción y las locaciones

Literalmente, terror moderno

El terror presenta un aspecto brillante y limpio

 “El aspecto de El Hombre Invisible de Leigh Whannell es contemporáneo, limpio—muy diferente a todas las películas de monstruos,” comenta Blum, “donde no hay nada espeluznante, ni tampoco telarañas.” En muchos sentidos, el diseño de producción, bajo el liderazgo del diseñador de producción Alex Holmes, invierte el género y subvierte las expectativas de la audiencia. “No queríamos apoyarnos en ninguno de los tropos estéticos del ‘terror,’” expresa Holmes. “Le estábamos dando el trato de un thriller realista. Eso significaba que no había fondos de pantalla exagerados, colores, ni espacios espeluznantes artificiales. Leigh también quería ‘encender las luces.’ Esta es una película de terror que estaría llena de luz ambiental. No se trataba de algo que está al acecho en las sombras, sino de alguien que está allí, y al mismo tiempo, no lo está. ¿Cómo muestras eso? Iluminando el espacio.”

Para el diseñador fue crucial que El Hombre Invisible fuera una película de mundos contrastantes, en lugar de una película monótona que presenta un solo mundo. “Cecilia huye de un mundo de extrema riqueza para encontrar seguridad en una realidad de clase media muy común,” indica Holmes. “Pasamos de los laboratorios de tecnología de ciencia ficción a las cocinas monótonas; de un enorme baño privado a un dormitorio encerrado de 3 x 3. Debido a que estaríamos mucho en espacios domésticos cerrados, Leigh también insistió en que cuando saliéramos de la casa hacia el mundo—las calles de San Francisco, las estaciones de policía, los restaurantes—era importante lograr un sentido de escala. Queríamos ver todo el restaurante y toda la gente que estaba en él… así como toda la estación de policía, no solo un rincón de ella.”

Aunque El Hombre Invisible se desarrolla en San Francisco, el thriller fue filmado en Sídney y sus alrededores. “Uno de los mayores desafíos, desde el punto de vista de la producción,” dice la productora Kylie du Fresne, “fue encontrar locaciones en el centro de la ciudad de Sídney que se sintieran como si fuera San Francisco, y especialmente ubicar una locación para la casa de Adrian. Tenía que ser arquitectónicamente única y sentirse como si estuviera en las afueras de Silicon Valley.”

La guarida de Adrian

El equipo de diseño sabía que, por razones presupuestarias, la mansión de Adrian tenía que ser una locación—una casa que expresara todo lo que querían decir sobre la personalidad obsesiva-compulsiva, dominante y sin alma del científico. Fueron con el gerente de locaciones EDWARD DONOVAN (Hacksaw Ridge) para que los ayudara a encontrarla. “Le pedimos a Ed que buscara casas que tuvieran un estilo de arquitectura brutalista—con formas pesadas, monolíticas y poco atractivas—una especie de prisión de alto nivel,” señala Holmes. “Pasamos un par de meses buscando esta casa,” relata du Fresne. “Leigh quería que fuera muy Adrian… que mostrara frialdad. No es una casa en la que abres la puerta y piensas, ‘este es un lugar encantador para vivir.’ Todo lo contrario a eso.” Holmes agrega: “Queríamos una paleta incolora, prácticamente llena de negros, grises y blancos. De esa manera, cuando nos mudamos a la casa de James, sentimos una sensación de alivio al entrar en un espacio más orgánico… con colores más cálidos y humanos.”

Finalmente, la casa de Adrian se creó con la combinación de cuatro locaciones. Los interiores de la casa fueron filmados en Cabo Pebble, situado aproximadamente a dos horas y media de distancia de la costa sur de Sídney. La producción terminó siendo el primer equipo de filmación en rodar en este exuberante espacio en la costa. Es de hormigón, y los pisos estaban hechos de unas impresionantes tablas de madera—creadas a partir de vigas rescatadas de un incendio en el Castillo de Windsor,” relata du Fresne. “Todo salió a pedir de boca. Como productora, filmar en una casa de alta gama fue un desafío. Pasé la mayor parte del tiempo asegurándome de que la gente no lastimara accidentalmente con un soporte x, las paredes de yeso venecianas bellamente pulidas.”

Mientras Cabo Pebble les brindó una gran parte del interior de la mansión de Adrian, Dovecote—otra maravillosa propiedad—sirvió como su exterior. La casa de Adrian fue conceptualizada como si estuviera “fuera de la ciudad” y cerca del océano… en un espacio abierto y de alta seguridad. “Afortunadamente la encontramos justo al lado, en un espacio similar a la de Cabo Pebble. Justo cuando comenzábamos a filmar,” señala du Fresne, “esa casa ganó el premio de la Casa Australiana del Año.”

Whannell también tenía en mente una situación geográfica particular para la casa; quería que tuviera como fondo un gran bosque, con este imponente muro que mantenía a Cecilia adentro. Entonces, para darle el toque final, el equipo de producción necesitaba construir parte de un enorme muro de concreto y la puerta, fuera de esta locación. “En Australia, los muros alrededor de las casas grandes no son comunes cuando están en el campo,” dice Holmes. “Pero eso era lo que necesitábamos. Esta era la entrada a la guarida de alta seguridad de Adrian, así que construimos una gran puerta electrónica corrediza de madera negra y falsos muros de hormigón.”

La posproducción extendió las paredes para que parecieran estar envolviendo la propiedad. “Fue una de esas ‘barreras’ en un mundo que creas en las películas,” expresa Holmes, “pero también nos encantaban las vistas infinitas hacia el océano.” A pesar de estar tan cerca de la libertad ilimitada, Cecilia estaba tan atrapada. Y, hasta el día en que comienza esta película, ella nunca se había atrevido a huir… tal era el poder que Adrian tenía sobre ella.”

El tercer espacio fue otra casa donde el equipo creó el laboratorio de Adrian. “Fue en un impresionante garaje que albergaba una colección de autos antiguos de alta gama,” dice du Fresne. “Nuestro departamento de arte hizo un trabajo increíble al convertir eso en este laboratorio de alta tecnología.”

El cuarto y último espacio estaba en Coogee, un suburbio de playa situado en Sídney. “Construimos el vestidor y el baño de Adrian en la sala de estar de esta locación, creando lo que parecía ser un enorme baño familiar privado,” explica du Fresne. “En cierto modo, estas cuatro diferentes locaciones coinciden perfectamente; se siente como una sola casa; así es la magia del cine.”

El laboratorio de el Hombre Invisible

El equipo de locaciones buscó arduamente un espacio dónde filmar el laboratorio de Adrian. “De repente encontramos este garaje para ocho automóviles que pertenecía a un millonario,” comenta Holmes. “Tenía estas increíbles tiras de luces de LED integradas en los techos y en las paredes. Se veía tan de ciencia ficción, y tan real al mismo tiempo. Luego me puse a diseñar habitaciones seguras, espacios de laboratorio con clima controlado, y los instalé en ese espacio. Para agregarle un poco de drama—y para que se sintiera especialmente lujoso—pinté el área del laboratorio en color negro brillante. Basé esos diseños en laboratorios universitarios que había visto, y luego hice la versión a medida del hombre rico.”

Para el diseñador, la percha en la que se encontraba el traje fue el elemento más curioso de concebir. “Un gancho para un traje que no puedes ver,” dice Holmes. “Tenía que verse de ciencia ficción pero también muy funcional… nada estilo superhéroe. Consulté con uno de mis expertos en física, conversamos sobre lo genial y extraño que sería si, cuando Cecilia entrara en la habitación donde está el traje, descubriera un iPad en la pared donde pudiera verse a sí misma entrando en ese lugar—desde el punto de vista del traje. ¡Podría verse a sí misma en tiempo real, como si la estuvieran filmando, pero no encuentra una cámara en ningún lado!” En este caso, el diseño comenzó a reformular la secuencia. “Leigh reescribió y volvió a concebir la escena para que se ajustara a esto que habíamos inventado,” dice Holmes, “y espero que se convierta en un gran momento en la película.”

El hogar de James y Sydney

El equipo de producción acordó que la casa de James y Sydney debía ser lo opuesto a la de Adrian. Muy pronto sintieron que este espacio debía construirse por completo en un estudio. Con la cantidad de escenas con dobles de acción que Whannell pretendía incluir en esta casa, necesitaban tener el control que ofrece un estudio. No solo la capacidad de flotar por las paredes, hacer estallar techos y tirar cosas… ¡sino también de lanzar actores!

 “Estéticamente, se trataba de familiarizarme con los interiores de los hogares estadounidenses de clase media,” explica Holmes, “pero también involucraba colores y tonos. Para la casa de James y Syd, tomé como base las películas Gone Girl, Prisoner, Revolutionary Road and The Girl on the Train—principalmente porque estas películas presentan muchos interiores que están situados en el medio de una carretera—y porque sus paletas de colores son deliberadamente neutrales, reales y sencillas.”

Era un lugar que tenía que sentirse familiar y seguro—un hogar estadounidense de clase media común y corriente. “En cierto modo, fue la normalidad lo que se sumó a esta sensación progresiva de que Cecilia podría estar volviéndose loca,” relata Holmes. “¿Un tipo invisible en esta monótona sala de estar? ¿Quién creería eso? No estaba en una oscura y sombría casa embrujada situada en una colina, sino en una casa de color beige con dormitorios pequeños y un espacio insignificante destinado para un ático. Deliberadamente evitamos un gran ático en el que pudieras pararte… del mismo tipo que se ve en millones de películas de terror.”

Whannell optó por el estilo de ático que tienen muchos propietarios: un espacio para tuberías y cables que induce al pánico, y que es difícil de recorrer. A su vez, el equipo del diseñador de producción construyó uno con un techo muy bajo, pero con paredes que podrían servir para escaparse. “En lugar de crear espacios cavernosos donde el monstruo podría estar al acecho,” dice Holmes, “disminuimos el espacio alrededor de Cecilia para aumentar la tensión. El ático fue construido en un set completo, ya que habría sido imposible rodar en uno real. Del mismo modo, las habitaciones fueron concebidas como espacios iluminados, en escala normal. Era la amenaza de que el Hombre Invisible estuviera TAN cerca de ella todo el tiempo lo que creaba esta sensación de claustrofobia.”

El manejo de la paleta de colores

Al mantener los colores de las paredes en tonos medios, el diseñador de producción permitió que su director de fotografía creara la luz ambiental necesaria—sin que las sombras cayeran demasiado rápido en la oscuridad. “No buscábamos generar esa sensación de claroscuro,” comenta Holmes. “Para conseguir eso, necesitas paredes más oscuras de lo normal. Optamos por tonos normales para las paredes, algo que a menudo sueles evitar. Los sets no tienen que ser sombríos para dar miedo; basta con mirar El Exorcista. Es una casa muy normal… no hay nada particularmente espeluznante en lo relativo a la iluminación. ¡Es solo esa niña rara!”

El equipo de producción también consideró importante controlar la paleta de colores y las tonalidades durante la preparación del set para que—con la excepción del espacio negro y pesado de Adrian—no permitieran demasiado contraste y color en la decoración del set. “Los colores brillantes causarían que la imagen se viera demasiado ‘saturada,’” explica Holmes. “Sabía que estaban creando un brillo sutil para el Hombre Invisible en el departamento de VFX, por lo que no queríamos fondos llenos de patrones, contrastes y colores saturados. Necesitaban un fondo uniforme para contrastar la película.”

El manicomio

El diseño para el hospital psiquiátrico y jardines a los que se envía a Cecilia se centraron en hacer que se sintieran desolados y reales—el ambiente de un hospital público que está rasguñado, raspado y gastado por igual. “Incluso agregamos trozos de cinta adhesiva sobrante a las paredes,” dice Holmes, “los restos de la cinta que sostuvieron anuncios en el pasado. Encontramos una antigua fábrica de cosméticos y la convertimos en el pabellón psiquiátrico. Tenía estas increíbles luces fluorescentes y una paleta institucional de color azul grisáceo, pero tuvimos que agregar muchos detalles para convertirla en una institución mental legítima, de alta seguridad.”

Desde las cerraduras de las puertas, los muebles a prueba de suicidio, hasta una cabina de ducha donde Cecilia atrapa a Adrian, el set fue un gran logro de la decoradora de la producción, KATIE SHARROCK (Mad Max: Fury Road). “La atención al detalle que Katie le brindó fue fenomenal,” relata Holmes. “Afuera se trataba de agregar luces fluorescentes en todas partes para iluminar esa escena en la que Cecilia está persiguiendo a un Adrian invisible bajo la lluvia… cazándolo en el estacionamiento. Esa lluvia fue un importante amplificador del caos en ese momento. La lluvia que rebotaba en el Hombre Invisible, que ayudaba a definir su forma, fue una de las muchas ideas cinematográficas que Leigh escribió en su guión.”

Desafíos del rodaje

Debido a que el equipo de producción estaba rodando en Sídney, para hacer que la ciudad pareciera San Francisco, el departamento de vehículos presentó uno de sus mayores desafíos. “En este país no hay muchos autos con el volante a la izquierda para ser usados en una filmación,” señala Holmes. “Por lo tanto, se precisó de mucha creatividad en lo relativo a los automóviles.” Desde volantes falsos hasta el uso de automóviles con el volante de lado derecho como autos de fondo, y automóviles con el volante de lado izquierdo para el primer plano, se consideraron todos los ángulos.

“Tuvimos que reciclar automóviles poniéndoles fundas de vinilo para transformar los que ya habíamos usado,” señala Holmes. “También se realizaron algunas secuencias con dobles de acción en los autos, lo que resultó ser un desafío. El otro aspecto difícil para nosotros fue la gran cantidad de decoración que requirieron las locaciones con mayor incidencia: la estación de policía de San Francisco, restaurantes, pabellones de psiquiatría, las calles de la ciudad. Estos terminaron siendo grandes espacios abiertos que para incorporarlos, se necesitaban mucha mano de obra.”

Los Efectos Visuales Especiales (VFX) y los Efectos Especiales (SFX)

Siendo realistas

Un enfoque práctico para los efectos especiales

El supervisor de efectos visuales Jonathan Dearing, que dirigió el equipo clave de la empresa Cutting Edge, formó parte de los jefes de departamento del equipo de producción de El Hombre Invisible, habiendo trabajado con Leigh Whannell en su último thriller. “Trabajar junto a Leigh en Upgrade puso de manifiesto nuestra misma comprensión y enfoque de los efectos visuales,” dice Dearing. “Específicamente, ambos vemos el papel de los VFX como un enfoque práctico (es decir, real) siempre que sea posible.”

En este caso, si no se podía lograr un enfoque práctico para una secuencia, su estrategia compartida era ejercer un nivel de restricción—uno que cimentara todos los efectos visuales en el mundo real. “En todos los casos, nuestro mantra es el mismo,” relata Dearing: “que los VFX deben ser lo más creíbles posible. No hay que tener la tentación de crear algo tan fuera de este mundo que las líneas entre la fantasía y la realidad sean borrosas.”

Construir un traje que no está allí

La tecnología de la invisibilidad

El equipo de Odd Studios realizó un trabajo fantástico en el traje, que fue una tarea importante. “Investigamos mucho sobre la ‘tecnología de invisibilidad’ que existe actualmente,” señala el diseñador de producción Alex Holmes. “Hay algunos, pero en general solo se logran en las escalas más pequeñas al ‘desviar’ la luz alrededor de los objetos para que literalmente no puedas verlos, porque no están reflejando la luz. Decidimos que esta idea no era realmente fílmica. En cambio, se nos ocurrió una idea basada más en la ciencia de la óptica. Un traje hecho de cientos de cámaras pequeñas, todas filmando lo que está a su alrededor, y al mismo tiempo produciendo un holograma de lo que se está filmando en la cámara opuesta. Entonces, una cámara en la parte posterior del traje estaría filmando hacia atrás, pero la imagen que está filmando aparecería en la parte frontal como un holograma, en la posición directamente opuesta. El efecto es que cualquier cosa que esté detrás de quien use el traje se proyectaría hacia el frente, haciéndolo desaparecer.”

Esta idea allanó el camino para que la posproducción hiciera algunas cosas asombrosas con hologramas y con lentes de iris de cámaras que animan adentro y afuera—creando cientos de pequeños ojos en todo el traje. “Consultamos con profesionales científicos serios en la CSIRO [la Organización de Investigación Científica e Industrial de la Commonwealth en Australia] y en las universidades,” dice Holmes. “Los físicos nos dijeron que, en teoría, lo que estábamos proponiendo podría hacerse— pero no sin 20 años de desarrollo por delante. Eso fue perfecto. Necesitábamos esto para sentirnos como una tecnología que estaba fuera del alcance de hoy, pero que aún era creíble.”

Ya es bastante difícil para un equipo de efectos visuales diseñar cualquier elemento, pero ¿pedirles que creen algo que no sale en la pantalla? Eso duplicó el dilema de Dearing y su talentoso equipo. Para crear al Hombre Invisible, se les encargó recrear una versión generada por computadora de un traje de neopreno físico. Luego tenían que encontrar una manera de presentar y demostrar la tecnología invisible para el público, todo dentro de los confines de ese traje. “Tuvimos que incorporar los componentes generados por computadora y el hardware que era capaz de mover cientos de lentes generados por computadora, que creaban la superficie camuflada del traje,” explica Dearing.

El traje 3D de Adrian tenía que animarse e imitar los movimientos exactos del traje hecho con material de pantalla verde que usaba el doble de acción LUKE DAVIS (Pacific Rim: Uprising), al tiempo que mantenía la integridad de la superficie. Esto significaba que cientos de células de forma hexagonal trabajaban y se mantenían juntas—mientras el traje se desplazaba a través de una variedad de movimientos. “Una de las mejores cosas de trabajar con Leigh es la convicción que tiene en las cosas que le gustan,” comenta Dearing. “Provocan una reacción emocional, fuerte e inmediata en él. Es capaz de afinar rápidamente ese sentimiento y comprometerse con un camino a seguir.”

Naturalmente, la primera reunión que el equipo de Cutting Edge tuvo para El Hombre Invisible se centró en lo que querían (y necesitarían), de cómo debía verse y sentirse el traje. “Nos sentamos alrededor de la mesa aportando ideas y conceptos de diseño,” indica Dearing. “Tan pronto como tuvimos la referencia de un traje oscuro, simple, al estilo de un traje de neopreno, y varias formas hexagonales detalladas, encontraron eco en Leigh, la directora de arte [ALICE LANAGAN, Hacksaw Ridge], el diseñador de vestuario y en mí. Rápidamente nos decidimos por un diseño después de que a Odd Studios se le diera la tarea de presentar algunos prototipos basados en las instrucciones de Leigh. Fue un concepto decisivo y eficiente, y una fase de diseño que nunca se desvió de principio a fin.”

Sin espacio para un soporte: los desafíos de los VFX

Uno de los principales desafíos de los VFX en el transcurso de la producción fue borrar el rastro del traje verde de Davis y entregar la actuación de el Hombre Invisible. Esto fue particularmente difícil cuando el traje verde del doble de acción estaba situado delante de otros actores, o frente a fondos para los cuales el equipo no tenía pases de control de movimiento.

La técnica indiscutible para realizar la tarea de quitar un traje verde es el uso de un soporte de plataforma de control de movimiento. Esto nos permite capturar una toma limpia a la par, para facilitar cualquier limpieza que se requiera. Lamentablemente, esta opción no siempre estuvo disponible para Cutting Edge. Por ejemplo, cuando se enfrentaron con limitaciones físicas de un espacio dado—como cuando el Hombre Invisible está acechando a Cecilia en el ático—el soporte de control de movimiento no cabía en esa habitación tan apretada.

En la escena crucial donde Cecilia arroja una lata de pintura desde el acceso por donde se abre el ático, en lo que parece ser una escalera vacía, se deja ver el contorno del Hombre Invisible… a pocos centímetros de distancia de ella. Originalmente, Whannell había imaginado esta toma con la cámara encontrando la boca de acceso como un punto de luz en un mar de oscuridad, y luego—en un movimiento suave y consistente—haciendo la transición, mirando hacia abajo a través de la abertura. La lógica era que sería en este punto que Cecilia volcaría la lata de pintura, descubriendo al Hombre Invisible.

 “Leigh estaba ansioso por utilizar movimientos extendidos de cámara de una sola toma a lo largo de la película en lugar de un corte de acción más tradicional,” explica Dearing. “Si hubiéramos filmado esta escena sin una plataforma con soporte de control de movimiento, los resultados no podrían haber sido garantizados. Posiblemente se hubiera puesto en riesgo la placa limpia requerida para eliminar el traje verde, porque no habría coincidido del todo, lo que habría comprometido la toma.”

Después de varios intentos de repetir un movimiento con la Steadicam para imitar el soporte de una plataforma de control de movimiento—y descubrir que esto también era comprometedor debido a los estrechos límites del espacio del ático—Whannell acordó bloquear la cámara. “Esto nos permitió centrarnos más en el movimiento del traje verde y su interacción con la pintura que va soltando,” dice Dearing, “sin la complicación de combinar dos placas móviles con movimiento borroso en condiciones de poca luz. El traje utilizado en esta toma fue una versión verde de la misma medida del traje negro que se ve en la película. Habíamos solicitado esta versión y estábamos ansiosos por adoptar la textura única de la superficie del traje, ya que sería visible cuando la pintura lo cubriera. Los elementos prácticos funcionaron a la perfección y nuestro equipo de composición completó el trabajo de efectos visuales en 2D.”

Acechando a Cecilia en la institución mental

La escena de pelea en el corredor de la institución mental—en la que el Hombre Invisible intenta escapar de los guardias y Cecilia lo está persiguiendo—es un gran ejemplo de lo que los pases de control de movimiento ofrecieron a la producción… no solo para obtener placas limpias, sino para unir varias coreografías de grandes momentos de acción sin problema alguno.

Estos pases podrían incluir la limpieza de los soportes de alambre de las plataformas, alfombras para los doblajes de acción o roturas de ventanas. Todos estos momentos clave singulares se ensayaron para que la acción ocurriera con la cámara en la posición óptima. Irrumpir en los momentos de acción, significaba que los tiempos de la secuencia en su conjunto no se vieran afectados. El resultado final era una secuencia muy ajustada, con grandes movimientos de cámara que de alguna manera parecen predecir la acción inminente.

Una vez que Cecilia y el Hombre Invisible se abrieron camino a través del hospital, el equipo de VFX en Cutting Edge tuvo mucho que limpiar. “Reemplazamos gran parte del piso con una creación generada por computadora, y obviamente, se agregó el personaje de el Hombre Invisible generado por computadora,” explica Dearing. “También reemplazamos el momento de la pistola física, con un arma generada por computadora que el Hombre Invisible usa a mitad de la secuencia. Finalmente, unimos todos los pases, lo que también nos incluyó en una toma de Steadicam mientras seguimos a Cecilia por una escalera… seguida de otra mezcla en el vestíbulo antes de la toma, y de que saliéramos del edificio.”

La tecnología reformula al guión

El equipo de producción agradeció la flexibilidad de Whannell para adoptar nuevas ideas y tecnología, así como su apertura para encontrar la manera de incorporarlas. “Un ejemplo de esto que apareció en la película es una nueva cámara de 360 grados que estaba probando en los días de la exploración de la tecnología,” relata Dearing. “Decidí actualizar mi kit en el set y quería poner a prueba mi nueva cámara para familiarizarme con ella, ya que las uso en las tomas para obtener HDRI (imágenes de alto rango dinámico) rápidas, e incluso para escanear sets.”

Mientras revisaba tomas previas con su director en el autobús, el supervisor de VFX le mostró a Whannell cómo podía desplazarse alrededor de la imagen en su tableta durante la búsqueda de locaciones. “Le mostré a Leigh lo genial que era poder mirar interactivamente donde quisiéramos,” dice Dearing. “Le encantaron las tomas y la tecnología, y comenzamos a discutir cómo podría incorporarse al rodaje. La conversación sobre tecnología continuó, y antes de darme cuenta, Leigh se había ido y lo había escrito en el guión. La escena del laboratorio donde Cecilia descubre por primera vez el traje de Adrian, la filmamos en vivo, interactuando con mi cámara y la tableta de 360 grados; todos sus movimientos en la cámara de cine y la tableta están en la cámara. Este es otro excelente ejemplo de las maravillas de trabajar con Leigh.”

Sinergia de Efectos Especiales

Los VFX y SFX de la empresa Dovetail

Cutting Edge se asoció estrechamente con el supervisor de SFX nominado al Oscar® Dan Oliver y su equipo en secuencias clave, un factor que fue fundamental para hacer realidad la visión del director. “Trabajar con Dan y su equipo es una parte importante del paquete que incluye Leigh Whannell,” dice Dearing. “Dan es fantástico, con mucha experiencia en la industria, e incorpora de manera similar un enfoque muy práctico para el cine. Nuestro equipo siempre está feliz de apoyar la primera idea de Dan al intentar cualquier efecto especial como un enfoque práctico, si él encuentra que es posible.” Oliver le devuelve el cumplido: “Jonathan es muy práctico y estaba ansioso por obtener todo lo que pudiéramos en la cámara—siempre listo para dar un paso adelante con una corrección o mejora de efectos visuales según fuera necesario,” dice Oliver. “Tenía mucha responsabilidad, pero la cabeza bien puesta para ayudar a resolver cualquier problema que surgiera.” Oliver aportó décadas de experiencia a la producción. “La experiencia que ganas a lo largo de los años te da la confianza de saber que cuando surge algo complicado, hay una buena probabilidad de que puedas encontrar una solución,” señala Oliver.

Aunado a sus propios años de experiencia, Dearing y su equipo saben que no tiene mucho sentido promover un efecto visual generado por computadora si se puede lograr en la cámara, por varias razones. “Nadie cuestiona los resultados si eso funciona; sin embargo, normalmente hay subproductos imprevistos que pueden agregar detalles o valores adicionales que nadie podría haber predicho,” señala Dearing. “Asimismo, siempre es deseable que los actores tengan algo tangible ante lo que reaccionar.”

Siempre que un efecto especial práctico pueda necesitar ayuda, ahí es donde interviene el equipo de VFX. Tomemos como ejemplo la escena en la que el puño de Adrian atraviesa la ventana del auto de Emily e intenta atacar a Cecilia. “Si la ventana del pasajero de un automóvil precisa estallar, VFX podría ofrecer una solución,” señala Dearing. “Pero si el cristal se rompe de verdad en la cámara, capturamos instantáneamente un elemento que se ha creado en un entorno con la iluminación adecuada, y que se comporta de la manera física correcta. Es posible que los pedazos de cristal deban filmarse contra una pantalla azul, y si necesitásemos disparar piezas de silicio desde un cañón de aire para aumentar el efecto, el equipo de posproducción estaría complacido en tomar estos elementos prácticos y combinarlos—en lugar de generar todo el efecto por computadora. Eso es conocido como sinergia FX.”

Tocino ardiente, lluvia torrencial

Para el supervisor de SFX Dan Oliver, una de sus escenas favoritas en la película es cuando Cecilia comienza a sospechar que Adrian todavía está vivo. Mientras prepara el desayuno para Sydney y se aleja por un momento de la cocina, la hornilla de gas se enciende debajo de la sartén. “El tocino comienza a arder y el humo sale en el momento justo; y luego la sartén también se prende en el momento preciso,” dice Oliver. “Esta escena fue un poco complicada. Cuando Leigh explicó cómo todo tenía que suceder en momentos exactos, no estaba seguro de cómo iba a lograr el efecto sin cortes. Pero lo logramos exactamente como lo había descrito y lo obtuvimos todo en cámara—con nuestros actores muy cerca, pero seguros ante su cercanía al humo y al fuego.”

Otra secuencia clave en El Hombre Invisible que recibió gran apoyo del equipo de SFX fue la escena de la lluvia torrencial bajo la que Cecilia escapa de la institución mental. “Trabajamos con Leigh y nuestro director de fotografía para resolver la forma más eficiente de rodar, con movimientos mínimos en nuestras grúas de lluvia,” explica Oliver. “Usamos las cabezas de lluvia más grandes que teníamos para crear un aguacero torrencial. Agregué algunos impactos de bala, y todo lució fantástico.”

La fotografía

El marco del cuadro

El trabajo de cámara de El Hombre Invisible

El director de fotografía Stefan Duscio, quien conoció a Whannell en la preproducción de una película australiana que filmaron juntos, ha perfeccionado su técnica con el director en los últimos años. “Leigh y yo nos conocimos en The Mule, una película que coescribió y coprotagonizó junto con Angus Sampson [el coprotagonista de Whannell en Insidious],” dice Duscio. “Casualmente, Leigh y yo estudiamos Comunicación en la Universidad RMIT de Melbourne, con algunos años de diferencia. Hizo mención de la cinta Upgrade después de que terminó los estudios, y nos mantuvimos en contacto mientras desarrollaba la película.”

El director de fotografía, que ha filmado en medios visuales innovadores desde el video del tema musical Ghost de Beyoncé, hasta las galardonadas películas australianas Backtrack y Jungle, dice que él y Whannell disfrutaron creando un lenguaje visual único para Upgrade, que promovieron aún más para El Hombre Invisible. “Esencialmente, el estilo de cámara en Upgrade era bastante flojo al principio, y progresivamente se volvió más formal y rígido a medida que una inteligencia artificial se apoderó del cuerpo de nuestro protagonista,” relata Duscio. “[En Upgrade] empleamos mucho seguimiento de movimiento de la cámara sobre nuestro actor principal durante las secuencias de acción, y Leigh estaba interesado en evolucionar ese estilo para El Hombre Invisible. Escribió un guión tremendamente emocionante, y nos motivó a mí y al equipo a idear formas innovadoras de rodaje.”

Apoyándose en inspiraciones cinematográficas

Es casi imposible considerar una película que sigue los pasos del desmoronamiento de una heroína sin reflexionar sobre los clásicos de Alfred Hitchcock como Marnie y The Birds. Pero Duscio y Whannell se inspiraron en un pozo profundo que tenía otras inspiraciones. “Pasamos nuestros primeros días de preproducción de El Hombre Invisible mirando referencias de películas de las que disfrutamos del suspenso y el tono,” relata Duscio. “Entre estas se encuentran Prisoners y Sicario de Denis Villeneuve, así como Ghost Story, Personal Shopper y The Exorcist. No todas eran necesariamente súper relevantes para el guión de Leigh, pero proporcionaron una gran inspiración al tratar de descubrir qué era El Hombre Invisible.” Hace una pausa. “Siempre he sido fanático de Roger Deakins, y realmente admiro la fuerza y la narración de sus imágenes.”

También fueron premiados con una actriz principal como Elisabeth Moss, cuya cara puede decir un millón de cosas sin pronunciar una palabra. “Elisabeth es una profesional y, desde la toma uno, nos dejaría boquiabiertos,” señala Duscio. “Teníamos que estar listos para capturar estas actuaciones sorprendentes y matizadas de forma inmediata. Ella tiene la cualidad de un camaleón, y descubrí lo variado y maravilloso que era iluminarla y enmarcarla.”

Cuando el diseñador de producción Alex Holmes vio un primer corte de la cinta que Whannell mostró al equipo, captó la visión completa. “Fue entonces cuando vi lo estilizado que era este thriller que Leigh y el director de fotografía Stefan Duscio estaban creando,” dice Holmes. “Eso era evidente en el estilo de filmación: el siniestro movimiento controlado de la cámara, con control de movimiento. Era bastante preciso, y eso se sentía bien para el personaje de Adrian. Muchas veces, la propia cámara es una manifestación de la presencia de Adrian.”

Movimiento y encuadre

Creando una tensión implacable

Al igual que Whannell, para Duscio era importante replantear uno de los monstruos clásicos de Universal de una manera inusual. “Uno de los desafíos que Leigh nos presentó fue crear suspenso con imágenes más brillantes,” dice Duscio. “Ambos tenemos experiencia en la creación de películas de terror oscuras; y lo que Leigh consideró singular sobre El Hombre Invisible es que podríamos seguir creando esta sensación de terror, mientras siguiéramos observando cada rincón de un espacio. El Hombre Invisible podría estar en cualquier lugar dentro de ese marco.”

Como gran parte de este thriller está centrado en el desmoronamiento emocional y psicológico de Cecilia, al director de fotografía le correspondió representar visualmente su terror, así como iluminar cómo acepta su poder al final de la cinta. “Estábamos muy interesados en el punto de vista altamente paranoico de Cecilia,” señala Duscio. “Filmamos sugestivamente espacios vacíos, dejando que la cámara permaneciera inquietantemente en los rincones mundanos de una habitación. También la enmarcamos de una manera inusitada, que sugeriría que alguien más podría estar habitando el espacio negativo dentro del marco.”

De vez en cuando, el enfoque de Duscio podría pasar de un personaje en primer plano a un área poco probable del cuadro. “Estas técnicas podrían considerarse ‘equivocadas’ o inusualmente compuestas, pero nuestro objetivo era crear una tensión implacable,” continúa Duscio. “También esperamos que atraiga a la audiencia, y los aliente a buscar en los bordes del marco cualquier movimiento o pista de nuestro depredador al acecho. Fue muy difícil diseñar la cobertura para estas escenas; requirió mucha imaginación en nombre de nuestro elenco y equipo de producción, para confiar en que estas secuencias serían de suspenso.”

Filmando en la oscuridad

Gran parte de El Hombre Invisible—comenzando con la huida de Cecilia de Adrian, hasta su descubrimiento en el ático y el brutal ataque en la institución mental—fueron filmados de noche, y en la oscuridad. “Rodar secuencias oscuras es algo que disfruto y encuentro continuamente desafiante,” dice Duscio. “Tienes que seguir una línea para brindarle a la escena un ambiente oscuro y atmosférico, pero continuar comunicando una narración visual clara. Ante estas situaciones, es muy fácil sobreiluminar o quedarse corto con la iluminación, así que deben realizarse ajustes muy sutiles en la iluminación y definir bien qué cámaras utilizar, para exponer la imagen de forma natural. Leigh y yo hicimos un storyboard, o visualizamos previamente muchas de estas secuencias más complejas, y eso me permitió explicar claramente cómo sería la cobertura al equipo de producción.”

Cuando se trataba de rodar con diferentes efectos de iluminación y configuración, el nuevo sistema de cámaras Alexa LF (de gran formato) de ARRI se ajustaba perfectamente. Afortunadamente, esto permitió al director de fotografía comprender un poco más el estilo de Roger Deakins. “Creo que somos la segunda película que será rodada con este formato, después de 1917,” comenta Duscio. “También tuvimos la suerte de recibir un prototipo de la cámara Alexa MINI LF directamente desde la empresa ARRI que está en Munich, justo a tiempo para nuestra producción. Utilizamos esta cámara más liviana para capturar muchas de las secuencias de acción, incluidas las Steadicam largas y tomas de mano, secuencias de control de movimiento y una persecución en automóvil.”

El nuevo sensor de gran formato le ofreció a Duscio y Whannell una amplia variedad de lentes de gran formato, lo que resultó en imágenes sorprendentes con más profundidad y resolución. “También me permitió filmar tomas más cerca de nuestros actores,” dice Duscio, “y aún así lograr un amplio campo de visión a su alrededor.”

Para estar seguros, el equipo de producción utilizó una variedad de enfoques para capturar a su Hombre Invisible. “Cuando las interacciones de los actores y el movimiento de la cámara eran complejos, generalmente utilizamos un sistema de control de movimiento Argo para crear movimientos de cámara repetibles,” dice Duscio. “Con esto garantizábamos que lograríamos los platos perfectas de nuestro elenco, del artista en traje verde y los fondos.” Una feliz coincidencia se pondría de manifiesto. “Un efecto secundario,” indica Duscio, “es que a Leigh y a mí nos encantó qué tan artificiales y austeros eran los movimientos de la cámara de situada en el soporte de control de movimiento. Con base en esto, intentamos replicarlo en nuestro trabajo tradicional con el soporte del dolly, por lo que los dos estilos de cámara experimentaron una sinergia.”

Moss se enciende

El equipo de producción y el elenco se fusionan

La filmación en áreas claustrofóbicas tuvo un efecto sobre las opciones de cámara e iluminación del director de fotografía. “Filmar en espacios reducidos siempre es difícil, ya que las cámaras y los equipos de filmación generalmente exigen espacio para trabajar,” expresa Duscio. “Pero me encantó el desafío de filmar a Elisabeth en un ático oscuro, donde la linterna que tiene en la mano la iluminaba casi por completo. Confié en Elisabeth para que se iluminara cuando ella quisiera,” dice Duscio, “y me acurruqué en una esquina del ático con la configuración de cámara de mano más pequeña que pudimos armar. Alex Holmes diseñó un espacio maravilloso que nos permitió no solo trabajar, sino sentirnos igual de claustrofóbicos y apretados.”

Whannell y Duscio pasaron mucho tiempo fotografiando y diseñando la secuencia inicial, donde Cecilia huye de la mansión de Adrian. “Para nosotros era importante crear tensión a través de su punto de vista altamente paranoico,” relata Duscio. “El público sabe en qué película se encuentra, y lo enganchamos invitándolo constantemente a buscar en nuestro encuadre sugerente o en tomas panorámicas que aterrizaron en el vacío.”

Durante gran parte de la película, Cecilia está confinada, literalmente o por el miedo y las circunstancias, y esto le ofreció al equipo de cámaras múltiples oportunidades para infundir terror. “¡Pobre Cecilia, va desde una prisión hacia otra!” comenta Duscio. “La casa de Adrian, la casa de James y, finalmente, una verdadera institución psiquiátrica. Para Leigh y para mí, la secuencia en la institución mental también fue muy difícil de diseñar; la rodamos y cortamos extensamente con una pequeña cámara digital, usando suplentes. Había tantas partes móviles en la secuencia, que necesitábamos desglosar todo con mucho cuidado. A Leigh le encantó la idea de una cualidad cegadora para la iluminación, por lo que instalamos luces LED súper brillantes en todo el interior de la institución mental.”

Acerca del elenco

ELISABETH MOSS (Cecilia Kass) es la protagonista de Shirley (película que también produjo), donde actuó con Michael Stuhlbarg para la directora Josephine Decker; participa, junto a Michael Fassbender y Armie Hammer, en Next Goal Wins, dirigida por Taika Waititi; también la veremos actuar en la próxima película de Wes Anderson titulada The French Dispatch, junto a un reparto multiestelar que incluye a Bill Murray, Tilda Swinton, Kate Winslet y otros grandes talentos.

Recientemente actuó en Us, película dirigida por Jordan Peele; en The Kitchen, con Melissa McCarthy y Tiffany Haddish; y protagonizó la cinta del director Alex Ross Perry Her Smell (de la que también fue productora), por cuya actuación recibió nominaciones para un Premio Independent Spirit (Mejor Actriz) y un Premio Gotham (Mejor Actriz).

Entre otros de sus créditos en cine se encuentran The Old Man & the Gun con Robert Redford y Casey Affleck; The Seagull, basada en la obra clásica de Chéjov dirigida por Michael Mayer, que coestelariza con Annette Bening y Saoirse Ronan; The Square, la película nominada al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película Extranjera del director danés Ruben Östlund, que además ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2017; Mad to Be Normal, en la que actuó con David Tennant; el cortometraje Tokyo Project, dirigido por Richard Shepard, donde actuó con Ebon Moss-Bachrach; Chuck, con Liev Schreiber; High-Rise, una cinta dirigida por Ben Wheatley, al lado de sus coprotagonistas Tom Hiddleston, Sienna Miller y Jeremy Irons; Truth, con Cate Blanchett y Robert Redford; Queen of Earth, escrita y dirigida por Perry; The One I Love, que coestelarizó con Mark Duplass; Listen Up Philip, dirigida por Perry, que coprotagonizó con Jason Schwartzman; On the Road, la adaptación de Walter Salles de la novela clásica de Jack Kerouac; Get Him to the Greek; The Missing; Girl, Interrupted; y Virgin, película por la que fue nominada a un Premio Independent Spirit en la categoría de Mejor Actriz. 

En la televisión, muy pronto Moss iniciará la producción de la cuarta temporada de The Handmaid’s Tale, la serie dramática de Hulu ganadora del Premio Emmy, basada en la aclamada novela de Margaret Atwood del mismo nombre, de la que también es productora ejecutiva. Entre los muchos honores y reconocimientos que ha recibido por su actuación en este programa se encuentran un Premio Emmy y un Globo de Oro a la Mejor Actriz en una Serie Dramática. Recibió los mismos premios en la categoría de Mejor Serie Dramática, al ser la productora ejecutiva de esta serie.

Otros créditos de Moss en televisión incluyen la muy aclamada miniserie de Jane Campion Top of the Lake, por la que recibió un Globo de Oro y un Premio de los Críticos de Televisión de los Estados Unidos a la Mejor Actriz en una Película o Miniserie, así como nominaciones al Premio Emmy y al SAG en la misma categoría. Esta colaboración fue seguida de Top of the Lake: China Girl; de la serie ganadora de premios Mad Men, donde interpretó el papel de Peggy Olson y recibió seis nominaciones al Premio Emmy, una nominación al Globo de Oro y ganó dos Premios del Sindicato de Actores de Televisión de los Estados Unidos; y por The West Wing, el drama ganador de premios y aclamado por la crítica de Aaron Sorkin, donde tuvo el rol de Zoey Bartlet, la hija de Martin Sheen, que interpretaba al presidente de los Estados Unidos.

Moss actuó en teatro en The Heidi Chronicles, la nueva puesta en escena en Broadway que hizo Wendy Wasserstein de la obra ganadora de un Premio Pulitzer y de un Tony. La interpretación que hizo Moss de ese papel protagónico la hizo acreedora a una nominación al Tony, así como a nominaciones a un Premio Drama League y a un Premio del Círculo de Críticos Externos (fuera de Broadway). Otros de sus créditos en teatro incluyen The Children’s Hour en el West End de Londres, donde actuó al lado de Keira Knightley; la nueva puesta en escena en Broadway de la obra de David Mamet Speed-the-Plow, que estelarizó con William H. Macy; y su debut en el Teatro New York con la compañía Atlantic Theater Company en la obra Franny’s Way.

ALDIS HODGE (James Lanier) es un actor que ha ganado el Premio del Sindicato de Actores de Cine, y se ha forjado una dinámica carrera como un versátil actor, destacando en sus actuaciones tanto en el cine como la televisión. Hodge es quizás mejor conocido por su interpretación del papel de Noah en la serie de WGN aclamada por la crítica Underground, donde actuó al lado de Jurnee Smollett-Bell y Christopher Meloni. 

En enero de 2019, la película Clemency, coprotagonizada por Hodge, ganó el Premio del Gran Jurado Dramático en el Festival de Cine de Sundance. La cinta relata la historia de un preso condenado a muerte (Hodge) y el guardia de la prisión (Alfre Woodard), quién estará a cargo de su ejecución. Mientras el día se aproxima, la historia profundiza sobre el alto precio emocional que tienen que pagar todos los involucrados en este inminente desenlace. La cinta, que fue adquirida para distribución por Neon, también se presentó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2019, y estrenó en los cines de Estados Unidos en diciembre de ese mismo año. Hodge recibió un Premio al Mejor Artista Revelación en el Festival Internacional de Cine de los Hampton; un Premio Discovery del Festival de Cine de Savannah; un Premio Virtuoso en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara; y una nominación al Premio Gotham en la categoría de Mejor Actor; todos los anteriores, por su actuación en dicha cinta.

Actualmente se encuentra coestelarizando, al lado de Kevin Bacon, City on a Hill, la serie de Showtime producida por Matt Damon y Ben Affleck, que estrenó en junio de 2019 con excelentes críticas, y ya ha sido renovada para una segunda temporada. Ese mismo año, vimos a Hodge actuar en la película de Paramount Pictures What Men Want, al lado de Taraji P. Henson.

En el 2018 se llevó a cabo la premier de la cinta de Hodge titulada Brian Banks en el Festival de Cine de Los Ángeles y recibió el Premio del Público. The Hollywood Reporter describe su actuación como “una actuación de cine bellamente sutil, cuyo excelente trabajo debe ser revelado al público.” La cinta estrenó en los cines en agosto pasado, y fue distribuida por Bleecker Street.

En el año 2017 actuó en la cinta aclamada por la crítica Hidden Figures al lado de Henson, Octavia Spencer y Janelle Monáe. La película recibió tres nominaciones al Óscar®, incluyendo la categoría de Mejor Película, así como dos nominaciones al Globo de Oro; asimismo, recibió el Premio SAG en la categoría de Mejor Actuación de un Elenco en una Película para Cine, y un Premio de la NAACP a la Mejor Película. Además del Premio SAG, Hodge recibió el Premio que otorga el National Board of Review Award (Consejo Nacional de Crítica de Cine), así como el Premio del Mejor Elenco en el Festival Internacional de Cine de Palm Springs por su actuación en dicha cinta. Ese mismo año, Hodge participó en la cuarta temporada de Black Mirror, la serie ganadora del Emmy.

En 2016 actuó junto a Tom Cruise en Jack Reacher: Never Go Back, de Edward Zwick. En 2015, en Straight Outta Compton, donde interpretó a MC Ren, un integrante del precursor grupo de rap N.W.A. La cinta fue nominada para los Premios Óscar®, el PGA y el SAG, y ganó el Premio de la NAACP a la Mejor Película.

Hodge interpretó el papel de Alec Hardison en la serie de televisión de TNT con alto rating titulada Leverage, que recibió un Premio People’s Choice Award en 2013.  Otros de sus créditos en televisión incluyen Turn, Friday Night Lights, Supernatural, The Walking Dead, The Blacklist, City of Angels, CSI, ER y Boston Public.

Hodge inició su carrera cuando tenía tres años, y fue contratado para salir en un anuncio impreso en la revista Essence. Continuó trabajando como modelo para anuncios impresos y en comerciales, hasta que hizo la transición a la pantalla chica, cuando él y su hermano formaron parte del elenco de Sesame Street, y posteriormente actuaron en teatro, en la nueva puesta en escena en Broadway de Showboat, ganadora del Premio Tony. Continuó participando en varias películas en el cine, entre las que se encuentran Die Hard with a Vengeance, The Ladykillers y Big Momma’s House.

Además de dedicarse a la actuación, Hodge se encuentra desarrollando proyectos para cine y televisión, diseña relojes de lujo, y es un ávido artista y pintor.  

STORM REID (Sydney Lanier) es mejor conocida por su interpretación del papel de Meg en la adaptación para el formato de acción en vivo que hizo Disney de la aclamada novela para niños A Wrinkle in Time, que fue dirigida por la multi galardonada Ava DuVernay. En la película también actúan Oprah Winfrey, Reese Witherspoon y Mindy Kaling. Reid, quién ya cuenta con numerosos créditos de actuación en su haber, es una cara nueva y ha emergido como una de las jóvenes actrices más solicitadas de Hollywood.

Reid actuó al lado de David Oyelowo en la cinta de Blumhouse Don’t Let Go, cuya premier se llevó a cabo en el Festival de Cine de Sundance de 2019, y estrenó en los cines de Estados Unidos el 30 de agosto de ese mismo año. Recientemente formó parte de la producción de la película Suicide Squad 2, que estrenará en los cines en el 2021. 

En la pantalla chica, Reid ha participado en la serie limitada de Netflix de Ava DuVernay When They See Us, basada en el caso de “Los cinco de Central Park”, que estrenó el 31 de mayo de 2019 en dicha plataforma. La serie recibió 16 nominaciones al Premio Emmy, y ganó dos galardones. También actúa al lado de Zendaya en Euphoria, de HBO, donde interpreta a Gia Bennett, la hermana menor de Rue (el rol que interpreta Zendaya). La historia está centrada en un grupo de estudiantes de preparatoria que están atravesando situaciones relacionadas con drogas, sexo y violencia. El reparto multi estelar incluye a Jacob Elordi, Algee Smithy Sydney Sweeney. Este valiente estrenó el 9 de junio de 2019, y estará de regreso con una segunda temporada en el 2020.

Reid consiguió su primer papel estelar al lado de Brad Pitt, Chiwetel Ejiofor y Michael Fassbender en la película ganadora del Premio de la Academia® Twelve Years a Slave, dirigida por Steve McQueen, y continúa trabajando de forma ininterrumpida, incluyendo su participación en A Happening of Monumental Proportions and Sleight, película que marca el debut como directora de Judy Greer, cuya premier se llevó a cabo en Sundance y cuyos derechos fueron adquiridos por Blumhouse. Los créditos de Reid en la televisión incluyen papeles de estrella invitada en las series Chicago P.D. y NCIS: Los Angeles.

En la actualidad, Reid vive en Los Ángeles.

 HARRIET DYER (Emily Kass) recientemente estelarizó The InBetween, la serie dramática de la cadena NBC.

 Entre otros de sus créditos en la televisión se encuentran las series de comedia The Other Guy y No Activity for Stan, The Letdown, Kiki and Kitty, Black Comedy, Rake y Janet King para la Australian Broadcasting Corporation; Love Child para Nine Network, por cuya actuación recibió una nominación al Premio Logie en 2016 a la Mejor Actriz de Reparto; en el 2015, consiguió dos nominaciones al Premio Logie: al Premio Especial Graham Kennedy al Mejor Talento Nuevo, y al Premio al Talento Nuevo Más Popular. Por esa misma actuación también recibió una nominación al Premio AACTA a la Mejor Actriz Invitada en un Drama de Televisión.  

 Los créditos de Dyer en el cine incluyen Killing Ground, cuya premier se realizó en el Festival Internacional de Cine de Melbourne de 2016, y que además se exhibió en el Festival de Cine de Sundance de 2017; Down Under, que se estrenó en el Festival de Cine de Sídney de 2016; y en Ruben Guthrie, que fue la película inaugural del Festival de Cine de Sídney de 2015.

 Dyer también ha actuado en el teatro, habiendo participado en A Flea in Her Ear, Hay Fever, Travelling North, Machinal y Pygmalion para la Compañía de Teatro de Sídney; en Brisbane, para la Compañía de Teatro de Queensland; en Peter Pan, para Belvoir; en Time Stands Still, para la Compañía de Teatro de Darlinghurst; en Suddenly Last Summer para la National Art School; y en The School for Wives, para la Compañía Bell Shakespeare. En el 2013, Dyer hizo su debut en Broadway en Peter Pan, en el Teatro New Victory de Nueva York. Dyer recibió el Premio de Teatro de Sídney a la Mejor Actriz Estelar en una Producción de Gran Formato por su actuación en Machinal con la Compañía de Teatro de Sídney; y fue nominada para el mismo premio por su trabajo en The School for Wives, para la Compañía Bell Shakespeare.

 Dyer se graduó en el Actors Centre de Australia en 2011.

MICHAEL DORMAN (Tom Griffin) es un actor y músico nacido en Nueva Zelanda, quien actualmente estelariza la serie que estrenó Apple, titulada For All Mankind. Previamente actuó en Patriot, el drama de comedia de Amazon aclamado por la crítica, titulado, donde Dorman también hace de cantante. El multifacético Dorman inició su carrera en el exitoso programa de la televisión australiana The Secret Life of Us, y tiene el primer papel en la serie Wonderland. En el cine, ha participado al lado de Russell Crowe en The Water Diviner para Warner Bros., junto a Jason Statham, Clive Owen y Robert De Niro in Killer Elite; y con Ethan Hawke en la película de Lionsgate Daybreakers. A Dorman lo representan WME, Management 360 y Shanahan Management.

Los créditos adicionales en el cine de OLIVER JACKSON-COHEN (Adrian Griffin) incluyen The Healer, de Paco Arango; Despite the Falling Show, de Shamim Sarif; The Raven, de James McTeigue, con John Cusack y Luke Evans; What’s Your Number?, donde actuó al lado de Anna Faris y Chris Evans; Faster, junto a Dwayne Johnson y Billy Bob Thornton, para CBS Films; Going the Distance de New Line, con Drew Barrymore y Justin Long.

En la televisión, acaba de concluir la producción de The Haunting of Bly Manor, que es la segunda temporada de la exitosa serie de antología de Netflix titulada The Haunting of Hill House, que presenta a una familia que se ve fragmentada mientras confrontaban recuerdos inquietantes de su antiguo hogar, y los terribles eventos que los alejaron de él. La trama de dicha temporada, que se ha mantenido en secreto, está programada para estrenarse en Netflix en el otoño de 2020.

Antes de actuar en Haunting, Jackson-Cohen tuvo un papel estelar en la serie dramática de la BBC aclamada por la crítica Man in an Orange Shirt.  También apareció en la serie de la NBC Emerald City, una reinterpretación moderna y oscura del cuento clásico de Oz, dirigido por Tarsem Singh.

En 2016, Jackson-Cohen y Sarah Snook actuaron en la mini serie australiana The Secret River, que fue nominada para ocho premios AACTA, y Jackson-Cohen fue nominado en la categoría de Mejor Actor en un Drama para la Televisión.

Sus créditos adicionales en la televisión incluyen The Great Fire, con Jack Huston y Rose Leslie; el drama de la NBC Dracula, en el que actuó al lado de Jonathan Rhys Meyers; la mini serie de ITV Mr. Selfridge, con Jeremy Piven; y la producción de Scott Free de World Without End, donde actuó junto a Ben Chaplin y Charlotte Riley.

Acerca de los realizadores

LEIGH WHANNELL (Director/Guionista e Historia para la Pantalla/Productor Ejecutivo) ha ido ganando reconocimiento de forma paulatina por sus contribuciones al cine a través de su escritura, su actuación y ahora su dirección, y forma parte de la lista de los “10 Directores que hay que ver” que publica la revista Variety, por su debut como director de la película Insidious: Chapter 3 (la tercera cinta de esta exitosa franquicia, de la que además es cocreador).

La siguiente película de Whannell fue el thriller original de ciencia ficción titulado Upgrade, que escribió y dirigió para Blumhouse/Goalpost Pictures y cuya premier se llevó a cabo en el Festival SXSW, donde recibió el Premio del Público de las Funciones de Medianoche, y fue estrenada en BH Tilt el 1 de junio de 2018.

Nacido en Melbourne, Australia, Whannell inició su carrera en la industria del cine, trabajando como actor. También fue el presentador de Recovery, la exitosa serie de culto de la televisión, misma que continuó presentando hasta sus últimas dos temporadas. En su función de crítico de cine, Whannell entrevistó a talentos de la talla de George Clooney, Jackie Chan y Tim Burton.

Whannell es cocreador de Saw, una película que realizó mientras estudiaba en el Instituto Real de Tecnología de Melbourne, donde conoció al cineasta James Wan y empezaron a desarrollar ideas juntos, incluyendo el estreno de Lionsgate de 2004 de la película Saw, que Whannell escribió y protagonizó. Además de su colaboración en el guión para Saw II, Whannell escribió el guión y actuó en Saw III, y es el productor ejecutivo de la franquicia de Saw. Además es el consultor creativo de “Saw”, el videojuego. La franquicia es reconocida como una de las series de películas de terror más exitosas y así fue considerada para los récords mundiales Guinness del año 2010. Lionsgate estrenará la última entrega en los Estados Unidos, estelarizada por Chris Rock, el 15 de mayo de 2020.

Entre otros de sus créditos como guionista se encuentran el estreno de Universal Pictures Dead Silence, y la cinta de Sony/FilmDistrict Insidious, cuya premier se llevó a cabo en el Festival Internacional de Cine de Toronto en la sección Midnight Madness, siendo la película más rentable del 2011; así como Insidious: Chapter 2, en la que actuó al lado de Patrick Wilson, Rose Byrne y Barbara Hershey. Insidious: Chapter 3, que escribió y dirigió, la estelarizaron Dermot Mulroney, Stefanie Scott, Lin Shaye, Angus Sampson, y Whannell hizo el papel de Specs. Focus Features/Gramercy Pictures estrenaron la película en los cines, que recaudó más de $112 millones de dólares en todo el mundo. El último capítulo de la franquicia titulado Insidious: The Last Key lo protagonizaron Lin Shaye, Angus Sampson y Whannell, de un guión que también fue escrito por él, y estrenó en los cines el 5 de enero de 2018. Whannell también fue el productor de esta entrega.

Whannell coescribió, fue el productor ejecutivo y estelarizó el drama australiano The Mule, cuya premier se llevó a cabo en el Festival SXSW de 2014, seguido del estreno en los cines ese mismo año; y de Cooties, una comedia de terror que coescribió con Ian Brennan (Glee). Cooties, coestelarizada por Elijah Wood y Rainn Wilson, se presentó en el Festival de Cine de Sundace de 2014 como parte de la popular sección Park City at Midnight, y Lionsgate la estrenó en los cines de Estados Unidos en septiembre de 2015.

Entre otros créditos de actuación de Whannell se encuentran el estreno de Warner Bros. The Matrix Reloaded; Death Sentence, de Fox; la cinta independiente The Pardon,con Jaime King; la película australiana Dying Breed, cuya premier se llevó a cabo en Tribeca; brindó su voz a un personaje animado en la cinta de Warner Bros.Legend of the Guardians: The Owls of Ga’hoole; y participó en los thrillers Crush para Intrepid Pictures, Home Invasion para Voltage Pictures y Zinc Entertainment, y en The Bye Bye Man para STX Entertainment e Intrepid Pictures.

Whannell recibió el Premio Visionario que otorga el Festival de Cine Overlook en 2018, y en 2004 ganó el Premio Greg Tepper, una reconocida distinción por sus extraordinarios logros en el cine.

JASON BLUM, p.g.a. (Productor), fundador de Blumhouse Productions, ha sido nominado en tres ocasiones al Premio de la Academia®, y es dos veces ganador del Primetime Emmy Award y del Premio Peabody en la categoría de productor. Su compañía multimedia es reconocida por ser la creadora y pionera de un nuevo modelo para un estudio de realización de cine: producir películas de alta calidad con presupuestos muy limitados.

Blumhouse es ampliamente reconocido como una fuerza impulsora en el renacimiento del terror contemporáneo.

Los próximos estrenos de la compañía incluyen Fantasy Island, del director Jeff Wadlow, y Run Sweetheart Run, de Shana Feste.

A través de su compañía, los créditos en cine de Blum incluyen: Ma, estelarizada por Octavia Spencer; Black Christmas, de la directora Sophia Takal; Glass, la cinta de M. Night Shyamalan del 2019; los blockbusters del 2017 Split, de M. Night Shyamalan; Get Out, de Jordan Peele; Halloween; BlacKkKlansman; The Gift; Unfriended; The Visit; y las franquicias altamente rentables, tales como The Purge, Insidious, Sinister y Paranormal Activity

La compañía de televisión de Blum, que dirigen Marci Wiseman y Jeremy Gold, se renovó con éxito hace tres años, en la forma de un dinámico estudio independiente, produciendo 11 series que facturaron más de $100 millones de dólares en un año para la compañía productora. Actualmente, Blumhouse Television tiene más de 10 proyectos en etapa de producción con diferentes cadenas y plataformas de streaming, incluyendo pero no limitadas a las series Sharp Objects, The Loudest Voice, Sacred Lies y The Purge, basada en la exitosa franquicia cinematográfica. En este momento, la compañía está produciendo Into the Dark, la primera serie mensual de antología de terror única en su clase, y ha cerrado tratos con cineastas independientes que no tenían representación para realizar una serie de ocho películas que estrenarán directamente en las plataformas de streaming. Este estudio independiente también ha ganado reconocimiento de la crítica, habiendo recibido un Globo de Oro y un Critics’ Choice Award por Sharp Objects; y Premios Emmy por sus producciones The Normal Heart y The Jinx. The Good Lord Bird, una serie limitada de Showtime, estelarizada por Ethan Hawke, que será estrenada en este año. La división también produce largometrajes documentales, con proyectos entre los que se encuentran: This Is Home, que ganó el Premio del Público en Sundance en 2018 (sección Documentales del Mundo) y recibió el prestigioso Premio de la Escuela de Periodismo de duPont/Columbia; así como el premiado documental titulado Bathtubs Over Broadway.

Blum ha aparecido en la “New Establishment List” de Vanity Fair todos los años desde el 2015, recibió el Premio al Productor del Año en 2016 en la CinemaCon de Las Vegas, y forma parte de la lista TIME 100, donde es considerado como una de las personas más influyentes en 2017. Blum es miembro del Sundance Institute’s Director’s Advisory Group. También forma parte de la Junta de Consejo del Public Theater en Nueva York y del Board of Trustees del Vassar College. Antes de fundar Blumhouse, Blum codirigió el departamento de Adquisiciones y Coproducciones en Miramax Films en Nueva York. Su carrera como director de producción inició en la Compañía de Teatro Malaparte, fundada por Ethan Hawke.

Está casado con la periodista y guionista Lauren Blum y tienen dos hijos: una niña, Roxy, y un niño, Booker.

KYLIE DU FRESNE, p.g.a. (Productora) es socia de la compañía Goalpost Pictures, además de una galardonada productora de cine y televisión. Entre sus créditos se encuentran la película Top End Wedding, coescrita y protagonizada por Miranda Tapsell y dirigida por Wayne Blair, que estrenó en Sundance; Upgrade, escrita y dirigida por Leigh Whannell y coproducida con la poderosa productora independiente Blumhouse; Holding the Man, dirigida por Neil Armfield, basada en las preciadas memorias de Timothy Conigrave; y el éxito en taquilla The Sapphires, que estrenó en el Festival de Cine de Cannes, dirigido por Wayne Blair.

Du Fresne es la productora ejecutiva de las temporadas 1 y 2 de Cleverman, la serie aclamada por la crítica que se transmite por las cadenas Australian Broadcast Corporation TV, SundanceTV, BBC Three y TVNZ; y es la productora y productora ejecutiva de Fighting Season, una serie dramática de seis episodios, para Foxtel Australia. Otros de sus créditos como productora incluyen la adaptación nominada al Premio BAFTA del libro de Tim Winton titulado Lockie Leonard, que salió al aire en Nine Network y la BBC; la película para televisión de Rachel Ward An Accidental Soldier, para ABC TV; la película para televisión Scorched, que se transmitió en horario estelar por Nine Network e ITV International; y Stepfather of the Bride de Geoffrey Atherden, para ABC TV.

Es la productora ejecutiva en I Am Woman, la historia de la famosa cantante australiana Helen Reddy, dirigida por Unjoo Moon, y es tanto la productora, así como la productora ejecutiva del reinterpretado Western New Gold Mountain de Goalpost Television para la SBS y All3Media.

Du Fresne forma parte de la junta directiva de Screenwest, la agencia de desarrollo y financiación de cine y televisión de Australia Occidental.

COUPER SAMUELSON (Productor Ejecutivo) es el presidente de la división cine en Blumhouse Productions y está al frente de toda la producción fílmica de la empresa. Samuelson se unió a la compañía en 2011, cuando iniciaba el acuerdo de primera instancia con Universal Pictures. Desde que empezó a colaborar en Blumhouse, Samuelson ha trabajado en más de 60 películas que tienen un presupuesto que va desde los $200,000 hasta los $25 millones de dólares.

Fue él quien tomó como ejemplo el éxito de Paranormal Activity (una película con un presupuesto de $15,000 dólares que recaudó $200 millones de dólares en taquilla a nivel global) y creó una serie de películas que incluyen a aquellas de menor presupuesto que, con frecuencia, resultan ser las más rentables para estudios como Sony (Insidious), Paramount (Paranormal Activity), STX (The Gift), Sony Classics (Whiplash), HBO (The Normal Heart), Warner Bros. (The Gallows) y Universal Pictures (The Purge, Ouija, Unfriended y Happy Death Day). Durante el primer año que trabajó en Blumhouse, Samuelson desarrolló Whiplash, utilizando recursos de la compañía para producir un cortometraje que promovería el subsecuente largometraje que se convertiría en la película con el presupuesto más bajo en la historia de Hollywood en ganar tres premios Óscar®. En 2015, financió y encauzó las exitosas óperas primas de dos nuevos directores: The Gift,por la que Joel Edgerton recibió una nominación al Premio DGA; y Get Out, la película de Jordan Peele ganadora del Premio de la Academia®. Independientemente de su enfoque en películas de género, las cintas de Blumhouse han ganado cinco Premios Óscar® en los últimos cinco años.

En Blumhouse ha conseguido ampliar el alcance de las producciones de la compañía más allá de las películas de género, agregando dramas estelarizados por estrellas de cine, películas familiares de acción en vivo, películas de acción high-concept y exitosas comedias tales como la franquicia de Happy Death Day, así como el relanzamiento de la franquicia de Halloween.

Samuelson inició su carrera en Mark Cuban’s 2929 Productions, donde ocupaba el puesto de asistente y ascendió hasta llegar a dirigir el departamento de cine. Las producciones de la empresa durante la colaboración de Samuelson incluyen la adaptación que hizo Cormac McCarthy de The Road y la película nominada al Oscar® Good Night, and Good Luck.

Entre las películas que ha coproducido se encuentran We Own the NightTwo Lovers,del director James Gray; ambas cintas fueron nominadas para la Palma de Oro de Cannes. Samuelson se graduó en Harvard con una licenciatura en historia y literatura, y en lenguas romance y literaturas. 

Nacida y criada en Madrid, España, BEATRIZ SEQUEIRA (Productora Ejecutiva) estudió en el reconocido American Film Institute, donde obtuvo una maestría en Bellas Artes, con una especialidad en Producción. Después de graduarse trabajó con el director Phillip Noyce en proyectos tales como Catch a Fire de Focus Features y en Brotherhood de Showtime. En 2008 Sequeira hizo equipo con el productor Andrew Tennenbaum en la empresa Flashpoint Entertainment, donde colaboró como directora de desarrollo durante dos años. Fue productora asociada en 2012 de The Amazing Spider-Man y de su secuela en 2014, trabajando con el director Marc Webb y los productores Avi Arad y Matt Tolmach. Fue contratada en Blumhouse como ejecutiva de desarrollo y producción en 2014, donde ha trabajado en películas tales como The Gift, Happy Death Day y Get Out.

JEANETTE VOLTURNO (Productora Ejecutiva) está al frente del área de producción física en Blumhouse Productions, la compañía multimedia conocida por ser la pionera de la creación y ejecución de un nuevo modelo de estudio para la realización de cine: producir películas de alta calidad con presupuestos muy limitados.   

Volturno, que cuenta con más de 25 años de experiencia en la industria de la producción, empezó a colaborar en la compañía en el año 2012, reportando directamente a su fundador, Jason Blum, y ha trabajado en más de 60 largometrajes durante su gestión en esta empresa, entre los que se encuentran Get Out, que fue nominado para cuatro Premios de la Academia® en 2018—incluyendo la categoría de Mejor Película—y ganó el Óscar® al Mejor Guión Original; Halloween, cuyos ingresos de taquilla del primer fin de semana de estreno ($76 millones de dólares) la ubican en el segundo lugar del año 2018, detrás de It; BlacKkKlansman de Spike Lee, que fue nominada para seis Premios de la Academia® en 2019—incluyendo Mejor Película—y ganó el Óscar® al Mejor Guión Adaptado; la exitosa franquicia The Purge, propiedad de la compañía; y Whiplash, que recibió cinco nominaciones para el Premio de la Academia®, ganando tres de ellas, en las categorías de Mejor Actor de Reparto (J.K. Simmons), Mejor Edición y Mejor Mezcla de Sonido.

Volturno y Blum ya habían trabajado juntos cuando ella formó parte del equipo de producción, en el rol de productora en línea en la exitosa franquicia Paranormal Activity. Colaboró además en Insidious de James Wan y en el thriller ambientalista de Barry Levinson, The Bay. Estas películas ayudaron a crear las bases para el éxito que la compañía Blumhouse tiene en la actualidad.

En 1999, antes de colaborar con Blum, Jeanette fundó Catchlight Films. Allí fue la productora ejecutiva de las comedias románticas In the Weeds y Amy’s Orgasm. También fue la productora de los documentales del Festival Mundial de Música Sacra, que fueron inspirados y conducidos por el Sagrado Dalai Lama.

Antes de fundar Catchlight, Volturno fue una de los dos estadounidenses consideradas para crear la compañía Mill Film, de Tony y Ridley Scott, en Londres. Esta oportunidad le permitió trabajar en el cine a nivel internacional. Durante los dos años que estuvo en el extranjero (de 1997 a 1999), contribuyó para la constitución de una nueva división de películas y trabajó en Lost in Space, Waking Ned Devine, Enemy of the State, Hillary and Jackie y en Still Crazy.

Volturno ingresó inicialmente a la industria como coordinadora de efectos visuales en Sony Pictures Imageworks en la película James and the Giant Peach. Esta oportunidad le brindó los cimientos técnicos para los nuevos medios digitales utilizados en la actualidad cinematográfica. Trabajó en Sony durante dos años, contribuyendo a proyectos como Money Train y Michael.

Jeanette estudió en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) en el departamento de Artes y Culturas del Mundo, lo que proporcionó el acercamiento perfecto entre su amor por los viajes, y las diferentes culturas.

ROSEMARY BLIGHT (Productora Ejecutiva) es una de las socias fundadoras de Goalpost Pictures, y una de las productoras más experimentadas de Australia, conocida por su notable trabajo en el cine y la televisión, incluyendo Top End Wedding, coescrita y estelarizada por Miranda Tapsell y dirigida por Wayne Blair; The Sapphires, cuya premier se realizó en Cannes; la serie dramática aclamada por la crítica internacional Cleverman; así como Felony, dirigida por Matthew Saville y protagonizada por Joel Edgerton y Tom Wilkinson. Blight fue la productora ejecutiva de la cinta de Leigh Whannell Upgrade, que coprodujo con la poderosa productora independiente estadounidense, Blumhouse; la adaptación para cine de la novela best-seller de Timothy Conigrave Holding the Man; The Tree, con Charlotte Gainsbourg, que fue la cinta de clausura del Festival de Cine de Cannes; y la serie dramática de Foxtel, Fighting Season.

Los créditos más recientes de Blight incluyen I Am Woman, la historia de la exitosa cantante australiana reconocida a nivel internacional Helen Reddy, que dirigió Unjoo Moon.

BEN GRANT (Productor Ejecutivo) es el director general de Goalpost Pictures, además de uno de los profesionales con más experiencia en el cine y la televisión de Australia.

Actualmente Grant es el productor ejecutivo en el western reinterpretado de Goalpost Television titulado New Gold Mountain. Sus créditos en el cine como productor ejecutivo incluyen Top End Wedding de Wayne Blair; I Am Woman de Unjoo Moon; Upgrade de Leigh Whannell; Fighting Season, una serie dramática de seis episodios para Foxtel Australia y Sky Vision; las temporadas 1 y 2 de Cleverman para Australian Broadcasting Corporation TV, SundanceTV, BBC Three y TVNZ; Holding The Man de Neil Armfield; Felony de Matthew Saville; An Accidental Soldier de Rachel Ward; el éxito de taquilla The Sapphires, dirigido por Wayne Blair; Clubland, estelarizada por la actriz nominada al Premio de la Academia® Brenda Blethyn; y la serie familiar nominada al BAFTA Lockie Leonard. Grant también produjo la cinta de James Bogle Closed for Winter, estelarizada por Natalie Imbruglia.

Grant es miembro de la junta directiva del Sindicato de Directores y Productores de Cine de Australia, y actualmente forma parte de la junta directiva de la Certificación de Cine y Derechos de Autor. Grant también es miembro del Instituto Australiano de Directores de Empresas.

El gusto de STEFAN DUSCIO, ACS (Director de Fotografía) por contar historias comenzó cuando era ilustrador y hacía cómics. Después de graduarse en comunicación en la Universidad RMIT de Melbourne, encontró que podía contar historias a través de la fotografía y la realización de cine. Desde entonces ha realizado cortometrajes, televisión, videos musicales, documentales e innumerables comerciales.

Duscio rodó The Mule, estelarizada por Angus Sampson, cuya premier se llevó a cabo en el Festival South by South West en Austin, Texas, en 2014. También fue el director de fotografía en Galore, la película que marcó el debut en cine del director Rhys Graham, que estrenó en el Festival Internacional de Cine de Melbourne en 2013, y por cuyo trabajo Duscio recibió el Premio Gold y el Premio ACS a la Mejor Fotografía de una Película para Cine. También rodó dos episodios de The Turning, la adaptación de la novela escrita por Tim Winton; Small Mercies de Rhys Graham, y el episodio que protagoniza Mia Wasikowska, Long Clear View. Stefan fotografió la cinta Canopy, que estrenó en el Festival de Cine de Toronto de 2013. Sus créditos en televisión incluyen Barracuda, producido por Matchbox Pictures, por el que fue galardonado con el Premios Gold Victorian que otorga la ACS.

Stefan filmó dos videoclips musicales para el álbum visual de Beyoncé que estrenó hacia finales del 2013, de los temas Miney Ghost. Fue el director de fotografía en la película Backtrack, escrita y dirigida por Michael Petroni, estelarizada por Adrien Brody, por la que fue reconocido en los Premios Nacionales que otorga la ACS: el Premio Gold Tripod en 2017, y el Premio Gold Victorian de parte de la ACS en 2016.

En 2016 Duscio filmó la cinta de Greg McLean Jungle, que protagonizó Daniel Radcliffe y fue la película que abrió el Festival Internacional de Cine de Melbourne de 2017; y rodó la película de ciencia ficción de Leigh Whannell Upgrade, coproducida por Goalpost Pictures y Blumhouse Productions. En el 2018 Stefan filmó Judy and Punch de Mirrah Foulkes, coproducida por Blue-Tongue Films y VICE Media, que se presentó por primera vez en el Festival de Cine de Sídney de 2019 y fue nominada por el Gran Jurado del Festival de Cine de Sundance de 2019, además de rodar Sweetheart, cinta producida por Blumhouse Productions.

En 2019, fotografió la cinta de Robert Connolly The Dry, protagonizada por Eric Bana y producida por Made Up Stories.